NO TENGAS MIEDO (COBWEB)

Es usual que me haga una previsión de próximos estrenos que me llaman la atención o curiosidad, pero siempre estoy abierto a añadir títulos nuevos, que fue lo que me pasó cuando de repente me percaté de esta película. De hecho fue cuando leí en cierta crítica que la comparaba con Coraline, un cuento de hadas algo macabro creado por Neil Gaiman (y que en su momento me gustó bastante), que tuvo incluso una adaptación a cargo de Henry Selick, responsable de ese clásico de la animación titulado Pesadilla antes de Navidad. Las ganas aumentaron cuando rebusqué información sobre este título, y leí que estaba basada en El corazón delator de Edgar Allan Poe, todo un clásico con multitud de adaptaciones a sus espaldas en todo tipo de formatos (incluido el comic, siendo la última vez que lo leí)

Una vez visto este film resultan evidentes las referencias citadas, así como otras como el terror japonés, el slasher (ambas en su tramo final) así como una que me ha llamado la atención de que no citara nadie: los comics de terror de EC. La misma creo que estaría clara en el propio esquema del relato, cuando lo que parecía una cosa acaba siendo otra, recordando a tantos y tantos relatos góticos donde (por mucho que se quieran esconder) los más turbios "secretos" acaban saliendo a la luz, entendiéndose como tal incluso la existencia de inesperados vínculos familiares, escondidos para evitar la vergüenza social y justo por ello acumulando odio por el desprecio recibido (no lo puedo desarrollar más ya que caería en un evidente spoiler)

Pero no adelantemos acontecimientos, porque la película también juega con el espectador (del talante del cual dependerá que entre en el juego de lo que le ofrece esta propuesta), circulando por elementos genéricos como la casa ¿encantada?, el niño que sufre bullying y dice oir ruidos, la maestra bondadosa que intentará averiguar que pasa (sobretodo después del típico dibujo que deja a las claras que algo pasa), unos padres sobreprotectores que paulatinamente parece que esconden algo, una niña desaparecida en la localidad justo a las vísperas de Halloween (que es el momento en el que está situada esta película), unos asaltantes que me recordaron a los de la película Tú eres el siguiente por su afición a las máscaras de animales, y luego ese tramo final donde se dan la mano elementos propios del terror japonés con el slasher personificado en el reguero de víctimas que deja a su paso. Todo ese popurrí de elementos y conceptos admito que ofrecen un film que bien se podría considerar un cuento de hadas macabro que no perturba al adulto más versado en el género, pero puede ser una acertada primera aproximación para los más jóvenes, ahora que se aproxima Halloween.

Y es que no entiendo que esta película se estrenara en temporada veraniega en Estados Unidos (donde ha pasado más bien desapercibida) cuando TODO en ella está orientada hacia la citada celebración de Halloween. Se puede argumentar, algo que tampoco puedo refutar, que quizás funciona mejor la historia cuando sugiere que cuando luego esclarece, ya que en esta segunda senda su tono se antoja más previsible (incluido ese forzado detalle final por si el éxito les acompaña y de aquí sale una nueva franquicia del género), pero resulta digno de elogio que el resultado final esté tan acotado en metraje (apenas 88 minutos), cuando la tónica habitual hoy en día son películas de una duración dilatada en exceso en muchos casos. A su favor destacar la buena ambientación de ese hogar que parece esconder cosas, gracias a la labor del director de fotografía Philip Lozano, así como el trabajo del joven Woody Norman y de sus padres en la ficción, encarnados por unos solventes Lizzy Caplan y Antony Starr. El debut en la dirección de Samuel Bodin acaba siendo una película mejor cuando sugiere que cuando muestra, pero bastante funcional y entretenida en sus pretensiones.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de agosto de 2023.
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BLUE BEETLE

Si algo ha quedado claro en los últimos tres lustros es que en lo referente a películas, Marvel ha vencido a DC por una evidente goleada; si bien los primeros están denotando cierto desatino en sus propuestas más recientes, que no acaban de conectar con el público y convertirse en los éxitos que sus responsables esperaban. En cuanto a DC la suerte ha sido peor, intentando ir a remolque de Marvel con resultados a veces acertados, pero en la mayoría de ocasiones insatisfactorios, siendo la suma de tantos descalabros la que llevó a hacer "borrón y cuenta nueva" a partir de 2025 de la mano de James Gunn, el cual se verá en la tesitura de intentar lograr conectar con público y fans.

Pero hasta entonces había que "finiquitar" todo lo que se podía, y entre ello estaban las películas de Flash estrenada hace unas semanas (y que ha sido un gordo fiasco en taquilla, pese a las esperanzas de sus responsables) y la secuela de Aquaman que en principio tendría que estrenarse a finales del presente año, a las que se sumó la presente Blue Beetle por el entusiasmo que suscitó en los pases previos, ya que en origen su destino iba a ser la plataforma HBO Max (por lo que podríamos decir que le ha pasado como a Posesión Infernal: El despertar (Evil Dead Rise), que también logró modificar su destino televisivo inicial y que su estreno fuera en cines, por la buena acogida que suscitó por anticipado)

Cabe indicar que en este caso me encuentro con un superhéroe del que si me he leído algo habrá sido de manera colateral (me suena de cuando bajo el disfraz estaba Ted Kord), ya que estamos ante uno de esos personajes del universo DC que aún sabiendo de su existencia, nunca se me ha hecho especialmente llamativo, por lo que esta crítica valora la película en si, pero no su fidelidad respecto al comic. Aquí además el portador es nuevo, Jaime Reyes (interpretado por el actor Xolo Maridueña), por lo que puedo admitir que en este caso si que no tengo ninguna referencia previa al no haber leído ningún cómic suyo. Cabe indicar que Blue Beetle como personaje nació en 1939, siendo Dan Garret el primero que llevó esta máscara, luego sustituido por Ted Kord (siendo ese el momento en que se introdujo en el universo DC) hasta que en 2006 entró el citado Jaime Reyes (todo según la información que consta en la ficha del personaje en la wikipedia)

Siendo coherente con ello ya en los títulos de crédito iniciales se indican los dos nombres citados (Dan Garret y Ted Kord) como precedentes en el tema de Blue Beetle, pero en este caso todo gira alrededor de Jaime Reyes, un personaje con ecos del Peter Parker de Spider-Man, que vive con una familia latina que me hizo recordar a la de la película Encanto, y a la que se da tanta importancia como en la franquicia The fast and the furious. No serían los únicos precedentes ya que el Escarabajo Azul del título tiene una relación de simbiosis que recuerda a la del Venom (Veneno) del universo arácnido, sólo que en este caso enfunda a su portador en una especie de armadura que puede recordar a la de Iron Man, con la que el novato Jaime tendrá sus discrepancias iniciales (por desconocimiento) como le pasaba al Peter Parker de Spider-Man homecoming, a lo que añadir ciertos equivalentes con la Batcueva (y más) de Batman.

 

La cosa no acaba ahi, porque la maníquea villana encarnada por Susan Sarandon vendría a ser un equivalente al Obadiah Stane de Jeff Bridges en la primera película de Iron Man (sus motivaciones podrían ser del todo paralelas), mientras que el alter-ego que en aquella era Iron Monger, aquí corre a cargo de un Carapax (al que da vida un Raoul Max Trujillo que por momentos me recordó al Ivan Vanko de Mickey Rourke, villano de Iron Man 2), que en los cómics es conocido como el Hombre Indestructible, en este film relacionado con el Proyecto Omac con el que está obsesionada la villana Victoria Kord a la que da vida Susan Sarandon. Con semejante retahila de "parecidos razonables" uno pensaría que esta Blue Beetle tiene poco o nada que ofrecer, pero justo ahí radica la sorpresa: puede ser una película de orígenes genérica y usual en su base, pero que resulta de un visionado altamente satisfactorio.

La independencia respecto a títulos previos de la que hace gala este film en todo momento puede ser uno de los aspectos que convenció a James Gunn para decidir su estreno en cines, porque las referencias a otros detalles del universo DC son tan colaterales como perfectamente aplicables según lo modelen sus actuales responsables. Incluso sorprende que no se pensara de estrenarla en cines, porque sus efectos visuales están mucho mejor resueltos que la antes citada Flash, donde había varios momentos bastante mejorables. Otro detalle que funciona bien serían sus momentos de humor, sobretodo centrados en el choque cultural por el origen mexicano de la familia del protagonista, si bien en algunos casos rozan lo forzado, pero sin caer en lo vergonzoso. Al final en su modestia está su mayor virtud, porque la destreza con la que maneja elementos genéricos hace de Blue Beetle un film tremendamente entretenido.

De las dos escenas en los créditos, una moda ya inherente a todo film de superhéroes que se precie, la primera entre los créditos resulta curiosa y esperanzadora si consigue alcanzar el éxito para que se haga una secuela, mientras que la del final (a tono con ese humor sustentado en el choque cultural) sería bastante más intrascendente.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de agosto de 2023.
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NINJA TURTLES: CAOS MUTANTE

No hay franquicia muerta, sino que tan solo se la deja en letargo hasta mejores tiempos. Pero tampoco no demasiado, no sea que el público desconecte con ella: por eso debe de ser que se estrena este film de animación de las Tortugas Ninja siete años después de la secuela de la adaptación en acción real que tuvieron bajo la producción de Michael Bay y con Megan Fox como April O'Neil, cuya primera entrega en 2014 tuvo el éxito suficiente para generar la citada continuación. Antes de eso hubo una película de animación en 2007 que no acabó de convencer, y ya habría que retroceder hasta la década de los noventa del siglo pasado para recordar las películas en acción real que se realizaron en el momento de mayor éxito de estos personajes.

No ha sido lo único, porque el merchandising de las Tortugas Ninja ha resultado un éxito desde la serie de animación de 1987 (que yo ví en la televisión autonómica catalana), la cual las catapultó a la fama, apenas tres años después de haber visto la luz de la mano de Kevin Eastman y Peter Laird, por lo que se consideran un valor seguro y una lucrativa franquicia. De hecho el grato recuerdo de la citada serie televisiva de animación estaba bastante presente en el film de 2016 (inclusive con el emblemático tema en sus créditos finales), por lo que me extrañó que su resultado taquillero no diera para continuar por ese camino. Borrón y cuenta nueva (total, no vendrá de un reboot más o menos), y ahora de la mano de Seth Rogen y Evan Goldberg  llega esta propuesta, en la que ellos serían coguionistas y coproductores.

 

Al igual que ocurría con los dos films que estuvieron auspiciados por Michael Bay, no acabo de entender que no se traduzca el nombre de estos personajes, de sobra más que conocidos por varias generaciones: son de esas cosas raras que a veces pasan por este país, en el que un título original se traduce a medias por motivos indefinidos (de hecho en el mercado latinoamericano si se ha estrenado como Tortugas Ninja: Caos mutante) Otro tema serían las expectativas previas, y es que en mi caso había leído críticas realmente entusiastas de esta película, que la situaban en un lugar tan meritorio en cuanto a calidad como la de Spider-Man: Cruzando el multiverso, y que me hicieron esperar un film que paulatinamente se me ha ido desinflando, hasta el punto de dudar si aprobarla o no (cosa que hago valorando la calidad de la mezcla de animación tradicional y generada por ordenador, que sería su punto de mayor atractivo)

 

Aunque popularmente conocidas como Tortugas Ninja, su franquicia en versión original vendría a llamarlas Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes, y en esta película se ha querido potenciar justo ese mencionado lado de la adolescencia, con unos resultados en principio curiosos que en su planteamiento funcionan bien, si los personajes se hubieran desarrollado más allá de las características básicas que definen a cada uno de ellos. Y es que la dinámica del cuarteto resulta funcional, pero nunca va más allá de eso, faltando algo de profundidad a una historia que a partir de ese momento circula por todos los clichés propios de las películas de orígenes de superhéroes (aquí capitalizados por la anhelada aprobación que buscan las tortugas en el público), los cuales pueden resultar correctos y funcionales, pero que no pueden esconder que bajo su más o menos atractivo apartado visual, esta película tiene poco (o nada) más que ofrecer.

 

Curiosamente el tema de los tópicos lo rompen en parte con Splinter (con la voz original de Jackie Chan), que ya no es presentado como el maestro sabio de otras versiones, quedando aquí su personalidad más cercana a ese abnegado padre de familia que tiene que lidiar con cuatro "hijos" en la siempre problemática etapa de la adolescencia. En cuanto a estos, son perfilados como fans de todo lo que estaría a la última, es decir pizza (algo siempre presente en estos personajes), Doritos, Taylor Swift, anime, cómics, películas de superhéroes, etc., a lo que añadir su anhelada búsqueda de su lugar en el mundo (como todo adolescente), lo que les enfrentará a Superfly y su banda, mutantes también rechazados pero que ven la cuestión desde otra perspectiva (¿alguien ha pensado en la confrontación entre Charles Xavier y Magneto, con sus respectivos grupos, en X-Men? Pues en lo básico tal que lo mismo)

Mirándose en el espejo de las múltiples películas de superhéroes que hay hoy en día, el film se permite una escena entre los créditos finales donde se sugiere que el villano para la próxima entrega sería el más clásico que han tenido estos personajes, siempre bajo la posibilidad de que esta película funcione lo suficiente en taquilla como para que se lleve a cabo. Y cabe indicar que se le echa en falta, pese a que por aquí pasen dos de sus "subalternos", aunque sin darles peso específico, el cual se lo lleva un Superfly con el que al final tienen que tirar de homenaje kaijū para que presente algo de esa amenaza que se supone que es, pero que nunca se hace del todo palpable. Al final Ninja Turtles: Caos mutante es una película técnicamente virtuosa, pero argumentalmente arquetípica, hasta el punto de que los más puristas con estos personajes puede que incluso no los reconozcan a tenor de como nos los presentan.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de agosto de 2023.
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SPIDER-MAN LOTUS

Sin duda, estamos ante el fan film más ambicioso de todos los que -hasta la fecha- se han hecho sobre nuestro trepamuros favorito. Spider-Man Lotus es un largometraje de dos horas de duración, con claras reminiscencias de la clásica etapa de Stan Lee y John Romita en Amazing, pero, sobre todo, de dos cómics míticos, de esos que suelen figurar en casi todas las listas de mejores tebeos arácnidos, como son El chico que coleccionaba Spider-Man y Spider-Man: Blue. Está dirigido por Gavin J. Konop.

Estas son las obras de las que más bebe la trama de Spider-Man Lotus.

En lo referente al casting (y aquí me refiero al parecido físico de los actores con sus contrapartidas de papel) he de decir que, en general, me pareció bastante acertado, muy por encima de lo que hemos podido ver en las producciones mainstream (lo que a mi juicio tampoco era tan difícil). Warden Wayne tiene un "no sé qué" con el mentado Peter Parker de Romita. Moriah Brooklyn y Tuyen Powell no desentonan demasiado como Mary Jane y Gwen Stacy (si bien esas pelucas cantan un poco de más). Pero el que más parecido guarda con su homónimo es, a todas luces, Sean Thomas Reid como Harry Osborn. Se nota que el encargado de casting conocía perfectamente las fuentes originales, y se nota también que quiso ajustarse a ellas lo más posible. A ese respecto, tienen mi bendición. Aplaudo también al responsable de vestuario, que se ha esforzado en que los personajes luzcan como en la citada época Lee/Romita, pero lógicamente ajustándolo un poco a estos tiempos.

Materia aparte es la trama argumental, que si bien bebe de los cómics mencionados -a los que pretende homenajear-, peca bastante de errática e inconexa, con un exceso de escenas de diálogo en detrimento de las de acción (que es lo que uno espera ver en una cinta de género superheroico). Eso sí: debo reconocer que la escena inicial en la que Spidey persigue a un coche para acabar enfrentándose al Shocker poco o nada tiene que envidiar a sus contrapartidas oficiales. Y si tenemos en cuenta que esta ha tenido un presupuesto de sólo 25.000 dólares (cantidad que en las otras seguro que ni daba para pagar el servicio de catering), es algo digno de aplauso.

Además, me llegan informaciones de que en este momento está siendo doblada al castellano, y en cuanto la cuelguen en Youtube, os dejo por aquí el link.

(Más información sobre Spider-Man en este enlace). 

SPIDER-MAN: ¡NADA PUEDE DETENER AL JUGGERNAUT! / 21 comics arácnidos / GATA NEGRA: LA CIUDAD DORADA y EL GOLPE DEL INFINITO

SPIDERMAN: ¡NADA PUEDE DETENER AL JUGGERNAUT!

Es un comentario recurrente en mi, pero los coleccionables que sacó Planeta con las dos primeras películas de Spiderman de Sam Raimi son las que me abrieron la puerta al inconmensurable universo de este personaje, por lo que siempre le tendré un cariño especial a las primeras entregas, donde descubrí a duos como Capa y Puñal o villanos tales como el Juggernaut. De hecho este tomo estuve a punto de no cogerlo en la biblioteca, porque pensaba erróneamente que incluiría el mismo material que tenía yo ya en el citado coleccionable, pero gracias a Dios que investigué y rectifiqué: este volumen incluye todos los encuentros entre Spiderman y el Juggernaut desde el inicial clásico de principios de los ochenta y el posterior en el Marvel Team-Up 150 (estos incluidos en el coleccionable de referencia)

A partir de ahi empiezan los que tenía inéditos, comenzando por uno penoso (en todos los sentidos) de principios de los noventa, obra de Rod Liefeld y Todd MacFarlane (el último de este último, por discrepancias que comentan en el artículo introductorio), otro de finales de los años noventa, donde los ojos agradecen el arte de John Romita Jr. tras el bodrio precedente, y luego dos de la década de 2010, el primero con la incertidumbre de que parece que si hay algo o alguien que puede parar al Juggernaut (lo que da pie a tres números entretenidos) más otro final dentro del evento Vengadores vs.X-Men, donde se enfrentan de nuevo ambos personajes pero siendo en ese momento Coloso quien lleva la armadura de Juggernaut (y no Cain Marko, el hermanastro de Charles Xavier) Una interesante recopilación.

• Spiderman: ¡Nada puede detener al Juggernaut!, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

21 grapas arácnidas

Si el pasado mes de junio pude leer las nuevas andaduras de cabeceras arácnidas como Miles Morales: Spider-Man (del que me leí el 1) y Spider-Man a secas (del que me leí el 1 y el 2), ahora he tenido la suerte de no tener que esperar mucho en la biblioteca para leerme el número 2 de la primera y el número 3 de la segunda. En el primer caso la segunda entrega sirve para que cierto personaje clásico del universo Marvel se haga mentora del protagonista, aparte de profundizar más en esa nueva villana llamada Raneem, que en esencia sólo parece una reactualización de viejos esquemas para ese tipo de personajes (todo será cuestión de ver hacia donde va todo) Por su parte el número 3 de Spider-Man, con el duo Dan Slott (guión) y Mark Bagley (dibujo), muestra la búsqueda de esperanza para los protagonistas tras las pérdidas en batalla contra Sathra (lo que lleva incluso a un gazapo clásico que explican en el artículo final de Spot On), tras lo cual vendría lo que bien pudiera haber sido un What If de que hubiera pasado si a Peter Parker no le hubiera picado la araña, con unos cambios sustanciales que habrá que ver en que derivan.

• La ficha editorial de Miles Morales: Spider-Man #2 está por este enlace y la de Spider-Man #3 está por este otro enlace, las fichas de la biblioteca en ambos casos están pendientes de activar.

Al igual que en fechas recientes recuperé todo lo que tenía pendiente de El inmortal Hulk, ahora he hecho una jugada similar con Veneno comenzando tras lo incluido en el tomo Veneno: Rex que incluía el material que años antes había leído en grapa. Empiezo por tanto en el número 5 en grapa, con Donny Cates como responsable de esta cabecera, a partir del cual se van intercalando números de la misma con especiales de Web of Venom los cuales profundizan en algunos detalles complementarios a la citada serie regular. En estos comics se ve a Eddie Brock con el simbionte catatónico intentando lidiar con su situación actual y limar asperezas con el Hacedor, pero sobretodo con su propia familia, mientras que resurge Matanza. El simbionte había engañado a Eddie, y este descubre que tiene un hijo llamado Dylan, tras lo cual viene el cruce con el evento La guerra de los reinos. Matanza sigue en su búsqueda de todos los que han tenido un simbionte, lo que deriva en el evento Matanza absoluta (y derivados, intercalados al estilo Web of Venom), en donde se ven envueltos el Hacedor, Dylan Brock y el nieto de Norman Osborn. Le sigue Isla Veneno donde Eddie Brock intenta "poner orden" en sus simbiontes en una isla donde en sus inicios ya llevó a Spider-Man, mientras la edición española se complementa con la serie Grito (uno de tantos simbiontes que surgieron del original) Finalizo este lote de cómics de Veneno en grapa con la conclusión de Isla Veneno, que coincidió con la pandemia del Coronavirus, y el inicio del siguiente arco argumental, donde el protagonista y su hijo irán a parar al Universo Ultimate.

• La ficha editorial de esta colección de Veneno está por este enlace, (exactamente del 11 al 33 es lo que tienen en la biblioteca, y del 15 al 33 en esta reseña), y la ficha de la biblioteca está por este otro.

GATA NEGRA: LA CIUDAD DORADA y EL GOLPE DEL INFINITO

 

Si a finales del año pasado tuve la buena suerte de poder leer seguidos los tres primeros tomos de la serie regular de la Gata Negra, completo ahora la citada colección con los dos tomos que me quedaban, los cuales llevan por título La ciudad dorada y El golpe del infinito respectivamente. Empezando por el primero de ellos, incluye los números 5 a 7 (tras la renumeración vista en el tercer volumen) más el primer Annual, siendo en el caso de los primeros el arco argumental que le da título al tomo, y en donde queda ya ¿zanjada? la trama que unía a la protagonista con el Zorro Negro (en lo que bien se podría considerar como el robo más ambicioso de Felicia en toda su carrera como ladrona), mientras que el Annual me dí cuenta de que era EL MISMO incluido en el tomo Destinos infinitos que en su día pedí en la biblioteca pero del que al final me leí sólo lo que me interesaba, ya que era muy deudor de ser parte de un evento que se disfruta más si se lee al completo (por eso no hay reseña del mismo en este blog pero recordaba haberlo leído)

 

Por su parte el quinto tomo incluye los números 8 al 10 más el Giant Size específico, todos ellos con la historia en cuatro partes que da título a esta última entrega: El golpe del infinito. Siendo la Gata Negra toda una experta ladrona, en este caso la sitúan intentando apropiarse de las Gemas del Infinito, con la particularidad de que las mismas en aquel momento estaban integradas en personas. El problema radica en que las citadas joyas (entonces portadores) son seis, y al final la protagonista lleva a cabo su plan tan solo con la mitad (tres), por lo que el cierre del arco argumental en el mencionado Giant Size final tiene toda la pinta de ser una manera de cerrar (más o menos) la historia, sin dejarla en un continuará que quedara colgado ante la cancelación de la serie. La misma, por tanto, finaliza con la sensación de haber tan solo dado una pequeña muestra del potencial de este personaje, a la espera de que entre en la biblioteca una serie limitada posterior, centrada en la trama con Iron Man del tercer tomo de la Gata Negra.

• Gata Negra: La ciudad dorada, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.
• Gata Negra: El golpe del infinito, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

(Más información sobre Spider-Man en este enlace). 

MEGALODÓN 2: LA FOSA

En 2018 la primera película de Megalodón no me acabó de convencer, debido a que prometía más de lo que al final ofrecía como ya indiqué en su momento. Me recuerdo además de asistir a un pase de prensa donde la película la pusieron en versión original SIN subtítulos, pero aunque mi nivel de inglés es demasiado flojo para lo que debería (mea culpa), se puede decir que tampoco tenía un argumento que fuera muy difícil de seguir, por lo que cuando la revisé en posteriores visionados (cuando la dieron en televisión) confirmé lo que escribí de ella en su día. 

 

Ante esos antecedentes uno se preguntaría porque me decanté por su secuela, pero es que aparte de esperar que aumentara el disparate y la exageración (y lo escabroso, de lo que la primera andaba algo escasa), tenía curiosidad por su protagonista, el carismático Jason Statham, que con el primer Megalodón consiguió uno de los mayores éxitos en taquilla de su carrera cinematográfica; siendo casi siempre un solvente héroe de acción en el panorama actual. 

 

También me fijé en el cambio de director: del anódino Jon Turteltaub de la primera (que nunca se ha caracterizado por un toque personal en una filmografía bastante discreta, con títulos sencillos a mayor gloria de nombres como los de Nicolas Cage, John Travolta o Sandra Bullock) se pasaba al británico Ben Wheatley, al que como mínimo le podía conceder el beneficio de la duda ante una película de clara serie B, pero con presupuesto de serie A, como es esta secuela.

 

Mirando de reojo la saga jurásica, todo comienza con un prólogo cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, en el se ve a un insecto comido por un animal, que a su vez es comido por otro y luego por otro sucesivamente, hasta finalizar con un Tiranosaurio como máximo depredador... que poco después se ve atrapado por un Megalodón como un depredador todavía mayor (en algunos avances previos se ha visto de forma parcial lo que cito, que son apenas unos pocos minutos iniciales) Este contundente prólogo, que bien podría haber sido el de cualquier película de la franquicia jurásica, da paso a un salto a la actualidad, donde vemos al protagonista intentando destapar un vertido ilegal de residuos tóxicos, quedando a partir de ahí de forma clara que la historia no se toma demasiado en serio a si misma, lo que me llevó a recordarme del sarcasmo que tenía el personaje de Jeff Goldblum en El mundo perdido, la primera secuela de Jurassic Park.

No sería el único "parecido razonable", porque además la fosa que da subtítulo a esta secuela me llevó a recordar a Pacific Rim, en donde de una similar surgían todos los monstruosos kaijus que atormentaban a la humanidad allí (y eso sin contar los guiños a la saga Tiburón iniciada por Steven Spielberg o algunos productos derivados a lo largo de las décadas como Deep Blue Sea de Renny Harlin, así como al cine catastrófico, o al de acción en el que se ha especializado Statham, a lo que sumar los evidentes al mercado chino, como ya ocurría en el primer film) Y es que sabiendo que mantener la tensión sería algo inútil cuando su público potencial va a lo que va, en la segunda mitad de este funcional pastiche de géneros y estilos se desata el exceso EN TODOS LOS SENTIDOS en un escenario que sarcásticamente se llama Isla Diversión, en el cual se desencadena la furia de varios seres prehistóricos surgidos de la citada fosa.

Pero para llegar a esa segunda mitad de la película, antes habrá que recorrer una primera, en la que nos muestran como Jonas Taylor (el personaje de Statham) y sus compañeros bajan para investigar en la citada fosa, en una operación que iba a ser rutinaria pero que es saboteada por unos villanos (al frente de los cuales está Sergio Peris-Mancheta, que vuelve a repetir como malvado maniqueo al igual que hizo en la quinta entrega de la saga Rambo) Durante ese tramo se consigue mantener un acotado toque de terror submarino, si bien enseguida se hace previsible cuales serán los que no sobrevivirán, ya que esta secuela vuelve a pecar de apenas esbozar a sus personajes (sean del bando que sean), por lo que las variadas muertes que se suceden a lo largo del metraje no importan nada al espectador, ya que se elimina el lastre dramático de la previa, y se sumerge sin reparos en un disparate de excesos que por pura acumulación, al final funcionan.

En resumidas cuentas se puede decir que Megalodón 2: La fosa tiene una mayor conciencia de lo que se espera de ella, aumentando las criaturas (en el tramo final pensé que sólo quedaba ver por allí a Ctulhu) y restando el cansino elemento dramático, que en títulos como este son mero relleno. Porque esta secuela se podría considerar también heredera de las clásicas películas con monstruos de hace décadas, sólo que el progresivo avance de los efectos visuales ha permitido que ahora los bicharracos puedan lucir más, haciendo cada vez más innecesarias y superfluas las interacciones humanas, que sirven tan solo para que un mínimo guion nos lleve del punto A al punto B. Entretenimiento funcional que nunca aspira a nada más que eso, esta secuela se desmadra más de lo que lo hizo la previa, dejando con las ganas de una hipotética tercera entrega donde no se corten y el espectaculo salvaje y bestial se desate aún más.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de agosto de 2023.
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HÁBLAME

Tengo que admitir que me decanté por esta película al llamarme un poco la atención su premisa argumental, aunque tuve ciertas reticencias al ver que la productora era A24, responsable también de películas como Hereditary, Midsommar o Men (entre las que he visto, ya que también son suyas X, Pearl o La bruja, que no he visto aún en el momento de escribir estas líneas), las cuales coinciden todas, al menos para mi, en ser productos que salen de lo normal, siendo difícil el acabar de conectar con ellas, y dejando al espectador un poco en la duda de si lo que acaba de ver merece la pena o no (igual alguien me argumenta que en dicha ambigüedad está su mérito más destacable: no diré lo contrario, porque hay tantos gustos como personas viven en este mundo)

De todas maneras las previsiones de esta película eran muchas, ya que webs como Rotten Tomatoes la habían encumbrado como la película de terror mejor valorada de este 2023, por encima de otros títulos tales como Posesión infernal: El despertar (Evil dead rise), Scream 6 o M3gan, lo cual admito que llamó mi atención y me levantó la curiosidad de si la cosa sería para tanto o no (no en vano tenía en mente el caso de La cabaña en el bosque, film que en su día pasó sin pena ni gloria pero que el tiempo la ha catapultado como el título de culto que es hoy en día) Con esta película se estrenan como directores sus responsables, los hermanos Danny y Michael Philippou, un par de jóvenes youtubers que dan el salto al largometraje con esta propuesta dentro de un género (el terror) que por regla general suele ser rentable.

Háblame se centra en el personaje de Mia, interpretado con solvencia por la actriz Sophie Wilde, una solitaria adolescente que ha sufrido una reciente pérdida familiar de la que aún se está recuperando. Buscando la integración entre sus amigos accede a un reto viral: intentar conectar con los espíritus con la ayuda de una mano embalsamada (el objeto más novedoso de esta propuesta, ya que con esta premisa podría haber sido una previsible ouija) Dicho reto, llevado a cabo con multitud de testigos que lo graban en sus dispositivos móviles, les lleva a un estado alucinatorio que me recordó a los personajes de Línea mortal, film de 1990 protagonizada por Kiefer Sutherland, Kevin Bacon y Julia Roberts (que tuvo un desangelado y olvidable remake con Enganchados a la muerte en 2017); lo que para unos era el éxtasis de situarse en esa frontera entre la vida y la muerte, en este caso es una calculada versión de vivir en tu propio cuerpo una posesión (tienen estipulados un máximo de tiempo para "romper" el nexo de unión con la mano embalsamada) Lógicamente, porque sino no tendríamos película, la experiencia sobrenatural se les escapa de control, y entonces empiezan los problemas.

Tengo que admitir que posiblemente estemos ante uno de esos casos donde quizás lo que se dice de ella no sea para tanto (no creo que sea la mejor película de terror de este año), pero eso no es obstáculo para poder afirmar que sin duda es una inesperada y recomendable sorpresa dentro del género, demostrando que sus responsables estaban bastante inspirados cuando la llevaron a cabo. Es verdad que puede manejar elementos algo manidos dentro del género (de hecho la antes citada La cabaña en el bosque podía pecar de antemano por lo mismo), pero sin duda lo que eleva a esta propuesta por encima del resto sería la magnífica atmósfera de fatalidad que le otorgan sus directores, logrando un resultado final que (aunque tenga sus consabidos sustos más o menos acertados, pero todos realmente funcionales) deja con ganas de más, lo cual es algo que ya se imaginaban los hermanos Philippou, porque escribo estas líneas el mismo día que me entero de que ya tienen rodada una precuela. Háblame es una muy recomendable película que marca el notable debut de sus responsables, logrando que incluso se haga corta en sus apenas 95 minutos de metraje.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de agosto de 2023.
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KING KONG: EL LIBRO DEL 90 ANIVERSARIO / MASACRE: TODO POR LOS AMIGOS / GREMLINS / VENGADORES OSCUROS: REUNIÓN

KING KONG: EL LIBRO DEL 90 ANIVERSARIO

En la línea de otros libros parecidos que me he leído en los últimos años, dedicados a todo tipo de películas emblemáticas que celebraban un determinado aniversario desde su estreno, ahora ha sido el turno del dedicado a King Kong con motivo de su 90 aniversario, justo en el presente 2023 (la película se estrenó en 1933) Jesús Palacios, el autor de esta obra, hace un recorrido pormenorizado por todo lo que significó esta película para todos sus responsables, así como la dificultad de llevarla a cabo (en todos los sentidos, incluido por ejemplo el emplear varias técnicas de efectos visuales innovadores para la época, pero que tampoco se libraron de críticas tras su estreno) También se repasa la iconografía previa que llevó hasta la creación de tan mítico personaje, así como toda la gran multitud de derivados que generó (los cuales se alargan hasta nuestros días), así como los muchos formatos por los que ha circulado (cine, televisión, comics, novelas, etc.), aunque nunca con los magistrales resultados originales (ni tan siquiera en la rápida secuela y los otros derivados que sacaron los responsables originales, aunque en este libro hay espacio para los sucedáneos más bizarros y grotescos)

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MASACRE: TODO POR LOS AMIGOS

No tenía controlado yo este tomo con parte de la etapa de Gerry Duggan a cargo de Masacre, por lo que cuando lo descubrí en el catálogo de las bibliotecas enseguida me lo pedí, aprovechando que estaba como disponible. Una vez leído hay que reconocer que el material incluido es variado, pero en líneas generales bastante entretenido: comienza con una serie limitada crossover con Ojo de Halcón (Clint Barton, aunque Kate Bishop también aparece) en la que ambos personajes tendrán que pararle los pies a la Gata Negra, que aqui ejerce funciones de villana. A ello le sigue un Annual donde en esta ocasión sería Spider-Man con quien se cruza Masacre, siguiéndole la pista al Camaleón. Y como no hay dos sin tres, otro crossover le sigue: en esta ocasión el protagonista se cruza con el anciano Steve Rogers con motivo de la muerte de Lobezno; mientras que los posteriores números de su serie regular por aquel entonces (vol.5, números 35 al 40) se centran principalmente en como afectó el evento Axis a Masacre, e incluso hay cabida para una irónica visión sobre el fracking. En resumidas cuentas un tomo tan simpático como convincente para los fans de este personaje.

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GREMLINS: NUNCA LES DES DE COMER DESPUÉS DE MEDIANOCHE

Soy de la generación que vio en su día de estreno en 1984 la película Gremlins (me llevaron a verla cuando tenía 10 años) y que 6 años después también fue a ver su secuela cuando se estrenó, lamentando que la cosa no fuera a más. Lógicamente no soy el único que quedó encantado con estas entrañables pero traviesas criaturas, por lo que (bien sea por nostalgia, por curiosidad o por afición) resulta muy recomendable este libro titulado Gremlins: Nunca les des de comer después de medianoche de Francisco Javier Millán, donde el autor realiza LA MEJOR obra en español sobre esta franquicia, con un pormenorizado desglose de multitud de detalles y curiosidades de todo tipo sobre las dos películas (desde su origen hasta su posterior repercusión), así como todo lo que llevaron aparejado en merchandising u otros films que nos presentaron a bichejos que seguían la estela de Gizmo y los suyos. El presente libro se convierte en una realmente completa guía sobre estas criaturas (descubriendo detalles que desconocía por completo), aunque también desarrollando otros muchos detalles como su banda sonora, o la elección de su reparto (y que fue de ellos posteriormente)

• Gremlins: Nunca les des de comer después de medianoche, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

VENGADORES OSCUROS: REUNIÓN

Admito que, aunque lo viviera a posteriori, no me gustó que se recurriera al (por entonces) difunto Norman Osborn para solucionar la saga del clon inicial, allá por los noventa. En todos los años posteriores no ha hecho nada más que representar ser esa némesis de Spider-Man de la que nunca te puedes deshacer, por todo el legado que la acompaña, pero con la que el héroe siempre acabará sus batallas en tablas, sin un claro vencedor y vuelta a comenzar. Pero eso si, hay excepciones y eso sin duda es cuando el mencionado personaje tomó el control de los Thunderbolts y después el de los Vengadores, a los que lideró como Iron Patriot acompañado de la alineación con la que se estrena en este tomo, que recupera los seis primeros números de aquella cabecera que vio la luz en 2009. En este tomo se las verán con Morgana Le Fay, villana habitual del Doctor Muerte, pero más allá de dicho objetivo (que funciona bastante bien) el mayor mérito radica en las interrelaciones de los miembros de esa nueva alineación de los Vengadores, forzando (en algunos casos más allá del límite) a que villanos que actuaban en solitario formaran un equipo más o menos cohesionado.

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EXCLUSIVA: DIONI DE CAMELA ENSAYANDO EN CASA

Aunque es verdad que este blog no suele hablar muy a menudo de música, no es menos cierto que cuando la ocasión lo merece no dudamos en entrar en harina (tal fue el caso del artículo que le dedicamos al maestro John Williams, por citar un ejemplo). 

Y claro, cuando cae en nuestras manos un documento de la importancia del que hoy nos ocupa, no podemos menos que compartirlo con vosotros.

El vídeo que aquí os adjuntamos es una pieza extremadamente rara, de la que muchos oímos hablar pero pocos creíamos que existiera, ya que la considerábamos una mera leyenda urbana, a la altura de la de la Chica de la Curva o el Monstruo del Lago Ness... Sí, amigos, me estoy refiriendo a la legendaria cinta perdida con los ensayos caseros del Dioni de Camela. Una grabación que EXISTE, y que en The Mystic Bubble nos enorgullecemos de poder ofreceros en rigurosa exclusiva.

¿Qué? ¿Cómo se os queda el cuerpo? (impresionante el momento en que el perrito, arrobado por el duende y el tronío de Dioni, pasa corriendo en una y otra dirección como aquel que dice: "¡¡¡Jooodeeeeer!!!").

LITTLE MONSTERS VOL.1 / LOS PODEROSOS VENGADORES: LA BOMBA DE VENENO / BERSERKER DESENCADENADO / NYAIGHT OF THE LIVING CAT

LITTLE MONSTERS (VOLUMEN 1)

No tenía muchas esperanzas en un comic que me situaba en el enésimo escenario postapocalíptico (el subgénero zombi ha abusado de ello hasta la extenuación), pero tengo que admitir que esta Little Monsters (volumen 1) me ha sorprendido, sin que los elementos que maneja sean especialmente originales. Y es que aparte del escenario mencionado, que unos niños vampiro fueran los protagonistas tampoco era algo novedoso, teniendo en cuenta que los chupasangres también son unos personajes de los que se ha abusado hasta el hartazgo en todo tipo de medios. Pero probé suerte al ser una obra de Jeff Lemire, del que me he leído por ejemplo Black Hammer o Gideon Falls, y admito que no me ha decepcionado: más que vampiros, esos niños vendrían a ser justo eso (simples niños) a los que la eternidad se les hace tan larga que incluso les aburre seguir con su ritmo habitual, pese a que estando solos pueden hacer lo que quieran. La cosa cambiará cuando descubran que aún quedan humanos, en un destacable inicio de una serie en la que el guion de Jeff Lemire tiene un gran compañero en el notable apartado gráfico llevado a cabo por Dustin Nguyen.

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LOS PODEROSOS VENGADORES: LA BOMBA DE VENENO

No soy seguidor de los Vengadores, en cualquiera de sus múltiples alineaciones, pero si de vez en cuando encuentro alguno que me llama la atención, procuro leerlo y probar. Que este tomo de Marvel Must-Have se titulara La bomba de Veneno llamó mi atención por la relación de dicho villano con Spider-Man, pero la verdad es que la misma es casi casi colateral en la aventura aquí incluida. Situada cronológicamente en los tiempos del evento Invasión Secreta (este tomo comienza con Spiderwoman mostrando el cadaver de la skrull Elektra a Tony Stark) digamos que todo estaría centrado en el ataque contra Nueva York por parte del Doctor Muerte, aunque en los complementos citan al verdadero responsable, de una plaga de simbiontes que amenazan con tragarse a todo bicho viviente. Los protagonistas resolverán la situación, pero al intentar detener al mandatario de Latveria este intentará huir al pasado, aunque los planes no acabarán de salir como él había trazado. El comic resulta entretenido, y la dupla entre Brian Michael Bendis al guión y Mark Bagley en el apartado gráfico me lleva a recordar cuando dicha pareja me enamoró en Ultimate Spiderman.

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BERSERKER DESENCADENADO

Nuevo comic de Jeff Lemire, en este caso con Mike Deodato Jr. a cargo del apartado gráfico, que me leí por su parecido a Conan el bárbaro, siendo justo eso lo que me he encontrado... para bien. O sea, es una historia sencilla y hasta cierto punto corta (incluso me atrevería a decir que muy corta) donde se nos presenta a un personaje inspirado de forma muy clara en el famoso cimmerio, que sigue el ejemplo de situar al protagonista fuera de su escenario habitual, y ver como se comporta. De hecho el propio Conan ya vivió una situación parecida, en un What if de Roy Thomas y John Buscema que me leí hace poco más de un año, del que en algunos momentos se recuerda el lector viendo estas páginas de Berserker desencadenado, que sin duda sería una obra recomendable para los fans de Conan. La lástima es que esto podría haber sido un inicio de aventuras bastante entretenido, pero por lo que me consta la cosa no ha ido más allá de lo expuesto en este cómic, siendo por eso la sensación final de ser un buen comienzo... si luego hubiese continuado, aunque como mínimo se puede deleitar uno con un apartado gráfico que luce realmente espléndido.

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NYAIGHT OF THE LIVING CAT #1

Tanto se ha abusado de los apocalipsis zombis que ahora cualquier nueva propuesta suena a algo ya visto... hasta ahora. En Nyaight of the living cat (del que me he leído de la biblioteca el primer tomo) se hace una divertida parodia de los apocalipsis provocados por muertos vivientes hambrientos, lo que pasa que sustituyéndolos aqui ¡¡¡por gatos!!! La base con la que parte es la misma vista en tantos otros casos, pero variando las consecuencias: ha quedado fuera de control un virus llamado NN que transforma a las personas en gatos, los cuales convierten a más humanos en felinos con el simple hecho de entrar en contacto con ellos. O sea, sería una invasión gatuna que contagian su condición por la más leve caricia o roce, pero siendo como los gatos de toda la vida, lo cual le otorga un toque de humor surrealista a esta historia, que se hace patente en el serio desarrollo de este primer tomo, cual si fuera un drama real. A la espera de como evolucionará este manga en futuras entregas, de momento aquí presentan a los personajes (incluido uno misterioso que sospecho que vivió el cambio a la inversa) y se dan pequeños esbozos de como empezó todo.

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FALLECE FRANCISCO IBÁÑEZ

Muy a mi pesar, nuevamente me veo obligado a asomarme por aquí para dar otra de esas noticias que jamás me gustaría tener que dar. Pero el tebeo patrio está de luto, y es que Francisco Ibáñez, el mítico creador de cabeceras tan legendarias para la Editorial Bruguera como Mortadelo y Filemón, Pepe Gotera y Otilio, Rompetechos, El Botones Sacarino, La Familia Trapisonda o 13 Rue del Percebe, ha fallecido esta mañana en Barcelona, a los 87 años de edad.

Con una impresionante trayectoria a sus espaldas (de la que dan fe sus más de 50.000 páginas publicadas, y sus más de 100 millones de ejemplares vendidos en lugares tan dispares como Portugal, Francia, Alemania, Grecia, Suecia, Dinamarca, Italia o Brasil), el autor cosechó infinidad de galardones a lo largo de su dilatada carrera, como el Premio Aro de Oro a los personajes infantiles más populares en los años 1969, 1974, 1975 y 1976, el Gran Premio del Salón del Cómic al conjunto de su obra en 1994, y la medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2001.

Sin duda, su ausencia significa el fin de una época, que marcaría profundamente a varias generaciones de lectores, entre los que desde luego, me incluyo.

Hasta siempre, Maestro, para siempre en nuestro recuerdo. Descanse en Paz.

ELEMENTAL

Había un tiempo en que Pixar era sinónimo de calidad, pero no solo a nivel técnico (lo cual más o menos han logrado mantener siempre en su amplia filmografía), sino también a nivel de historias y personajes. Pero la pandemia del Coronavirus marcó una especie de "antes y después" para la productora del flexo, ya que estrenada pocos días antes del confinamiento, la película Onward no destacó ni en crítica ni en resultados de taquilla. Los tres posteriores estrenos de Pixar (Soul, Luca y Red) fueron directos a la plataforma Disney Plus, sin tampoco levantar grandes entusiasmos. Y cuando ya por fin se pudo volver a los cines, Lightyear fue una inesperada decepción, a la que se añadiría esta Elemental, en cuyo estreno americano (el pasado 16 de junio)  se saldó con una pobre recaudación de taquilla.

Habrá total disparidad de opiniones sobre los más recientes estrenos de Pixar antes citados, pero la brillantez técnica siempre ha estado presente, pese a que en algunos casos a nivel argumental hayan reincidido sobre esquemas previos, sin lograr despertar la sorpresa como sucedía antaño. Eso viene a colación, secuelas aparte, por ejemplo en su reiteración de que ciertas cosas tienen sentimientos, bien sean juguetes (Toy Story), coches (Cars), emociones (Del Revés) o, como sucede aquí, elementos. Algunos marcan ese momento de inflexión de Pixar con El viaje de Arlo, cuyo director (Peter Sohn) que debutaba con aquella película, sería también el responsable de la presente Elemental, su segundo film.

La idea de Sohn para la presente obra era mostrar el choque cultural y racial, ya que es un homenaje hacia su propia familia, en la que ambos progenitores fueron inmigrantes coreanos que se fueron a vivir a Estados Unidos, siendo un loable propósito este detalle por su parte. Dicho contraste queda claro en la esencia de los personajes, ya que aparte de ser opuestos en su propia condición (uno es un chico de agua y la otra una chica de fuego) también lo son en el escalafón social (la familia de agua parece estar mejor posicionada en la sociedad que la de fuego) El problema de esto puede radicar en que es un concepto indudablemente funcional, pero que ya se ha usado hasta el hartazgo, y los responsables de la película tampoco aportan ningún detalle que lo haga destacar más allá de la enésima variación sobre Romeo y Julieta (amores imposibles por diferencias sociales, culturales o lo que se tercie), aunque como mínimo con un final esperanzador y no tan trágico como el de la popular obra de William Shakespeare.

La protagonista es Candela, una chica de fuego temperamental (la muchacha es muy ardiente), cuyo destino parece ser el heredar y continuar con la tradición familiar del negocio que regentan sus progenitores, que hace años emigraron a Ciudad Elemento, un lugar donde conviven Fuego, Agua, Tierra y Aire en una mayor o menor armonía. Por pura casualidad conocerá a Nilo, un chico de agua (se podría hacer el chiste de que es de género fluido...) con tiene cierta facilidad para la lágrima fácil (o más bien chorro), pero cuya sinceridad y carácter divertido poco a poco irán calando en la protagonista, hasta que se establece una historia de amor entre conceptos tan opuestos como lo que son y representan. La parte romántica nunca va más allá de los estereotipos que uno se pueda imaginar para historias de este estilo, y no ayuda mucho la sensación de déjà vu que provoca una Ciudad Elemento que recuerda mucho a Zootrópolis (sólo que allí era con animales), coincidiendo incluso en un chiste común en ambas sobre la lentitud de la burocracia.

Aunque a esta película se le puede achacar la falta de originalidad que he citado en los conceptos básicos donde se sustenta su esquema (si bien como mínimo el resultado es entretenido y cumplidor), otra cosa muy diferente sería a nivel visual, donde Pixar sigue dejando patente su poderío logrando una gran credibilidad en la textura de los elementos que maneja, especialmente en los dos principales (fuego y agua) Sólo por eso ya merece la pena ver Elemental, que además viene precedida de un simpático corto titulado La cita de Carl, donde volvemos a saber del anciano protagonista de Up y el perro Dug, centrándose la historia en como Carl Fredricksen parece recuperar un poco la ilusión al aceptar una cita con una amiga, aunque se encontrará bastante desconcertado sobre como comportarse, siendo los consejos de Dug más o menos adecuados... si eres un perro como él. Dicho corto sabe equilibrar con acierto los elementos de diversión y nostalgia con los que trabaja, recuperando además a unos personajes entrañables y carismáticos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de julio de 2023.
• Galería de posters por este enlace.