ZOOTRÓPOLIS 2

Con Zootrópolis 2 uno pensaría que en Disney han aplicado ese dicho de "las cosas de palacio van despacio": esta secuela llega casi una década después del film original. La película previa destacaba por un planteamiento atractivo, no solo imaginando una urbe donde viven todo tipo de animales, si no que haciéndolo con coherencia a como son. Y todo ello envuelto en un claro homenaje a las buddy-movies, con dos protagonistas obligados a entenderse.

 

La Zootrópolis original de hecho funcionaba tan bien en cuanto a su planteamiento que desde Disney (para ser exactos desde su variante Pixar) no dudaron en volver a aplicarlo en otras películas como por ejemplo Elemental, en la que su Ciudad Elemento no dejaba de ser una traslación de la misma idea, pero adaptada a lo que se requería en aquel film. Incluso hubo un intento de miniserie (Zootrópolis+), aunque admito que no la he visto. 

 

Como no era plan de dejar pasar una marca que podía seguir siendo rentable, se ha recurrido a algunos de los directores del film original (Jared Bush y Byron Howard, siendo Rich Moore quien no repite), y aquí nos ofrecen una nueva aventura de la conejita Judy Hopps y el zorro Nick Wilde, la carismática pareja protagonista que encandiló en la primera entrega. Perdiendo, como ocurre con las secuelas, el factor sorpresa del film inicial, aquí los volvemos a encontrar en una mezcla de aventuras, thriller y comedia.

 

La estructura argumental sería similar a la de la primera entrega (de hecho se reinsiste con acierto en detalles previos que funcionaron, justo por la certeza de que siguen siendo validos), y el macguffin que motiva la acción de esta secuela sería una prueba de que los responsables de la composición de la ciudad (con los diferentes climas, adecuados para cada animal) no fueron los que se supone, sino otros que viven en la clandestinidad.

 

Si ya en la primera película quedaba claro su homenaje a las buddy-movies policiacas de los años ochenta y noventa (sólo que aquí con animales), eso queda aún más patente en esta. De hecho entiendo que no podían jugar con esa baza al ser su público potencial el infantil, pero sin esa cortapisa no dudo que se hubiera establecido una tensión sexual no resuelta entre Judy y Nick, que aquí deriva en una siempre agradecida valoración de la amistad.

 

Es también digno de reseñar la trama que engloba al personaje de Gary (la serpiente) ya que, quien sepa leer entre líneas, es fácil ver un reflejo de problemas sociales como el mantenimiento del problema de la gentrificación. También es un acierto el simpático guiño a Ratatouille o el más sorprendente (resulta inesperado pero funciona muy bien) a uno de los momentos cumbres de la película El resplandor de Stanley Kubrick. 

 

De cara a no eternizar su acertado metraje (107 minutos), sus responsables han decidido incluir a muchos secundarios de la primera película pero en meros cameos, que igual pueden parecer poco según cuales sean (aunque el del perezoso me resultó divertido y funcional). Aparte de la serpiente antes citada, entre los nuevos personajes la más destacada sería una castor que tiene un podcast conspiranoico, y que ayudará a los protagonistas.

 

Con un ritmo trepidante y echando mano en algunos momentos del siempre solvente y socorrido humor slapstick, este film comienza con Judy y Nick ejerciendo de forma tan brillante como policías que han levantado la animadversión de todos sus compañeros. Pero la aparición del primer reptil en Zootrópolis en 100 años provocará que suceda un malentendido con el dúo protagonista que les obligará a tener que huir como fugitivos.

 

Como iba preavisado me quedé hasta el final de los títulos de crédito, ya que hay una secuencia que igual no es muy trascendente... o igual sí, ya que puede dejar el camino abierto para una tercera entrega más que probable a tenor de los excelentes resultados en taquilla que ya está marcando. Pero una vez vista sería un éxito más que merecido porque sin duda en este caso Disney se ha marcado una digna secuela.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de noviembre de 2025.
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TRON: ARES

Con Tron: Ares se demuestra que nunca es tarde para sacar rédito de una I.P. (propiedad intelectual en sus siglas en inglés) aunque hayan pasado 15 años desde la anterior entrega (un lapsus temporal como el que hubo entre las películas Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal e Indiana Jones y el dial del destino), y a su vez 43 años desde la primera película, que en su día no fue un fracaso sino que logró un éxito moderado (33 millones de dólares de recaudación sobre unos 17 de presupuesto), triunfando luego en los videoclubes.

El film de 1982 no lo vi hasta su estreno en televisión, pero admito que imágenes como la "introducción" del protagonista dentro del sistema informático dejó asombrado al espectador infantil que era yo por aquel entonces. Disney sacó una secuela en 2010, en la que multiplicó por 10 el presupuesto de la original, pero la recaudación que alcanzó Tron: Legacy no fue un fiasco aunque tampoco como para tirar cohetes: 400 millones de dólares, otro éxito moderado. 

Ya la secuela de 2010 pecaba de ser más llamativa en lo visual que en lo argumental, en una tónica que se está haciendo muy común con los avances tecnológicos aplicados al mundo del cine. Muchas películas de hoy en día buscan apabullar al espectador con imágenes espectaculares, que luego están hilvanadas con un guion que no está a la misma altura. Y eso se repite también en esta tercera entrega de la franquicia, que peca de un exceso de maniqueísmo.

La ambición es mala (esa sería la idea) y si Ed Dillinger (encarnado en la película original por el actor David Warner) era el villano a batir, su hija Elisabeth (encarnada en esta película por Gillian Anderson, la agente Dana Scully de Expediente X) ha sido la madre de Julian Dillinger (encarnado en esta película por el actor Evan Peters, visto como el veloz Mercurio en la saga X-Men mientras estuvo en manos de la Fox), nieto del inicial Ed y actual dueño de Dillinger Systems. Su visión es muy pragmática, y defiende el interés defensivo y militar sobre todo lo demás (en un símil parecido a como era Tony Stark antes de convertirse en Iron Man). Pero tiene un hándicap con la permanencia de sus creaciones...

Aunque puede trasladar del mundo digital al real cualquier cosa, nada le dura más allá de un límite preestablecido de 29 minutos, manteniendo una dura competencia empresarial con ENCOM, que tiene el mismo problema de tiempo, si bien su responsable Eve Kim (encarnada aquí por Greta Lee) tiene en mente objetivos más humanitarios y menos militares que los de Dillinger Systems. Entremedio de esa pugna se añade Ares (encarnado con aspecto mesiánico por Jared Leto), un programa al que intentan comercializar como el soldado perfecto, pero que empieza a tener dudas sobre cual debería ser su objetivo en la vida (como si fuera un replicante de Blade Runner).

Cuando Eve Kim consigue el código de permanencia que en su día creó Kevin Flynn (encarnado por Jeff Bridges en las tres entregas, ya que aquí aparece en un cameo también bastante mesiánico que nos permite volver a los escenarios vistos en 1982), Dillinger no dudará en ir contra ella, ya que quien posea dicho código de permanencia logrará que lo que traigan del mundo digital no desaparezca pasados 29 minutos. Maniqueísmo blanco y en botella: la empresa ambiciosa serían los malos (pese a que la madre de Julian no deje de decirle que se está pasando de la raya), la humanitaria los buenos y Ares que se aliará con esta última para conseguir tener vida propia, y no tan solo temporal. 

Teniendo en cuenta lo espectacular que es en su apartado visual Tron: Ares, resulta una lástima que el guion peque de ser tan simple, careciendo de mayor profundidad que la citada (de hecho su maniqueísmo sería tan palpable solo en su código de colores que resulta obvio). Eso sí, lo que funciona de forma estupenda nada más empezar es la banda sonora de Nine Inch Nails, que resulta un aspecto digno de mención en esta entretenida secuela, con un ritmo y unas secuencias de acción que ayudan a ello. A eso hay que sumar una escena entre créditos donde un cabo suelto sugiere futura secuela, con un guiño sobre el aspecto que lucía David Warner en el Tron de 1982.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de octubre de 2025.
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ELIO

Con esta Elio se le podría decir a Pixar aquello de "quién te ha visto y quién te ve" o "de lo que llegaste a ser a cómo te has quedado". En otros tiempos cualquier producción de la compañía del flexo lograba críticas elogiosas y récords de taquilla, pero desde 2020 con Onward (y luego el posterior estreno directo en la plataforma Disney Plus de Soul, Luca y Red debido a la pandemia del Coronavirus), el entusiasmo crítico ha bajado y el público ya no responde como antes.

Más allá de la calidad por separado de cada uno de los títulos citados, aún siendo evidente que ya no rozan la excelencia como antes, las cosas no mejoraron tras volver a estrenarse sus películas en cines, ya que Lightyear (que no alcanzó las expectativas que tenían en ella) y Elemental (a la que también le costó llegar a unos resultados como mínimo correctos en cuanto a taquilla) no pasaron de ser unos meros entretenimientos, sin la grandeza previa. 

La cosa parecía que había remontado con Del revés 2, que logró unas mejores críticas y recaudación que los títulos previos, pero siendo una secuela (lo cual le resta el aliciente de lo original). Pero este 2025 con Elio han tenido los peores resultados en taquilla de ningún estreno ya desde su mismo inicio, logrando apenas 20 millones de dólares en su llegada a la cartelera americana.

Contando que ha tenido una campaña de marketing bastante pobre (al igual que la propia Disney ha hecho este mismo año con su remake de Blancanieves), la sensación que deja es la misma que con el film con Rachel Zegler y Gal Gadot: vamos a estrenar lo que al final nos ha quedado y que sea lo que Dios quiera. En este caso parece ser que media un abismo entre lo que en origen era esta película y lo que al final ha acabado siendo, por políticas internas de la propia Pixar que han desposeído a Elio de sus referencias más progresistas e inclusivas, hasta dejarlo en un simple producto complaciente y conservador.

De todas maneras, y siendo puntilloso, si uno le quiere "buscar los tres pies al gato" se podría entender el Comuniverso (esa especie de Naciones Unidas galácticas) como una metáfora del mundo LGTBIQ+, en el que todo es color, diversidad y aceptación, seas como seas. Por su parte la raza alienígena hostil se podría interpretar como los homofóbicos, ya que para ellos no hay lugar para nada salvo lo que ellos creen lo correcto, y el personaje de Glordon puede interpretarse como un miembro tolerante de su especie (¿se podría considerar LGTBIQ+?), pero que esconde sus sentimientos a su progenitor para no decepcionarlo. El final, sin spoilers, vendría a representar la aceptación de la diversidad. 

Son detalles que podían prevalecer de la versión original de Adrian Molina, el primer director que tuvo esta película y que la abandonó por diferencias entre lo que él pensaba y lo que los directivos de Pixar querían. Su visión del personaje de Elio incluía un alma más latina, su pasión por la moda (de lo que queda tan solo esa capa que lleva más que nada porque sí), la defensa del medio ambiente y el póster de su ¿ídolo/crush? en su habitación. Pero todo eso se ha diluido por temor de Pixar a una recepción tan furibunda como la escueta escena (a lo sumo 1 segundo) del beso entre dos mujeres visto en Lightyear, y que exacerbó los ánimos de los beligerantes y ¿justificó? su relativo fiasco en la taquilla.

El resultado final no es malo, pero tampoco podríamos encumbrarlo como otros clásicos de Pixar. Vendría a resumirse en un protagonista que no consigue encajar con nadie, creyendo que si hay vida más allá de nuestro planeta, quizás los alienígenas sí lo acepten. Cual será su sorpresa cuando descubra al Comuniverso, una utopía alienígena fascinante en su apartado visual (ahí Pixar sigue asombrosa), pero en la que no se ahonda lo suficiente. Después vendrá una trama correcta y más o menos entretenida en la que digamos que confluyen diferentes conceptos argumentales (empatía, duelo, familia, el hecho de ser diferente y la inmensidad del cosmos) que no llegan a la altura visual de esta propuesta. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de junio de 2025.
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PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS

Esta Predator: Asesino de asesinos es claro resultado del éxito que tuvo la entrega previa (Predator: La presa) cuando se estrenó en el verano de 2022 en Disney Plus por la poca confianza que tenían en ella... para luego convencer en líneas generales a público y crítica. A sus espaldas tenía una franquicia que comenzó en 1987 con la película Depredador dirigida por John McTiernam y con Arnold Schwarzenegger de protagonista, a la que siguió una secuela que no tuvo tanta suerte, dejando en letargo futuras entregas.

 

Tras varios años detenida, a alguien se le ocurrió la brillante idea de realizar un crossover con Alien (de la saga homónima) para intentar repetir el éxito que dichos combates habían tenido en las viñetas. Digamos que habrá quien defienda las dos películas (2004 y 2007) de Alien vs.Predator... pero no seré yo uno de ellos.

 

Con la criatura de nuevo en solitario, se probó suerte en 2010 con Predators y en 2018 con Predator, pero ninguna logró cubrir lo que se esperaba de ellas (y de ahí que la película de 2022 antes citada no levantara interés inicial para su estreno en salas de cine, yendo directo a la plataforma Disney Plus). Eso cambió con su inesperado éxito, por lo que este 2025 habrá dos películas de Predator, primero esta de animación con estreno en plataforma, y en noviembre la de acción real Predator: Badlands, que llegará a los cines.

 

En el caso del presente film estamos ante un relato episódico, que en inicio parecen ser independientes entre sí, pero que confluyen en su tramo final. Las historias, localizadas en diferentes periodos históricos, se centran en una guerrera vikinga, un ninja del Japón feudal y un soldado norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. Tengo que admitir que me llamó la atención el tramo japonés, ya que viene a ser una sucesión de acción sin apenas ningún diálogo, pero mostrándose efectiva en lo que quiere narrar. De todas maneras el estilo de animación no me ha resultado del todo convincente, aunque deviene funcional, que en última instancia es lo que interesa.

 

Habrá quien pueda tener prejuicios hacia el hecho de que un film así se estrene en Disney Plus, siendo una plataforma más asociada (en general) al entretenimiento infantil, pero en ese sentido tengo que admitir que cumple con la esencia de la franquicia. Con eso me vengo a referir a que casi desde el inicio todo es una brutal orgía sangrienta de violencia desenfrenada, destacando de forma especial en el primer tramo con los vikingos. Y para no hacer repetitivos los tres segmentos que conforman esta película, antes de la confluencia final, el tercero de ellos sería un combate aéreo, siendo relativa novedad porque hasta ahora los más espectaculares en esta franquicia han sido cuerpo a cuerpo.

 

El problema de Predator: Asesino de asesinos es su condición de mero complemento co-dirigido por Dan Trachtenberg, responsable tanto de la previa La Presa como de la próxima Badlands, que aquí comparte dicha función con Joss Wassung. Es como si en una tormenta de ideas sobre posibles secuelas para el film de 2022 hubieran elegido estas tres opciones, limitándose a engarzarlas para darles una cierta coherencia, aprovechando la animación para así realizar un film de presupuesto más contenido (en esta época en que en Hollywood el exceso de gasto hace difícil la rentabilidad de ciertas películas). El resultado cumple con la esencia de la criatura, pero (al menos a mi) me sabe a poco.

 

Su función de mera bisagra entre lo estrenado y lo que está por llegar (o como mínimo valoran) se encuentra cuando al final se ven una serie de cámaras criogénicas en la que los más avezados han creído ver cierta criatura con la que pueden volver a cruzarse, así como detalles que van desde la misma película inaugural de 1987 hasta la más reciente, siendo en el caso de esta última la referencia bastante evidente. Con lo visto en Predator: Asesino de asesinos cabe la suposición de que los yautja (la especie a la que pertenecen estas criaturas) reúnan a los mejores y más avezados guerreros de diferentes épocas y lugares con objeto de... lo que se les ocurra de aquí a futuras entregas.  

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 6 de junio de 2025.
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BASIL EL RATÓN SUPERDETECTIVE

Empiezo con un pequeño inciso: hace muchos años que conozco la película Basil el ratón superdetective de Disney, que fue estrenada en 1986 aunque yo no la vi hasta los noventa en video. Mi presunción (equivocada) era que la Disney la había hecho como homenaje para coincidir con el centenario de Sherlock Holmes en 1987 (la inicial Estudio en escarlata se había editado en 1887). Es gracioso porque lo que voy a decir incluso sale reflejado en sus títulos de crédito, pero no me he percatado de ello hasta ahora, ya que he aprovechado para revisar la película y descubrir la obra literaria que toma como base (que en esencia tienen poco en común).

Y es que Basil el ratón superdetective está basado en un cuento infantil de Eve Titus con ilustraciones de Paul Galdone del que desconocía por completo su existencia, hasta que hace unos días buscando al azar en el catálogo de las bibliotecas lo encontré, en una edición de Blackie Books de 2020, aunque la historia vio la luz en 1958. Pese a que al popular Sherlock Holmes lo han interpretado multitud de actores a lo largo de los años, en el momento en que se escribió esta obra la mayoría coincidía en señalar a Basil Rathbone como el que mejor lo encarnó en las 14 películas que hizo dando vida al detective entre 1939 y 1946, siendo como homenaje a él lo de poner Basil al roedor protagonista.

El libro de Eve Titus es un cuento muy recomendable para los más pequeños, al que el hecho de venir acompañado por las ilustraciones originales de Paul Galdone le confiere un mayor mérito, cual si fuera un equivalente al Sidney Paget que se encargó de lo mismo en las obras de Sherlock Holmes escritas por Sir Arthur Conan Doyle. La historia, orientada hacia el público infantil, plantea el secuestro de las gemelas Angela y Agatha dentro del mundo ratonil ingeniado en el subsuelo del Londres victoriano, lo que llevará a Basil y su amigo el doctor Dawson (claro equivalente ratonil de Watson) a descubrir un perverso plan orquestado por los Tres Terribles.

Esta novela de Eve Titus es la primera de las cinco que dedicó a este ratón detective, y su título original es Basil of Baker Street, aunque para esta edición se aprovechara el título de la película animada de Disney para darle mayor notoriedad. En la ficha de la Wikipedia de la autora se puede consultar toda su obra, incluidos los otros títulos de Basil que, al menos que me conste en el momento de escribir estas líneas, no han tenido edición española (o al menos la desconozco). Pero a la hora de la adaptación por parte de Disney en 1986 no sé si unificaron detalles de los otros relatos, pero digamos que los parecidos son más bien escasos, aunque el resultado es bastante entretenido.

Además de Basil como trasunto de Sherlock Holmes, el Doctor Dawson equivalente a Watson y la señora Judson respecto a la humana señora Hudson, en el film tenemos como villano al Profesor Ratigan, reflejo en rata (lo cual le irrita mucho que le digan) al Profesor Moriarty, y al que pone voz en la versión original el emblemático actor Vincent Price. El esbirro principal del villano es un torpe murciélago cojo, y en su banda tiene más ratones y una gata con la que digamos que controla la disidencia entre sus secuaces, mientras que el equipo de Basil tiene a Toby, el perro de Sherlock Holmes al que se menciona en El signo de los cuatro, si bien ninguno aparece en la obra de Titus.

El único nexo en común entre libro y película sería que en ambos todo comienza por un secuestro, pero mientras que en la obra son dos gemelas y el plan de los villanos es diferente, en la película el personaje secuestrado es un ratón juguetero llamado Hiram Flaversham, siendo su hija Olivia quien acudirá a pedir ayuda a Basil. A medida que avance la película se descubrirá que todo es un plan megalómano del Profesor Ratigan para lograr más poder (y no digo más para no desvelar spoilers). A nivel de curiosidad citar que en su versión original se usó la voz grabada de Basil Rathbone para dar voz a Sherlock Holmes, ya que el citado actor falleció en 1967.

• Basil el ratón superdetective de Eve Titus, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (en castellano y catalán) por este otro. CALIFICACIÓN: 4/5 (Buena).
• Basil el ratón superdetective de Disney, ficha en Imdb por este enlace y ficha en Filmafinitty por este otro. CALIFICACIÓN: 3,5/5 (Entretenida).

MUFASA: EL REY LEÓN

Poderoso caballero es don dinero, y en Disney han visto un filón con sus live-action de su amplia cartera de clásicos animados, por lo que llevan unos cuantos años estrenando tantos que incluso con Vaiana marcarán el récord de que tan solo separen 10 años del film original a su nueva versión. Pero en este caso se trata de El rey león, que con motivo de su 25 aniversario tuvo su correspondiente adaptación, y la misma tuvo TANTO éxito (más de 1100 millones de dólares a nivel mundial; la animada de 1994 logró más de 550 millones de dólares a nivel mundial), que no se dudó mucho a la hora de dar luz verde a una secuela, que en este caso es precuela ya que se centra en la vida de Mufasa, el padre de Simba y futuro rey león.

Podríamos decir que la película de 2019 se nutrió mucho de un público nostálgico que quería redescubrir el clásico animado que vieron siendo pequeños; pero también es bien cierto que el formato utilizado de animación hiperrealista chocaba con el de la animación clásica de la cinta de 1994, por lo que aunque era todo un espectáculo visual, en esencia perdía la expresividad y el carisma del film original. 

 

A eso se sumaba el hecho de ser en esencia LA MISMA HISTORIA, por lo que más allá de esa novedad visual, en la argumental nos estaban contando lo mismo. Por eso me interesó esta precuela, ya que tocaba un tema hasta ahora no abordado ni en la película original, ni en su versión de 2019 ni tampoco (al menos que me conste) en sus secuelas y variantes en animación clásica tanto para formato doméstico (VHS allá por los noventa) como para canales Disney o su plataforma (varias series orientadas al público infantil) Esta precuela tenía que haberse estrenado este pasado verano, pero la huelga que hubo en Hollywood el año pasado (y que llevó a varios reajustes en fechas de estreno en multitud de films) llevó a que esta Mufasa: El rey león se retrasara hasta finales de 2024, para así no perder la coincidencia con el 30 aniversario de la película original; cediendo Jon Favreau la silla de director en Barry Jenkins.

 

A nivel emocional esta precuela comienza ya tocando el corazón del público, porque se recuerda al fallecido James Earl Jones, que le puso voz a Mufasa tanto en la cinta animada original de 1994 como en su remake de 2019 (aquí en España fue Constantino Romero en el primer caso y Pedro Tena en el segundo) A partir de ahí comienza una película que funciona como secuela y precuela al mismo tiempo (aunque prevalece lo segundo) ya que se nos presenta a Kiara, la hija de Simba y Nala (por lo que dicho preludio actuaría como secuela de El rey león), aunque pronto se retrocede ya que la joven Kiara, al tener que ausentarse sus progenitores, queda bajo el cuidado de Timón y Pumba (meros alivios cómicos cuya función en este film es algo irregular, aunque con algún momento de gracia) así como Rafiki, aprovechando este último para contarle a la joven Kiara una historia de su abuelo Mufasa antes de que se convirtiera en rey. Esa visión del pasado servirá para conocer ciertos detalles y relaciones entre personajes hasta ahora desconocidos.

 

Si bien la cinta de 2019 recibió críticas en relación a que su fotorealismo casi de documental le hacía perder puntos frente a la candidez de la animación clásica, en esta precuela se mantiene el tono pero con ciertos matices, ya que se permite una cierta expresividad en los animales, siempre intentando no ser demasiado chocante respecto al estilo del conjunto. En cuanto al apartado musical, las canciones de Lin-Manuel Miranda son todas bastante acertadas, pero creo que no llegan al nivel de la banda sonora original de Hans Zimmer y Elton John, ya que no encontré ningún tema que se pueda hacer tan mítico como los de aquella. Además el hecho de ser precuela puede llevar, pese a estar bien desarrollada, a que se haga previsible como acabará la shakesperiana relación entre Mufasa y Taka, aunque varios incisos durante todo el metraje ya sugieran en quien acabará convirtiéndose este último. En resumen Mufasa resulta correcta (pese a que uno se quede con las ganas de ver esto en animación tradicional), ampliando las posibilidades de esta franquicia.  

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de diciembre de 2024.
• Galería de posters por este enlace.
  

LOS VIGILANTES / SHOCK SUSPENSTORIES VOL.2 / ULTIMATE SPIDERMAN 7 / TÍO GILITO Y LA MONEDA DEL INFINITO

LOS VIGILANTES

Este año se estrenó la adaptación de esta novela, en un film que marcaba el debut en la dirección de una de las hijas de M.Night Shyamalan, y al conocer que su base era esta obra de A.M.Shine estuve atento para cuando estuviera disponible en las bibliotecas. Ya lo ha hecho, ya la he leído, y tengo que admitir que el film citado adapta de forma bastante aceptable la historia original (aunque con ciertos matices discutibles, quedando algunos detalles más claros en el libro que en el film), volviendo a insistir que lo mejor es saber lo mínimo para dejarse sorprender. La protagonista es una joven que se queda perdida en un frondoso e inhóspito bosque, en el que al parecer no está sola. Salvada in-extremis de los vigilantes, unos seres que acechan a sus víctimas, se encontrará encerrada junto con más cautivos en un lugar sin aparente posibilidad de huida, donde son observados por dichas criaturas. La historia mantiene la tensión sobre lo desconocido de la amenaza, e incluso se permite un giro final bastante sorprendente (si no se ha visto antes la película)

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Los vigilantes, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

SHOCK SUSPENSTORIES VOL.2

Tras haber leído el primer volumen de Shock Suspenstories de la biblioteca hace unos meses, ahora he tenido el gusto de dar buena cuenta del segundo, que incluye los números 7 al 12 de la cabecera homónima, que vieron la luz entre 1953 y 1954. Y cuando uno se da cuenta de que han pasado 70 años desde su origen, y de los temas que trata (entre otros la drogadicción, el culto a la imagen o la violencia vicaria) enseguida se percibe la tremenda actualidad de ello, por más que aquí estén representados según el contexto social y cultural de aquel momento. Pero si ya desde el punto de vista actual algunas historias provocan reflexiones sobre lo planteado, no me extraña que en su época fueran todo un revolucionario éxito; con el incentivo añadido en este segundo volumen de incluir adaptaciones de relatos de Ray Bradbury, sumado a la gran plantilla de artistas que tenía EC por aquel entonces. Sin duda alguna una obra maestra del comic, a la que Diabolo le está dando una lujosa edición a la altura de las circunstancias.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

• Shock Suspenstories vol.2, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro.

ULTIMATE SPIDER-MAN 7

Uno no solo vive como lector para lo que cojo de la biblioteca, sino también para lo poco que compro, y en ese grupo está la nueva andadura de Ultimate Spider-Man de Jonathan Hickman al guión y Marco Checchetto en el apartado gráfico, que en el mes en curso en que escribo esta reseña ya ha editado en España su séptimo número, y primero del nuevo arco argumental tras la presentación que fueron los seis primeros. En esta entrega se profundiza más en la tecnología Stark que son los trajes del Duende Verde y de Spider-Man, siendo el primero un modelo 1.0 y el segundo un modelo 2.0 según la definición que en estas viñetas le da un Otto Octavius que de momento no es el Doctor Octopus... aunque todo se andará (la sugerencia ahí queda, a la espera de que en el futuro se concrete de una forma u otra) También empieza a gestarse en este número la versión que habrá en este universo de Los Seis Siniestros, en este caso comandados por Kingpin, más el guiño a Todos los hombres del presidente en la breve aparición de Robbie Robertson.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ultimate Spider-Man 7, ficha editorial por este enlace.

TÍO GILITO Y LA MONEDA DEL INFINITO

Con mi medio siglo de vida pertenezco a esa generación que se crió en su infancia leyendo cómics de la editorial Bruguera y de Don Miki. De hecho de pequeño tuve una hucha en forma de libro del Tío Gilito, de la que ya ni me acuerdo que fue de ella, así como el Manual de los Jóvenes Castores con los sobrinos del Pato Donald, por lo que un cómic como Tío Gilito y la moneda del infinito me tenía que llamar la atención sí o sí con esa notable portada de Alex Ross. La historia realizada por Jason Aaron hecha mano del multiverso para mostrar el plan de un Gilito malvado que en su mundo siempre fue un amargado debido a que allí el arco argumental Navidad en Monte Oso acabó sin final feliz... con la curiosidad de que este número especial se completa con dicho relato clásico escrito y dibujado por Carl Barks, para así entender el origen de la nueva aventura. Entre los destacables extras (incluidos futuros What If Disney-Marvel) se incluyen portadas alternativas dibujadas por autores como John Romita Jr., Frank Miller o Walter Simonson entre otros.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Tío Gilito y la moneda del infinito, ficha editorial por este enlace.

DEL REVÉS 2 (INSIDE OUT 2)

Decir Pixar es sinónimo de Disney, y a esta no es que le vayan muy bien las cosas en los últimos tiempos: de los cinco mayores fracasos en la taquilla del año pasado, cuatro son de dicha compañía (para ser exactos The Marvels, Indiana Jones y el dial del destino, Wish: El poder de los deseos y Mansión encantada, la única que no he visto del grupo, siendo el título que falta el The Flash de Warner) 

 

Pero es que Pixar como tal tampoco es que pase por un buen momento: tras tener que estrenar en origen en streaming, debido a la pandemia, Soul, Luca y Red (aunque hace poco tuvieron una reciente oportunidad en salas de cine), los posteriores estrenos tanto de Lightyear como de Elemental se saldaron con resultados poco satisfactorios tanto a nivel de crítica como de público. 

 

Y cuando se necesita un éxito desesperado, es cuando se decantan por secuelas de películas que triunfaron, ya que en un principio hay más posibilidades de éxito al ser un producto conocido (algo que Pixar ya conoce cuando empalmó diferentes secuelas de Buscando a Nemo, Cars, Los increibles y Toy Story entre los años 2016 y 2019, y en lo que reincidirá tanto con la presente como con una quinta entrega de Toy Story) No hay problema en ello, ya que de las citadas y ya estrenadas se puede decir que hubo para todos los gustos, pero uno añora esa Pixar que ofrecía siempre títulos novedosos e innovadores, logrando que los espectadores se ilusionaran y asombraran.

Más allá de que determinadas secuelas, estén mejor o peor, dejan con la sensación de seguir exprimiendo franquicias en exceso (para un servidor Toy Story tendría que haberse quedado en trilogía), admito que una nueva entrega de Del Revés no sonaba descabellado, ya que la original dejaba con ganas de más, siendo posible ir más allá de las cinco emociones que allí se presentaron (Alegría, Miedo, Asco, Ira y Tristeza) Dicho y hecho: a las citadas se unen en esta secuela Ansiedad, Envidia, Vergüenza y Aburrimiento, que hacen su entrada en la cabeza de la protagonista cuando podemos afirmar que la joven Riley ya no es la niña de la primera película, sino toda una adolescente. A nivel interno no es el único cambio, porque Pete Docter (responsable de la primera entrega, así como de otros títulos populares de Pixar tales como Monstruos S.A., Up o Soul) cede su puesto de director a Kelsey Mann, que debuta en dicha función aunque ya ha realizado otros trabajos en la compañía del flexo, tales como el guion de El viaje de Arlo.

 

La premisa argumental de esta secuela es sencilla, pero sin duda bastante bien aprovechada: la entrada en la pubertad de Riley hace que las emociones que tiene en su cabeza se vean de pronto desbordadas por cuatro nuevas (las antes citadas, aunque también hay breves cameos de una quinta más adecuada a cuando la protagonista sea más mayor), que intentan tomar el control y relegar a las previas. Si en la primera película Alegría y Tristeza eran las emociones principales, eso se repite aquí, poniendo en el otro bando a Ansiedad y Vergüenza como líder y secundario primordial respectivamente para resolver la situación que se plantea. ¿Y esta cual sería? La primordial entre todo adolescente: intentar encajar en un nuevo grupo, en este caso el equipo de hockey donde Riley aspira a jugar. Eso llevará a mostrar de manera bastante didáctica como se nos pueden desbordar las emociones cuando nos dejamos llevar por ellas (sobretodo en la adolescencia, con las hormonas revolucionadas), con una moraleja final muy adecuada sobre el equilibrio emocional.

 

De hecho el único problema que le puedo achacar a esta secuela sería su propia condición, ya que al existir la cinta de 2015 digamos que se pierde la novedad sobre su planteamiento. Aún así la mente humana tiene muchos recovecos, y aquí se aprovecha para visitar unos cuantos, entre ellos algunos donde se encuentran los secretos más personales de Riley. Asimismo se ve como cambian sus intereses al entrar en la adolescencia (dejando atrás la infancia, en camino de la edad adulta), lo que justifica aumentar sus emociones y dejar claro que, aunque sean muchas, una pacífica coexistencia entre todas nos lleva a sentirnos bien. Visualmente es maravillosa, algo ya sello habitual de Pixar (incluso cuando juegan con varios tipos de animación), destacando como novedad el aspecto de las nuevas emociones, especialmente Ansiedad que sería la primordial (sin desmerecer al resto, ya que todas tienen una mayor o menor relevancia) Sin duda una magnífica secuela, que ahonda de una manera muy didáctica sobre la estabilidad emocional. 

 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de junio de 2024.
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ECHO (TEMPORADA 1)

Desde que comenzó la moda de los superhéroes de Marvel en cine era tan solo cuestión de tiempo que aterrizaran en otros medios. Ese fue la televisión, primero con las series que llevó a cabo Netflix (Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage, Iron Fist, Punisher y The Defenders), y luego ya con las de Disney Plus (donde desde que se inauguró con Wandavision ha habido una gran variedad tanto de ofertas como de resultados) No han sido las únicas, pero digamos que las mencionadas son las que han tenido una mayor repercusión, hasta el punto de que muchos enarbolan con toda la razón que el tono a seguir en algunos de esos casos tenía que haber sido el de (sobretodo) la primera temporada de Daredevil en Netflix, por su forma descarnada de plasmar la violencia.

Quizás como relativo preámbulo a esa Daredevil: Born again que realizará Disney para su plataforma de streaming, con parte del reparto original del Daredevil de Netflix (Charlie Cox como Matthew Murdock/Daredevil y Vincent D'Onofrio como Wilson Fisk/Kingpin) se ha estrenado esta Echo bajo el (nuevo) sello Marvel Spotlight, con el que se "justifica" sobretodo una visión más descarnada de la violencia, al igual de la que hacía gala la serie de Netflix. En cuanto a intenciones les honra, de cara a buscar nuevos objetivos de público, pero en resultados Echo resulta algo discreta.

El problema más grave arrastrado por esta serie es el mismo del que también se resienta otras futuras como esa Agatha: Darkhold diaries (antes conocida como Coven of chaos), que parten de personajes secundarios de series previas que han resultado más o menos llamativos, y a los que se les concede una serie sin mayor justificación de si son una propuesta atractiva para ello, o simplemente se sacan ideas hasta debajo de las piedras. En el caso citado el personaje encarnado por Kathryn Hahn en Wandavision ha dado pie a ello, y en el presente la (relativa) villana de la serie Ojo de Halcón es la que recibe esta serie de apenas 5 episodios, que se estrenaron todos a la vez el pasado 10 de enero (cuando la tónica habitual hasta el momento era el estreno semanal de un nuevo episodio hasta completar la media de 6 episodios por temporada que han tenido hasta el momento la mayoría de ellas)

 

El personaje protagonista es Maya López, una nativa americana sordomuda (al menos en los cómics) y que tiene una pierna protésica (esto añadido en la serie por ser la condición de su actriz protagonista Alaqua Cox), a la que Wilson Fisk acogió bajo su manto cuando era pequeña, y que ha acabado siendo uno de los agentes más expeditivos de Kingpin a la hora de implantar sus órdenes en el mundo del crimen. Eso cambió desde lo que se vio en la serie Ojo de Halcón, por lo que como continuidad a aquella, digamos que esta se centra en el plan de la protagonista de pasar lo más desapercibida posible volviendo a sus orígenes, sin saber que Kingpin no ha "desaparecido" del todo como ella se pensaba. Lógicamente ambos personajes tendrán confrontaciones para dirimir sus diferencias (lo que dará pie a una violencia más descarnada de la vista hasta ahora en estas series), en las que se verán metidos familiares y amigos de Maya.

En la serie Daredevil de Netflix, una de sus escenas más alabadas era la de la pelea que transcurría en un pasillo, vista en su primera temporada, y a la que parece rendir un homenaje la que transcurre en un almacén en el primer episodio de Echo, siendo además ahí donde realiza su cameo el Daredevil a cargo del actor Charlie Cox, que tendrá una pelea con la protagonista. El problema radica en que todo lo que se nos narra en estos cinco episodios resulta tan superficial y tan intrascendente que nunca acaba de repercutir en el ánimo del espectador, por más que la presencia secundaria de Kingpin vuelva a confirmar el gran acierto que fue conseguir a Vincent D'Onofrio para encarnar a dicho personaje (que además en la escena entre créditos finales de esta serie ya sugiere pistas de como lo podemos encontrar cuando se materialice la antes citada Daredevil: Born again, en una trama ya vista en los cómics hace pocos años)

Como curiosidad me gustaría destacar un detalle que se repite en esta serie, y que se vio por primera vez hace pocas semanas en un episodio de la temporada 2 de What If: si en el sexto de aquella se presentaba a Kahhori, un nuevo personaje que era nativa americana (mohawk en aquel caso) y que lograba unos poderes ancestrales, se da la curiosidad de que aquí Maya López también es una nativa americana (chocktaw en este caso) que logra unos poderes ancestrales. En resumidas cuentas si ese sello de Marvel Spotlight sirve para enfocar desde un punto de vista más adulto y violento algunas historias y personajes (por ejemplo Daredevil, al que le viene la mar de bien), pues entonces de acuerdo, pero si Echo era el preámbulo a ello, el resultado final es un muy discreto entretenimiento en el que no sé yo la confianza que tenían sus propios responsables cuando se han estrenado todos los episodios a la vez.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 10 de enero de 2024.
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WISH: EL PODER DE LOS DESEOS

Que Disney no pasa por un buen momento es algo evidente para todos aquellos que estén al tanto del (decepcionante) resultado en taquilla de sus más recientes estrenos, así como de la recepción entre el público de las últimas entregas de sus marcas más consolidadas (como Marvel o Star Wars) Incluso a nivel de animación, donde ellos se supone que son los que sientan cátedra y el modelo a seguir por todo el resto de la competencia, han tenido entre sus últimos estrenos algunos títulos que no han sabido conectar con el público (en mayor o menor grado), pese a ofrecer ciertos conceptos y detalles novedosos, por encima del estereotipo con el que uno relaciona a las producciones Disney.

Más allá de la opinión de cada cual de las últimas ofertas propuestas por la factoría del ratón, está claro que en el año en que celebran su centenario con cortos tan emotivos como Érase una vez un estudio, su película animada de dicha temporada (la presente Wish, subtitulada aquí como El poder de los deseos) tenía que ser buen ejemplo de esa magia Disney que ha caracterizado, en mayor o menor medida, a los 61 films que anteceden a este, generados por la citada compañía. Por eso que en este caso van a lo seguro y si el público pide clasicismo, el estudio ofrece clasicismo hasta el empacho, en una historia en la que uno se pregunta si es que van buscando sucedáneos de la exitosa Frozen para lograr encandilar al espectador, ya que es lo que parece a tenor de lo visto en esta, su 62ª producción animada (aunque aquí más que encandilar sería embaucar)

Está muy bien que Disney cumpla 100 años, y nadie les puede negar el sello tan inconfundible que le han dado a todas sus obras, con las que han crecido varias generaciones. Es por eso que siempre se ha hablado de la "magia Disney" a la hora de describir el espíritu de la gran mayoría de su producción, y con esa idea de que los deseos se pueden hacer realidad es la que sostiene el argumento del presente film, en el que se congregan todas las moralejas típicas más conservadoras de esta factoría, lo cual no estaría del todo mal si no fuera porque ese cuento ya nos lo han contado infinidad de veces. Eso ya queda palpable desde la presentación de su heroína principal, una Asha cortada por el mismo patrón con el que Disney ha dado vida a los personajes femeninos de sus películas desde Enredados, aunque en el presente caso la interpretación (en su versión original) de Ariana DeBose logra que probablemente cale en el sector de público al que va dirigida. 

 

Pese a ser bastante evidente que (en su versión original nuevamente) Chris Pine lo disfrutó, tampoco resulta mucho mejor parado el Rey Magnífico al que pone voz, villano de la presente historia, al que como mínimo se le puede agradecer ser un malvado clásico, sin dobles lecturas o giros inesperados. Pero quizás debido a la concisión de esta película (apenas 95 minutos) o que la historia no daba más de si, deja con la sensación de ser un personaje al que se le podía haber sacado más jugo (con lo cual no descartaría su retorno en algún otro producto de la compañía del ratón) A partir de ahí el interés decrece en personajes como Valentino, una cabra parlante, y Estrella, que es justo eso; funcionando mejor esta última al no hablar, mientras que la primera sirve tan solo como (relativo) "alivio cómico" más dirigido hacia el público infantil que a los adultos. A partir de ahí el resto de personajes resultan meros secundarios intrascendentes.

Wish está ambientada en la ficticia isla mediterránea de Rosas, donde el Rey Magnífico rige una idílica comunidad a la que sólo se pide a sus nuevos integrantes que entreguen al monarca su deseo más preciado cuando cumplan la mayoría de edad. El mágico gobernante concede periódicamente alguno de ellos, pero cuando Asha, que aspira a ser su aprendiz, descubre su verdadera (y egoísta) condición, intentará remediar la situación. Cabe destacar en esta Wish la destaca fusión (sin llegar a ser del todo perfecta) que se hace entre el habitual 3D y el dibujo tradicional, compensando a nivel visual lo poco novedosa o arriesgada que resulta a nivel argumental. Pero aún comprendiendo que no siempre se puede acertar, sabe mal que como conmemoración de su centenario Disney lleve a cabo una película que desde luego no está a la altura de otros clásicos de esta productora, carente de la magia de la que presume.

Quizás en exceso dependiente de introducir guiños o referencias más o menos evidentes a la amplia filmografía que tiene a sus espaldas (lo cual les funciona no siempre igual de bien), creo que eso está más logrado en sus títulos de crédito, donde dibujados con estrellas como las citadas en esta película se van viendo dibujos de probablemente todos los films animados que la preceden, siendo eso un buen entretenimiento para el ojo avizor del espectador que los quiera identificar. Tiene una escena tras los créditos del todo intrascendente, relacionada con el mítico tema de Pinocho que Disney ya ha tomado como emblema de la compañía, mientras que en el resto de su apartado musical digamos que todo circula por canciones más o menos llamativas, pero meramente funcionales (me puedo equivocar, pero no vi ningún tema como el Let it go de Frozen, que pueda convertirse en un éxito)

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de noviembre de 2023.
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ELEMENTAL

Había un tiempo en que Pixar era sinónimo de calidad, pero no solo a nivel técnico (lo cual más o menos han logrado mantener siempre en su amplia filmografía), sino también a nivel de historias y personajes. Pero la pandemia del Coronavirus marcó una especie de "antes y después" para la productora del flexo, ya que estrenada pocos días antes del confinamiento, la película Onward no destacó ni en crítica ni en resultados de taquilla. Los tres posteriores estrenos de Pixar (Soul, Luca y Red) fueron directos a la plataforma Disney Plus, sin tampoco levantar grandes entusiasmos. Y cuando ya por fin se pudo volver a los cines, Lightyear fue una inesperada decepción, a la que se añadiría esta Elemental, en cuyo estreno americano (el pasado 16 de junio)  se saldó con una pobre recaudación de taquilla.

Habrá total disparidad de opiniones sobre los más recientes estrenos de Pixar antes citados, pero la brillantez técnica siempre ha estado presente, pese a que en algunos casos a nivel argumental hayan reincidido sobre esquemas previos, sin lograr despertar la sorpresa como sucedía antaño. Eso viene a colación, secuelas aparte, por ejemplo en su reiteración de que ciertas cosas tienen sentimientos, bien sean juguetes (Toy Story), coches (Cars), emociones (Del Revés) o, como sucede aquí, elementos. Algunos marcan ese momento de inflexión de Pixar con El viaje de Arlo, cuyo director (Peter Sohn) que debutaba con aquella película, sería también el responsable de la presente Elemental, su segundo film.

La idea de Sohn para la presente obra era mostrar el choque cultural y racial, ya que es un homenaje hacia su propia familia, en la que ambos progenitores fueron inmigrantes coreanos que se fueron a vivir a Estados Unidos, siendo un loable propósito este detalle por su parte. Dicho contraste queda claro en la esencia de los personajes, ya que aparte de ser opuestos en su propia condición (uno es un chico de agua y la otra una chica de fuego) también lo son en el escalafón social (la familia de agua parece estar mejor posicionada en la sociedad que la de fuego) El problema de esto puede radicar en que es un concepto indudablemente funcional, pero que ya se ha usado hasta el hartazgo, y los responsables de la película tampoco aportan ningún detalle que lo haga destacar más allá de la enésima variación sobre Romeo y Julieta (amores imposibles por diferencias sociales, culturales o lo que se tercie), aunque como mínimo con un final esperanzador y no tan trágico como el de la popular obra de William Shakespeare.

La protagonista es Candela, una chica de fuego temperamental (la muchacha es muy ardiente), cuyo destino parece ser el heredar y continuar con la tradición familiar del negocio que regentan sus progenitores, que hace años emigraron a Ciudad Elemento, un lugar donde conviven Fuego, Agua, Tierra y Aire en una mayor o menor armonía. Por pura casualidad conocerá a Nilo, un chico de agua (se podría hacer el chiste de que es de género fluido...) con tiene cierta facilidad para la lágrima fácil (o más bien chorro), pero cuya sinceridad y carácter divertido poco a poco irán calando en la protagonista, hasta que se establece una historia de amor entre conceptos tan opuestos como lo que son y representan. La parte romántica nunca va más allá de los estereotipos que uno se pueda imaginar para historias de este estilo, y no ayuda mucho la sensación de déjà vu que provoca una Ciudad Elemento que recuerda mucho a Zootrópolis (sólo que allí era con animales), coincidiendo incluso en un chiste común en ambas sobre la lentitud de la burocracia.

Aunque a esta película se le puede achacar la falta de originalidad que he citado en los conceptos básicos donde se sustenta su esquema (si bien como mínimo el resultado es entretenido y cumplidor), otra cosa muy diferente sería a nivel visual, donde Pixar sigue dejando patente su poderío logrando una gran credibilidad en la textura de los elementos que maneja, especialmente en los dos principales (fuego y agua) Sólo por eso ya merece la pena ver Elemental, que además viene precedida de un simpático corto titulado La cita de Carl, donde volvemos a saber del anciano protagonista de Up y el perro Dug, centrándose la historia en como Carl Fredricksen parece recuperar un poco la ilusión al aceptar una cita con una amiga, aunque se encontrará bastante desconcertado sobre como comportarse, siendo los consejos de Dug más o menos adecuados... si eres un perro como él. Dicho corto sabe equilibrar con acierto los elementos de diversión y nostalgia con los que trabaja, recuperando además a unos personajes entrañables y carismáticos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de julio de 2023.
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PETER PAN Y WENDY

Desde que Disney se dió cuenta del gran filón que tenía en su filmoteca animada, pudiendo realizar remakes en "acción real" (entre comillas porque siempre sería con matices) de todo film de animación que han realizado desde sus orígenes, la "moda" aún sigue en marcha. Dichos remakes suelen ser en la mayoría de casos meras reactualizaciones que poco aportan de interés, más allá de la curiosidad que el espectador tenga de ver como resuelven con efectos especiales (CGI a mansalva) esa fantasía sin límites de la que puede presumir la animación.

 

En el momento en que escribo estas líneas estamos a pocas semanas del estreno de La Sirenita en acción real, remake del film homónimo de 1989 con el que Disney empezó su segunda edad de oro en la animación. A la espera de cual será al final la recepción por parte del público del mencionado remake (cuyos adelantos han provocado todo tipo de opiniones en internet, y no todas favorables), se estrena directa en Disney Plus la nueva adaptación de Peter Pan, otro de los clásicos animados de la compañía, cuya revisión se titula Peter Pan y Wendy.

En este caso puede ser más o menos comprensible que no se haya estrenado esta película en cines porque (aparte del hecho de que tienen que rellenar su plataforma de streaming con todo tipo de material) estamos hablando de una historia que ya ha tenido varias adaptaciones en película, siendo quizás la más conocida la versión animada de Disney que en este caso es revisada. De todas maneras no se puede obviar que en acción real incluso Steven Spielberg hizo su propia adaptación (en la desmesurada Hook), y que en los últimos años ya ha habido varios films centrados, en mayor o menor medida, en el clásico literario de J.M.Barrie. Quizás sea por eso (estamos ante un relato bastante conocido por múltiples generaciones) que esta Peter Pan y Wendy me ha parecido un simple trámite que tampoco me ha aportado nada de relevancia... aunque no sea porque no lo ha intentado, en su afan de dar una visión plural y variada acorde a los tiempos.

 

Hoy en día vivimos, mal que nos pese, en una sociedad multicultural, donde se mezclan todo tipo de razas y credos, a lo que hay que añadir una mayor visibilidad del colectivo LGTBI. Hay que estar ciego (aunque también dice el refrán eso de que "no hay más ciego que el que no quiere ver") para no darse cuenta, por lo que lo lógico sería que eso se representara en pantalla para darle una mayor visibilidad. El problema radica en que para muchos eso "fuerza" la inclusión, lo que de entrada les transmite un inmediato rechazo, siendo lo que le está pasando a Disney: tras intentar eso en sus más recientes films animados (que se han saldado con fiascos de taquilla), ahora le toca el turno a esta Peter Pan y Wendy, a la espera de La Sirenita (y la polémica ante el cambio racial de su protagonista)

 

¿Sería justo criticar a una película solo por eso? Personalmente creo que no: un film tiene que demostrar méritos propios, más allá de detalles en su argumento que puedan parecernos incorrectos. El problema radica en que en Peter Pan y Wendy se repite por enésima vez ese déjà vu inherente a todas estas nuevas versiones, y más si se trata de relatos tan conocidos como este, de que lo que me están contando en esencia ya lo sé (por lo que novedades pocas) A partir de ahí tenemos a las que antes me refería: el actor que intepreta a Peter Pan es británico de ascendencia india y la actriz que hace lo propio con Campanilla es estadounidense de madre iraní y padre afroamericano, a lo que añadir que en los Niños Perdidos ahora también hay niñas (así como un niño con Síndrome de Down)

Más allá de que a algunos sectores les pueda escocer dicha elección, los referidos detalles no son causa de que la película sea mejor o peor, sino un guion que no aporta ningún pormenor digno de mención ni que vaya a permanecer en el recuerdo del espectador (al menos de los más mayores como es mi caso) Todos los actores hacen lo que pueden con lo que tienen, siendo quizás la más beneficiada la joven actriz que encarna a Wendy, al centrarse la historia desde su punto de vista, lo que añade un toque femenino (algunos dirán que feminista) que no entorpece la esencia del relato, si bien no le aporta nada que vaya más allá de lo meramente anecdótico. Incluso el Capitán Garfio de un correcto Jude Law resulta menos histriónico y más trágico de lo que podía ser, siendo en parte él quien sostiene el resultado final. 

Los espectadores más pequeños serán probablemente los que más la disfruten, pero creo que merecerían ver también el clásico animado de 1953 para juzgarla equitativamente (de camino que se les va enseñando criterios de valoración en su labor de aprendizaje para ser unos adultos coherentes) Pero para los demás, y supongo que por lo antes citado, este film no deja de ser el enésimo remake que no molesta pero tampoco destaca, donde te das cuenta de que eres adulto si al final el personaje con el que más te identificas sería el Capitán Garfio (en un paralelismo similar a ese de que si en un slasher de adolescentes, tipo Viernes 13 y similares, te identificas más con el asesino que con sus víctimas, entonces tu niñez y tu juventud ya quedan lejanas en el horizonte)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de abril de 2023.
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MUNDO EXTRAÑO

Cuando se anunció esta película no me quise emocionar mucho pero... me ilusioné por lo que planteaba: un homenaje a los viejos seriales de aventuras y ciencia-ficción que poblaban las pantallas y los comics de hace décadas, así como al espíritu de obras clásicas de autores como Julio Verne, H.G.Wells o Emilio Salgari. Aún así asistí al pase con reticencias, por ser un film de la factoria Disney, con todo lo que ello conlleva (que no digo que sea malo, pero en donde influyen ciertos factores para que el resultado final sea un producto apto para toda la familia, lo que en ocasiones conlleva un tono más infantil y no tan adulto como sería el esperado según que momentos)

No negaré que eso está presente, pero al mismo tiempo es un toque coherente teniendo en cuenta que aquellas aventuras fantásticas de antaño se caracterizaban también por una inocencia que a los ojos del espectador actual puede parecer simpleza. De hecho cuando se nos presenta al intrépido Jaeger Clade se hace con todos los tópicos del personaje aventurero que es, aunque eso parece no haber pasado a la siguiente generación, ya que su hijo Searcher no ha salido con el espíritu de explorador de su progenitor. De hecho ambos se separan cuando en una expedición para salvar Avalonia (que es donde viven) Jaeger decide continuar hasta más allá del horizonte, pasado el límite de unas montañas que no ha superado nadie, mientras Searcher descubre una extraña planta que podría ser el remedio energético que precisan para subsistir.

Todo este primer tramo de la historia se nos plantea en imágenes recuperando el espíritu de aquellos viejos seriales que citaba antes, bien sea con fotogramas en blanco y negro o con páginas de las antiguas revistas pulp que los acogian. Pero aunque ese espíritu está presente en todo momento, lo que aqui hacen Don Hall y Qui Nguyen (los directores de esta película) es desarrollar algo diferente. Como es natural, al tratarse de un producto FAMILIAR Disney, el citado concepto lo pongo en mayúsculas porque se verán inmersos en esta nueva aventura tanto Searcher como su mujer Meridian (de raza negra), el hijo de ambos Ethan (gay discreto, para no ofender a los más susceptibles) y el perro de la familia (de tres patas se supone que por haber nacido así o por haber perdido una por motivos desconocidos), a los que sumar al perdido Jaeger, con el que se reencontrarán en el momento más inesperado. 

 

Con ese abanico rompen estereotipos de raza, discapacidad o condición sexual, aunque siga habiendo evidentes tópicos (patentes en Jaeger), dando cabida a una diversidad ya presente en los últimos estrenos de la factoria (sirva de ejemplo la pareja de dos mujeres vista en la reciente Lightyear) En su aventura en busca de una solución al problema planteado se desarrolla una historia con ecos de Viaje al centro de la Tierra de Julio Verne, aunque llegados a cierto momento ¡SORPRESA! cuando te queda claro el concepto orgánico de lo que se van encontrando a su paso, al beber esta película también de cierto film fantástico de 1966 cuya novelización corrió a cargo de Isaac Asimov. Aparte de vivir todo tipo de peripecias, tambien se verá el choque generacional entre los tres miembros de la familia Clade, aunque resulta un poco raro que el abuelo Jaeger acepte de tan buen grado la condición sexual de su nieto.

 

Dicha decisión la supongo basada en el hecho de que esto tenía que ser una película apta para todos los públicos, y no era plan de mostrar un abuelo intransigente o de mentalidad retrógrada... aunque sea tristemente algo de lo más común hoy en día (si bien siempre puede haber excepciones) Para divertir a los más pequeños se usa el "alivio cómico" del perro antes citado de tres patas (que reconozco que se hace entrañable), así como de una criatura tentacular azul sin posibilidad de vocalizar, pero bastante habil en lo de gesticular. Todos ellos se verán inmersos en una aventura atractiva, donde sorprende todo lo que se encuentran a su paso y al mismo tiempo resulta coherente cuando se comprende lo que es, en una clara moraleja para que aprendamos a vivir en nuestro entorno, sin la actitud actual del ser humano que está llevando al abismo el único planeta que tenemos para vivir, con un cambio climático temible.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre de 2022.
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