THE MYSTIC BUBBLE

BLUEBERRY SE QUEDA HUÉRFANO: ADIÓS A MOEBIUS

2012-03-10T22:35:00.010+01:00

El mítico dibujante y guionista Jean Giraud, más conocido mundialmente por los pseudónimos de Moebius y Gir, ha fallecido hoy sábado en París a los 73 años de edad a consecuencia de una larga enfermedad, según informó su editorial, Dargaud.

Jean Giraud creó en 1963 el cómic Blueberry, que se convirtió en toda una referencia para el género del western. También fue el responsable de cabeceras tan recordadas como Rebelión en la granja, El garaje hermético o El Incal, entre otros muchos títulos. El mundo del cómic pierde así a uno de sus más ilustres embajadores, que desde las décadas de los 70 y 80 consiguió revolucionar totalmente las historietas de ciencia ficción.

Fue nombrado "Mejor artista de artes gráficas" por Jack Lang, entonces ministro francés de Cultura, y en 1985 recibió la Orden de las Artes y las Letras de mano del entonces presidente François Mitterrand.

Comenzó a publicar sus primeros diseños para publicidad y moda cuando tenía 18 años, y colaboró en publicaciones ilustres como Fripounet et Marisette. Empezó a publicar sus historietas del oeste en la mítica revista Pilote, donde vieron la luz las aventuras del teniente Blueberry, que firmaba como Gir.

Con los años, a finales de los 60, el dibujante abandonó el realismo de esa serie para consagrarse a una obra más fantástica en un universo propio muy relacionado con la ciencia ficción, especialmente con la serie El Incal. Ahí fue cuando Jean Giraud adoptó el pseudónimo de Moebius.

El Incal

En 1989 formo un inusitado tándem con Stan Lee, el legendario creador del Universo Marvel, con la novela gráfica Estela Plateada: Parábola. El resultado sería el que podría esperarse de la unión de dos genios separados por un inmenso océano pero unidos por el deseo de crear algo muy especial.

"El mundo del cómic ha perdido a uno de sus mayores maestros", escribió hoy sábado la editorial Dargaud.
"Es una vaca sagrada (...) me ha inspirado enormemente, estaba dotado hasta la médula de la fuerza en la expresión gráfica que es el cómic", declaró Enki Bilal.
"Hoy ha muerto el gran Moebius, pero el gran Moebius sigue vivo", dijo en su cuenta de Twitter el escritor brasileño Paulo Coelho, de quien Giraud ilustró la novela El alquimista en 1995.

Su trabajo llegó también al cine. Y es que el ilustrador, fue diseñador gráfico de largometrajes como Alien el octavo pasajero (de Ridley Scott), Tron (dirigida por Steven Lisberger), Abyss (película de James Cameron), o El quinto elemento (protagonizada por Bruce Willis).

Los videojuegos y la animación también formaron parte de sus proyectos. De hecho Seven Samurai 20XX o Little Nemo son títulos firmados por su puño y letra.

Descanse en Paz.

LA INGRATA LABOR DEL SIDEKICK

2012-03-09T10:31:00.005+01:00

El sidekick fue un concepto introducido en los cómics hacia principios de los años 40 del pasado siglo (si bien su existencia en la literatura y los seriales radiofónicos se remonta bastante más atrás), y aunque a priori su presencia pudiese parecer un poco carente de sentido, en realidad cumplía (al menos en los cómics) una más que estudiada doble función. Por un lado se buscaba atraer al público infantil, de modo que éste pudiera identificarse -a menudo inconscientemente- con el joven ayudante e imaginarse a sí mismo compartiendo aventuras con el curtido protagonista de la cabecera de turno. Por otro lado, le otorgaba al héroe la oportunidad de tener alguien con quien hablar y con quien compartir sus reflexiones, planes o teorías. ¿O acaso hay algo más estúpido que un personaje parloteando sólo continuamente?. Muchas veces el sidekick también se empleaba como contrapartida cómica del protagonista (contrastando con la frecuente seriedad de éste), gastando bromas y soltando chascarrillos a diestro y siniestro.

Aunque no es lo más usual, también se ha dado el caso de ayudantes adolescentes que llegan a trascender más allá de sus papeles secundarios a la sombra de sus mentores para convertirse en héroes independientes por derecho propio. Dick Grayson es un buen ejemplo de ello. Después de haber dejado atrás el manto de Robin cuando era ayudante de Batman, supo reciclarse en la nueva identidad de Nightwing. Además, Grayson incluso sucedió a su mentor adoptando temporalmente la identidad de Batman mientras el original se recuperaba de una grave lesión. Algo semejante sucedió con Bucky Barnes. El Bucky original regresó de su supuesta muerte como el Soldado de Invierno. Posteriormente se convirtió en Capitán América (por un corto periodo de tiempo) después de que aparentemente muriera Steve Rogers (el "Capi" original).

Robin y Bucky: probablemente los dos sidekicks más populares. ¿Habrán encargado el antifaz y los guantes en el mismo sastre?

Nightwing y Soldado de Invierno

En los cómics españoles (o tebeos por aquel entonces), los sidekicks también han ocupado un papel realmente preponderante. ¿Quién no recuerda a aquel insufrible niño Pedrín que acompañaba día y noche al castizo Roberto Alcázar?.

Fijáos en la enfermiza cara de sádico del chaval mientras dice "¡estupendo!". Yo creo que se le está pasando por la cabeza que si ahora se le disparase "accidentalmente" el arma, quizá los editores le diesen su propio título...

Inolvidables fueron también por estos lares los aguerridos escuderos de ciertos cruzados legendarios. Así, por un lado encontramos a Fernando, que acompañaba incansablemente a El Guerrero del Antifaz en sus múltiples peripecias. Por otro lado tenemos a Crispín, el joven amigo de El Capitán Trueno, que con sus infinitos tira y afloja con el forzudo Goliath sin duda proporcionó algunos de los momentos más hilarantes de toda la serie.

Igual que sucedía en los casos de Robin y Bucky, aquí también encontramos ciertas similitudes entre los muchachos. En ambos casos vemos como en un arranque de nobleza, el caballero de turno toma a un zagal (adolescente, rubio, valiente y huérfano para más señas) bajo su protección y tutela es sustitución de sus padres asesinados. Así, éste se convierte automáticamente en su escudero, con la loable pretensión de convertirse a su vez, algún día, en caballero por derecho propio.

Crispín y Fernando, sidekicks "a la española"

Sea como fuere, es indudable que el papel del sidekick, denostado in extremis por los lectores actuales, ha caido en desuso en la inmensa mayoría de cómics vigentes, considerándose a día de hoy un elemento bastante repugnante por anacrónico. Lo dicho: que su labor ha sido sumamente ingrata.

EL ÁLBUM DE SUPERHÉROES DE FHER

2012-03-05T00:00:00.006+01:00

Puesto que ya hace algún tiempo que no reseño por aquí ningún álbum de cromos, y dado que me consta que es una de las temáticas que más parecéis valorar, hoy me he decidido por otro clásico de la época dorada de dichas colecciones.

Allá por el año 1981, la editorial Fher sacó a la venta uno de sus álbumes más recordados: Superhéroes. Una inolvidable colección que como ya nos indicaba su título, agrupaba a la mayoría de los principales héroes (en éste caso de la Editorial Marvel) en acción.

El precio del álbum era de 35 pesetas, y cada sobre de cromos valía 5 (que era lo que normalmente solían costar éste tipo de sobres en la primera mitad de los años ochenta).

Un sobre de la colección

Se componía de 178 cromos (de cartón, de esos NO autoadhesivos), con una variedad de corte bastante similar al de otra colección aparecida séis años antes (Cropán y los Héroes Fantásticos, ilustrada por López Espí), y que ya viéramos por aquí hace algún tiempo.

Los cromos eran de cartón...

Lo simpático del tema eran las "traducciones" de los nombres de algunos personajes, a saber: Ojo de Halcón era Ojos de Aguila el arquero, el Escarabajo era Ventosa, el Motorista Fantasma era Fantasma Volador, y así sucesivamente.

Detalle de la primera página

A continuación os muestro algunas páginas. Disfrutadlas:

Si hoy queréis haceros con él, queridos amiguitos, es mi deber informaros que adquirirlo completo en el mercado de la segunda mano tiene un precio que puede oscilar de 40 a 155 euros aproximadamente. ¡Casi nada!.

CINE MÍTICO: INDIANA JONES

2012-03-02T10:06:00.009+01:00

Conocido también como Indy o Doctor Jones, Indiana Jones es un arqueólogo y profesor en la Universidad Barnett, ubicada en New York. Cuando no está impartiendo clases, emprende viajes con la finalidad de buscar objetos de importante valor histórico para la humanidad. Generalmente, en cada una de sus aventuras se enfrenta con rivales que compiten por conseguir el mismo objeto para posteriormente utilizarlo con fines siniestros. Algunos de estos objetos son el Arca de la Alianza, el Santo Grial y la Calavera de Cristal. Su vestimenta más reconocible se compone principalmente de un sombrero fedora de copa alta y una chaqueta de piel. Otros de sus rasgos característicos son su barba de tres días, su látigo, que a menudo utiliza con gran destreza a modo de arma y herramienta en sus aventuras, y su fobia hacia las serpientes, ocasionada por una experiencia traumática acaecida durante su juventud.

En un primer momento se ofreció el rol protagonista a Tom Selleck, pero el actor tuvo que rechazar la propuesta debido a su participación en la célebre serie de TV Magnum P.I. Así, hasta la fecha ha sido interpretado en todas las películas, desde su primera aparición en 1981, por el actor Harrison Ford —en algunas escenas de flashback en la tercera fue River Phoenix—, quien ha convertido el personaje en un auténtico hito del cine. En los años 90 también se estrenó una recordada serie de TV titulada Las aventuras del joven Indiana Jones, en la que se relataban su infancia y primeras aventuras, interpretado por los actores Corey Carrier, Sean Patrick Flanery y George Hall. Además, es el personaje central de múltiples novelas, cómics (de Marvel y Dark Horse respectivamente) y videojuegos. Indudablemente, el carismático arqueólogo se ha convertido en una de las figuras más reconocidos del cine contemporáneo; en 2003, el American Film Institute catalogó a Indiana Jones como el segundo "Mejor héroe del cine", sólo por debajo de Atticus Finch, protagonista de To Kill a Mockingbird (Matar a un Ruiseñor) mientras que la revista británica Empire lo situó como el sexto «Mejor personaje cinematográfico de todos los tiempos». Igualmente, las publicaciones Entertainment Weekly y Premiere lo clasificaron como uno de los mejores personajes, no solamente del cine, sino también de la cultura popular.

Conviene recordar que aunque la saga está dirigida por Steven Spielberg, Indiana Jones surgió de una idea original de George Lucas, que además también ejerce como productor.

Las películas:

En busca del Arca Perdida (1981).

En 1936, Indiana Jones es contratado por el gobierno estadounidense para localizar el Arca de la Alianza, objeto sagrado buscado por los nazis para volverse invencibles según el Antiguo Testamento (apoyándose en los acontecimientos ocurridos a los israelitas). Los nazis cuentan con la ayuda del rival de Jones, el arqueólogo René Belloq. Con la ayuda de sus amigos Marion Ravenwood y Sallah, Indiana logra encontrar el Arca en Egipto. Sin embargo, los nazis consiguen robarla y capturar a Indiana y Marion. Belloq y los nazis realizan una ceremonia religiosa para abrir el Arca, pero al hacerlo desatan la Ira de Dios. Entonces, todos los hombres del destacamento de Belloq mueren absorbidos por la fuerza sobrenatural contenida en el interior de esa reliquia. Indiana y Marion sobreviven al cerrar sus ojos y no ver los destellos del místico poder. Al final, el Arca es llevada a EE. UU., donde se guarda en un almacén secreto.

Raiders of the Lost Ark en España y Argentina se llamó En busca del Arca Perdida, y en el resto de Hispanoamérica Los cazadores del Arca Perdida

Su inolvidable banda sonora corrió a cargo del incombustible maestro de maestros John Williams.

Indiana Jones y el Templo Maldito (1984).

En 1935, Indiana Jones escapa de unos gángsters chinos, con la ayuda de la cantante y actriz Willie Scott y un niño oriental de 11 años de edad, Short Round —en España conocido como Tapón—. Después, llega a un pueblo de la India, donde se entera de que todos los niños han sido secuestrados por una secta secreta, integrada por adoradores de la diosa Kali. Su líder, Mola Ram, es el principal responsable de la desaparición de los niños y de la roca Shankara con la que busca hacerse invencible y apoderarse del mundo. Indiana consigue rescatar a los niños, para regresar con la piedra al pueblo del que fue robada.

The Temple of Doom en España se llamó Indiana Jones y el Templo Maldito y en Hispanoamérica Indiana Jones y el Templo de la Perdición

Indiana Jones y la Última Cruzada (1989).

En 1938, Indiana Jones es contratado por el empresario estadounidense Walter Donovan para encontrar el Santo Grial. Para su nueva misión, Indiana recibe la ayuda de la doctora Elsa Schneider, poco antes de enterarse de que su padre ha desaparecido sin dejar rastro alguno. Para su sorpresa, Donovan y Elsa están relacionados con los nazis, y han sido ellos quienes han secuestrado al padre de Jones para obtener información acerca de la localización del mítico Grial. Indiana recupera el diario privado de su padre, que contiene valiosa información sobre el cáliz sagrado, y consigue rescatar a éste antes de conocer la ubicación de dicho objeto. Tras encontrarlo, Donovan y Elsa se lo arrebatan, en un intento por conseguir la inmortalidad, pero mueren en el acto por razones diferentes. Al final, Indiana y su padre se percatan de que su relación familiar es más importante que la búsqueda de la reliquia, y el Grial termina desapareciendo junto con el Templo en donde se hallaba.

Indiana Jones and the Last Crusade, en castellano Indiana Jones y la Última Cruzada

En esta película el padre de Indiana fue interpretado por el carismático Sean Connery

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (2008).

En 1957, Indiana Jones es secuestrado por agentes de la Unión Soviética para revelar la localización exacta de un cadáver alienígena, guardado secretamente por Jones y un grupo de científicos. Tras lograr escapar, Indiana se entera de que los soviéticos, encabezados por Irina Spalko, en realidad están buscando la Calavera de Cristal de Akator que, según la leyenda, fue robada de una misteriosa ciudad perdida que estaba habitada por muertos vivientes, la cual se supone que es la legendaria ciudad de El Dorado, descubriendo finalmente que la traducción real del nombre de la ciudad es "El Tesoro". La leyenda también menciona que aquel que logre restituir dicho objeto a la ciudad obtendrá los misteriosos poderes de la misma. Finalmente, Jones logra devolverla a su respectivo templo, aunque ésta desaparece cuando un gran OVNI emerge del lugar, y Spalko muere trágicamente.

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, título que en los países de habla hispana se tradujo literalmente

La posibilidad de una quinta entrega de la saga flota con fuerza en el ambiente. Ford mencionó que regresaría para una hipotética continuación, siempre y cuando no transcurrieran otros 20 años para su producción. Algunos seguidores de la franquicia cuestionaron el seguimiento de la serie. A mediados de 2009, Spielberg confirmó sus planes para realizar una próxima película del aventurero, aunque su producción podría venir sólo después de dirigir el biopic sobre Abraham Lincoln. De acuerdo al actor Shia LaBeouf, quién interpretó al hijo de Indiana Jones en la última entrega de la saga de aventuras (Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal), habrá una nueva película más pronto de lo que pensamos. Por supuesto, contará una vez más con la dirección de Steven Spielberg. "Acabo de hablar con Harrison [Ford]. Me dice que anda metido en el gimnasio. Al parecer George Lucas ya tiene el argumento para la próxima película, por lo que ya tiene que irse preparando," ha dicho LaBeouf.

Aunque muchos aficionados (quizá los más "puristas") suben emocionados la primera película a los altares, he de deciros -y sólo a título personal-, que mis favoritas son la segunda y la tercera (o séa, El Templo Maldito y La Última Cruzada). Me parece que son las que tienen un guión más entretenido y un ritmo más trepidante, mientras que la primera (El Arca Perdida) se me antoja un poco más infantil, y ciertos aspectos de la trama de la última (La Calavera de Cristal) se me antojan bastante absurdos. Pero como digo, es sólo cuestión de gustos...

Como anécdota cabe resaltar que el gran éxito de Indiana Jones propició la aparición de otros proyectos de corte más o menos similar, entre los que cabría destacar la serie de TV (de 22 episodios) Tales of the Gold Monkey (Los Cuentos del Mono de Oro), una interesante producción que giraba en torno a un hipnótico lugar, el Monkey Bar, donde se entrecruzaban las historias. Allí encontrábamos habitualmente al protagonista, Jake Cutter (Stephen Collins), soldado retirado que se dedicaba a los vuelos comerciales en su hidroavión Gruman Goose. De este modo, Jake se tendría que enfrentar a todo tipo de aventuras con la compañía de Jack, un perrito tuerto muy inteligete, y Corky (Jeff MacKay), su mecánico cobarde y alcohólico. Además, también estaba Sarah Stickney White (Caitlin O´Heaney), la guapa cantante americana, cuya carrera musical utilizaba para encubrir su faceta de espía.

Fijáos en la gran similitud de ambas portadas. ¿Homenaje o plagio?

En cada episodio se desarrollaban toda clase de aventuras. Así, Jake y sus compañeros tuvieron que impedir que los alemanes desarrollasen una bomba atómica, buscaron las Minas del Rey Salomón, encontraron a un niño criado por simios y salvaron las Joyas de la Corona inglesa, entre otras notables peripecias.

SUPERVILLANOS RIDÍCULOS: CALENDAR MAN

2012-02-27T10:30:00.011+01:00

No seré yo quien ponga en duda la más que demostrada calidad de la mayoría de los enemigos de Batman, pero creo que estaréis de acuerdo conmigo, si os digo que Calendar Man (Hombre Calendario) parece cualquier cosa menos serio o mortífero.

Julian Gregory Day se obsesionó de tal modo con las fechas y calendarios (ya su propio nombre sería un juego de palabras en relación a ello), que no se le ocurrió otra idea más "brillante" que la de iniciar una ola de crímenes temática.

La primera aparición de éste singular muchacho se la debemos a la gran capacidad inventiva de Bill Finger y Sheldon Moldoff, y se remonta al Detective Comics (Vol. 1) nº 259, publicado en Usa en septiembre de 1958.

Detective Comics 259: la joya en cuestión donde debutó nuestro amigo...

¿Su habilidad o superpoder?: ¡inexistentes! Solo ponerse un traje y un nombre ridículos. Más allá de esto, la particularidad de este portento es la de cometer crímenes cuando el calendario marca algún festivo importante, que se conoce que es cuando se ve más inspirado el hombre.

Es sabido que existió una época donde no podias escribir comics sin que fueran filtrados por una "liga de la decencia", pero, queridos amiguitos, no hay excusa posible para la mala originalidad. El concepto de un "hombre temático de los calendarios" no puede ser salvado ni por Jack Kirby o Stan Lee. Aburrido tanto en su diseño como en su temática, Calendar Man es el ejemplo ideal de la basura que puede germinar en tu mente cuando se te acaba la originalidad.

Si bien originalmente Calendar Man fue descrito como un maloso excéntrico que simplemente usaba una serie de trajes chillones en función de la fecha elegida para delinquir, en 1996 Joseph Loeb y Tim Sale consiguieron dotarle de un mínimo de dignidad al otorgarle un aspecto bastante más serio (dentro de la aplaudida maxiserie El largo Halloween), presentándolo con unos inquietante tatuajes de los meses en torno a su cráneo afeitado.

El nuevo aspecto de Calendar Man...

Diagnosticado como clínicamente demente (y no es para menos), es un húesped habitual de Arkham Asylum.

HISTORIA DE BRUGUERA IV: CARPANTA Y ZIPI Y ZAPE

2012-02-24T10:51:00.008+01:00

Tal y como vimos en la entrada anterior de esta serie, en 1947 los hermanos Bruguera tuvieron el acierto de volver a abrir el semanario Pulgarcito, que con un aire renovado no tardaría en volver a convertirse, como ya lo fuera antaño, en una de las publicaciones estrella de la editorial.

Probablemente podría afirmarse -sin temor a caer en la exageración-, que 1947 fue, por tanto, un año irrepetible para la empresa, porque en dicha fecha se originó algo que mucho después pasaría a conocerse como "la escuela Bruguera". En ese mismo año, y siempre para las páginas de Pulgarcito, José Peñarroya crea a Don Pío, Guillermo Cifré a El réporter Tribulete, Juan García Iranzo a La familia Pepe, y Eugenio Giner y Rafael González Ledesma a El inspector Dan. Sin duda una auténtica colección de aciertos, pero no serían los únicos, ya que otro de los encargados de colaborar en la mítica revista fue José Escobar Saliente (imagen superior), un talentoso artista barcelonés que hasta aquel entonces sólo había ilustrado algunos cuentos infantiles para la empresa, si bien ya contaba con una dilatada experiencia como caricaturista y animador en otras compañías de la competencia.

Así, entre 1947 y 1948 Escobar crea (también para Pulgarcito) a sus personajes más recordados, primero al eterno hambriento Carpanta, un trotamundos impenitente (simbolo de las penurias de la posguerra) que se vale de mil y una argucias para tratar de llenar su estómago (aunque casi siempre con escaso éxito), y sólo unos meses después a los terribles gemelos Zipi y Zape, convirtiéndose sin duda estos últimos en su obra cumbre.

Una de las primeras apariciones del entrañable Carpanta

Para su primera creación importante, Carpanta, Escobar dibujó a un hombre bajito, de edad indefinida; en su rostro destacaba la nariz prominente característica de los personajes cómicos de Bruguera y una barba que recordaba un poco a la de Mario Moreno "Cantinflas". En la primera historieta de él que se conoce, 13 en la mesa (1947), su atuendo era más bien propio de un mendigo, pero pronto Escobar le adjudicó su indumentaria característica: camiseta a rayas, cuello alto (hasta taparle la boca), pajarita y la cabeza cubierta con un sombrero canotier. Vivía bajo un puente, sin familia y sin oficio, excepto el de ingeniárselas para comer, aunque en más de una ocasión podemos ver en sus aventuras intentos desesperados de conseguir dinero en trabajos como reportero, soplón (en una fábrica de botellas) o buscando el tesoro oculto de un castillo en ruinas.
El otro personaje importante de la serie es el orondo Protasio, amigo del protagonista, que no suele tener problemas para saciar su apetito. Otro compañero menos conocido de Carpanta fue el perro Manduca. En varios episodios también aparece en la serie su creador, Escobar, autocaricaturizado.

De acuerdo que Carpanta pasaba mucha hambre, pero... ¿tanta como para pedir CANALONES en lugar de canelones?

En el caso de Carpanta no puede decirse que fuera un título precisamente simpático entre las jerarquias del régimen franquista. Ello era debido a la mala propaganda que suponía un personaje que no podía comer nunca. De hecho, algunos años después la censura estuvo a punto de cancelar la serie, aduciendo que "en la España de Franco nadie pasa hambre". Pero al igual que el resto de los personajes de Bruguera, Carpanta también iría dulcificando su perfil temático y disminuyendo la carga crítica de sus peripecias en la misma medida que se infantilizaba, modificaciones introducidas por Escobar para eludir posibles problemas con la referida censura (por eso el personaje a menudo dice que tiene "apetito", en vez de "hambre"). Alguna efectividad habrá que suponerle a tales modificaciones, porque la serie se prolongaría con notable éxito durante décadas. De hecho, su popularidad sería tan grande durante los años cuarenta y cincuenta que algunos lectores llegaron a enviar comida o dinero a la redacción de Pulgarcito para remediar el hambre de su desafortunado protagonista.

En el caso de Zipi y Zape, poco se puede decir de estos personajes que no sepa ya el lector medio.
Este par de gemelos, probablemente inspirados en Max und Moritz de Wilhelm Busch, se distinguen entre sí por ser uno moreno (Zape) y otro rubio (Zipi), caracterizandose principalmente por las endiabladas travesuras en que incurrían a la menor ocasión. Los mismos nombres de los protagonistas provienen de la palabra zipizape, que significa "alboroto". La personalidad de Zipi y Zape es muy simple, son muchachos traviesos e inquietos, si bien muchas de sus travesuras no son intencionadas, la mayoría suelen acabar con alguien persiguiéndoles. Aunque son traviesos, no quita que no tengan buen corazón y sean muy bondadosos lo que demuestran siempre al ayudar a sus amigos o a gente que tiene algún problema. De hecho, una obsesión suya es lo que ellos llaman "Hacer una buena obra". Generalmente el resultado es desastroso.

Primera versión de los populares gemelos...

Otros personajes unidos a las aventuras de este dúo eran Don Pantuflo Zapatilla (padre de las criaturas y catedrático en Numismática, Filatelia y Colombofilia), Doña Jaimita (la sufridora madre y abnegada ama de casa, según los cánones de la época), Peloto (el adulador o «pelota» de la clase y enemigo acérrimo de los gemelos), Lechuzo, el leal aliado de Peloto, su superdotado primo Sapientín y su tía Miguelita o los Señores Plómez (los amigos pesados de los padres que siempre llegaban de visita en el momento más inoportuno). Otros personajes carismáticos fueron Don Minervo, el severo profesor del dúo (que tantas veces les daría calabazas), aunque muchas veces también demostró ser compasivo, Don Ángel, el policía del barrio en el que vivían Zipi y Zape, y que atendía constantemente a los gemelos cuando estos detenían al Manitas de Uranio (el ladrón local), o el Doctor Pildorín, el médico de familia que tenía una consulta en la barriada. Generalmente también hacía visitas a domicilio a la familia Zapatilla.

Zipi y Zape ya un poco más estilizados...

¿La anécdota?. Si la autoridad "competente" veía con malos ojos que Carpanta pudiese tener hambre, no tardarían en promulgar un edicto para que las gamberradas de personajes como Zipi y Zape se quedasen en simples trastadas "descafeinadas". La orden en cuestión decía (literalmente): "Se evitará toda desviación del humorismo hacia la ridiculización de la autoridad de los padres, de la santidad de la familia y del hogar, del respeto a las personas que ejercen la autoridad, del amor a la Patria y de la obediencia a las Leyes”.

A pesar de tantas trabas impuestas a la creatividad de los autores, resulta obvio que algo "gordo" se estaba cociendo en Bruguera...

LOBEZNO EN LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA

2012-02-20T10:30:00.014+01:00

Es bien sabido que Logan, ese mutante de incierto pasado, cuenta -entre otras habilidades- con unos asombrosos poderes regenerativos que logran que se mantenga "joven", envejeciendo de una manera lentísima, por lo que parece un hombre de 30 años, a pesar de tener más de 200. Como no podía ser de otro modo, tal circunstancia le otorga un riquísimo bagaje, habiendo viajado por todo el mundo y conocido infinidad de culturas en diferentes épocas y contextos.

Pero... ¿sabías que también luchó en la Guerra Civil Española? (aunque en este caso fuese por manipulación temporal y no por haber asistido a la contienda en "tiempo real", aunque eso es lo de menos).

La historia se desarrolló en los cómics USA Wolverine Vol.1 Núms. 35 a 37, con guión de Larry Hama y dibujos de Marc Silvestri y Dan Green. Poco después, la saga fue recopilada en España por cómics Fórum (Planeta) en un único tomo en formato Prestige de 72 páginas, con el sugerente título de Sangre, Garras y Arena. Posteriormente éste material volvería a aparecer en la célebre Biblioteca Marvel de Panini.

En realidad podría decirse que la trama de la Guerra Civil funciona como una simple excusa, sobre todo si tenemos en cuenta que casi todo el argumento del cómic se centra en el enfrentamiento entre Logan y Dama Mortal, pasando el resto de elementos a un plano secundario que no va mucho más allá de lo simplemente anecdótico. Así, se suceden los tópicos más manidos de la temática, que no pasan de mera curiosidad: la interactuación de Ernest Hemingway con los protagonistas, las corridas de toros como telón de fondo, el ataque sobre Guernika de la Legión Condor (que inspiró el famoso cuadro de Picasso que además aparece en la portada española del comic) y las luchas entre republicanos y nacionalistas (sobra decir que Lobezno se aliará con los primeros, y Dama Mortal con los aliados nazis de los segundos).

Portada de la edición española, que a diferencia de la americana (imagen superior), mostraba un fragmento del célebre Guernica de Picasso

En definitiva: que nos encontramos ante un cómic que -aun contando con algunos fallos históricos- es francamente entretenido y de fácil seguimiento por parte del lector, ya sea seguidor o no del combativo y republicano Logan.

LOS ANILLOS DEL TERROR DE MATUTANO

2012-02-17T00:00:00.004+01:00

Nuestro post de hoy está especialmente dedicado a cierto par de fieles lectores del blog, que me han dicho que les gustaría muchísimo que hiciese alguna alusión a cierto artículo de coleccionismo que recuerdan con no poca nostalgia, dado que en su día causó bastante furor entre los que eramos chavalada allá por el Paleolítico Superior. Estoy hablando de Los Anillos del Terror.

Esta célebre colección apareció un ya lejano día de 1980, por gentileza de la famosa empresa de snacks Matutano. Constaba de 24 curiosas piezas plásticas fabricadas en colores chillones, ya bien con forma de calaveras, lechuzas, murciélagos, piratas, cíclopes, gárgolas, hombres-felino, etc.

En cada bolsita de patatas fritas te encontrabas uno.

Cierto que en su día podrian parecer una ridícula baratija, y quizá lo fueran. Hoy, consideradas prácticamente piezas arqueológicas de primer orden alcanzan precios casi prohibitivos en el mercado de segunda mano, y si creéis que exagero, echad un vistazo por internet y os convenceréis.

Eso sí, si pensáis comprar alguno tened cuidado, pues mucha gente no sabe que existe una colección de posterior factura que con más o menos gracia imita a la de Matutano, pero en realidad no deja de ser eso, una burda imitación china, de modo que yo en vuestro lugar no me rascaría mucho el bolsillo para hacerme con esta última (ojo porque muchas veces la ofrecen como la original, y lo que es peor: a los precios de la original).

Básicamente las distinguiréis por dos detalles fundamentales: la original (foto superior) SIEMPRE tiene la parte inferior abierta, es decir, desunida.

Por el contrario la imitación (foto inferior), SIEMPRE tiene el aro de una sola pieza (además esta última tiene menor variedad tanto de modelos como de colores, ya que solo cuenta con piezas rojas, verdes y amarillas). Decir también que los "impostores" son algo más pequeños que los originales.

A simple vista podría parecer la colección original, pero ¡ojo!, porque NO lo es...

Y pensar que yo llegué a tener alguno de los originales...

SERIES MÍTICAS: COMANDO G

2012-02-13T10:30:00.015+01:00

Gatchman es un popular anime producido por la Tatsunoko Productions. Se transmitió en Japón en octubre de 1972. Consta de 105 episodios, con cuyo metraje se han hecho en Occidente varias adaptaciones, como La batalla de los planetas (conocida popularmente como Comando G) y Fuerza G.

En Japón, a raíz del éxito de Gatchaman, se produjeron dos secuelas: Gatchaman II y Gatchaman F. Ambas han sido emitidas también en otros países, y en particular, la distribuidora estadounidense Saban combinó episodios de ambas para dar lugar a una nueva adaptación (Eagle Riders o Comando Águila), que se ha emitido en multitud de países.
Existen igualmente tres episodios adicionales, producidos en 1994 y lanzados en formato OVA (directo a vídeo) en Japón en ese mismo año.

Dicho esto, hoy me gustaría centrarme más concretamente en la versión que conocimos aquí, que fue La Batalla de los Planetas.

En 1978, la compañía Estadounidense Sandy Frank Syndication se hizo con los derechos de Kagaku nija tai Gatchaman (Gatchaman el escuadrón científico ninja). Sandy Frank adaptó la serie que había adquirido lo suficiente como para que fuese similar a Star Wars de George Lucas (que causaba furor en aquel momento), eliminando asimismo las escenas excesivamente violentas o que no fueran de su agrado. Así, los 105 episodios producidos por Tatsunoko en 1972 sirvieron para originar los 85 que compondría The Battle of the Planets (La Batalla de los Planetas), en los que la acción tenía lugar en distintos planetas del universo (mientras que en la serie original todo transcurría en la Tierra) y en los que los protagonistas estaban a las órdenes del robot Zark-7, inexistente en la serie japonesa. Este personaje (y su mascota Roberto-1) de cuya animación se encargó un estudio subcontratado por Sandy Frank, aparecía en cada episodio como coordinador del centro de Neptuno, dependiente de la Federación Intergaláctica. Al servicio de esta organización se encontraban los componentes del Comando G.
Esta versión -manipulada- de Sandy Frank llegó a España en 1980 con el título La Batalla de los Planetas, aunque popularmente se la conoció como Comando G.

El Comando G está formado por cinco jóvenes huérfanos: Tiny, Keyop, Jason, Mark y Princesa, con poderes especiales. Su misión es la de protegernos de los constantes ataques alienígenas de Spectra (un planeta que ha agotado sus recursos naturales y pretende invadir la Tierra y otros planetas de la Federación Intergaláctica).
Para intentar conseguirlo, el Jefe Supremo de Spectra y su lugarteniente Soltar envían continuos ataques con monstruosos ingenios mecánicos que destruyen todo a su paso.
El Comando G está a las órdenes del Profesor Anderson, jefe de seguridad de la Federación Intergaláctica y bajo la vigilancia constante del citado robot Zark-7 y su perro mecánico Roberto-1 desde el Centro Neptuno, donde con la ayuda de varias naves (la más conocida fue la Phenix) combatirán a los invasores de Spectra una y otra vez.
¿Conseguirán librar a la Federación Intergaláctica de la amenaza de Spectra?

La nave Phenix del Comando G

En realidad, Televisión Española llegó a emitir sólo 59 de los 85 capítulos. De esos 59 episodios han podido rescatarse 57, pero sólo 26 han sido los que Suevia Films ha puesto a la venta en DVD. En todo caso, a raíz del éxito cosechado por el Comando G a mediados de los 80 se puso en venta en España una cinta de VHS que, bajo el título La Amenaza de Espectra reunía varios episodios de la serie televisiva. Y poco después saldría también Las Cinco Estrellas del Águila, un filme montado en Corea con escenas de la segunda serie de Gatchaman.

A lo largo de bastantes años la serie gozó de un tremendo éxito en nuestro país, generando diverso merchandising que enloquecía a los críos. Dicho éxito, fue inmortalizado en parte por las canciones que el mítico grupo Parchís le dedicó a la serie. (Aquí el vídeo y la portada del vinilo).

Tampoco faltó la obligada colección de cómics (editada por Fher) ...

El álbum de cromos de una conocida marca de yogures...

El reloj de "mutación" (yo lo tuve)...

Como dato os diré que más allá del merchandising señalado, exíste una adaptación al cómic más moderna: Battle of the Planets.

Cómic de Battle of the Planets, portada del núm.1

Publicado por Gold Key Comics y Top Cow Comics en 2002, en plena efervescencia nostálgica por los personajes de los 80. Se trata de una serie de 12 números (con guión de Munier Sharrief y dibujo de Wilson Tortosa) que coincide con el anime en cuanto a la estética y al argumento. De hecho, la historia comienza exactamente igual, si bien a medida que van pasando los episodios, el cómic se distancia marcando su propia continuidad. Cabe señalar además que el cómic es bastante crudo y violento como ya lo era Gatchman en los años 70, por lo que se permiten introducir escenas veladas de sexo, hacer referencias a la pornografía o mostrar a Keyop asesinando a un científico con un bisturí.

Como el propio título deja entrever, Battle of the Planets está dirigida a los aficionados americanos, aquellos que conocieron a Comando G por la versión de Sandy Park. Esto se nota en el uso de los nombres de los personajes (Mark, Jason, Princesa, Tiny, Keyop, etc.), si bien no aparecen los dos robots que Sandy Park introdujo en su versión.

En España, Battle of the Planets fue publicada por Planeta DeAgostini en una serie limitada de 6 números con el título Comando G: La Batalla de los Planetas.

PELÍCULAS QUE ME ASUSTARON

2012-02-10T10:30:00.079+01:00

Desde niño, siempre he tenido una especial predilección por el cine fantástico, englobando en dicho género tanto el de ciencia ficción como el de terror. Tal circunstancia me ha llevado a visionar, a través de los años, una ingente cantidad de títulos. Si bien hay que reconocer que en el cine de terror demasiadas propuestas rayan el más absoluto de los ridículos, tampoco es menos cierto que en otras ocasiones (pocas), algunos títulos nos impactan de tal modo -en especial ciertas escenas concretas- que se clavan para siempre en nuestras retinas convirtiéndose en el perfecto caldo de cultivo de nuestras peores pesadillas.

Así, hoy quisiera presentaros un pequeño ranking de películas que en un momento u otro de mi vida tuvieron la inquietante virtud de asustarme. Las he ordenado en sentido inverso (del 3 al 1), para ir escalando posiciones en el pódium de menos a más. A ver que os parece mi particular selección...

En tercer lugar he situado un filme (que sé que a priori puede extrañar a más de uno encontrarlo aquí por sus moderados efectos especiales y discreta repercusión mediática). No es de las más conocidas, lo reconozco. En su día pasó casi desapercibida por coincidir en el tiempo con otros títulos de mayor impacto comercial como Poltergeist, La noche de Halloween o Viernes 13. Una inoportuna coincidencia temporal que se erige, a mi juicio, como la única justificación posible a la escasísima resonancia que tuvo. Tampoco es de las más espectaculares, pero he de admitir que hace ya unos cuantos años consiguió inquietarme bastante, sobre todo cuando la persona que me la hizo descubrir me dejó caer que (supuestamente) estaba basada en HECHOS REALES (acontecidos a mediados de los años 70).

Se dice que para llevar la historia al cine tan sólo se modificaron los nombres de los protagonistas, pero parece ser que la mujer en la que se centra la trama exíste realmente, como se explica en los créditos finales.

Estoy hablando de The Entity (El Ente).

La película, dirigida por Sidney J. Furie en 1982, narra la extraña historia de Carla Moran (Barbara Hershey), una madre soltera que afirma que cuando por las noches se queda sola en su habitación, una poderosa fuerza invisible la golpea, la lanza sobre la cama y la viola brutalmente (aparentemente acompañado de dos fuerzas menores que afirman sus piernas) mientras su rostro es presionado por su almohada para impedir que grite.

Carla decide entonces visitar a un psiquiatra, el Dr. Sneiderman (Ron Silver). Sneiderman y Carla creen que puede ser solo una experiencia de alguien que sufre de erotofobia (temor al sexo), por lo que ponen en marcha toda una serie de elaboradas pruebas que puedan corroborar dicha teoría. Sin embargo, finalmente la realidad se revelerá mucho más aterradora...

Aquí está el trailer original (aunque la verdad es que creo que no le hace demasiada justicia):

Como digo, en su momento se me antojó especialmente aterradora por lo que sin duda ostentaría uno de los primeros puestos entre las que más me asustaron (aunque hoy en día quizá podría compartir este 3º puesto del ranking con alguna otra que también "tiene tela", como la inquietante ¿Quién puede matar a un niño? del gran Ibañez Serrador, por citar otra que hace años también me hizo "sudar frío").

Se rumorea que en la actualidad estarían preparando un remake de El Ente. Ya veremos si finalmente se hace, y como.

En segundo lugar una "un poco" más conocida: The Exorcist (El Exorcista).

Y más concretamente me refiero a la versión que presenta el montaje del director, que contiene ciertas escenas bastante aterradoras que no tiene la "clásica" -como esa en la que la protagonista baja velozmente las escaleras de su casa boca arriba y andando a cuatro patas-, además de que en dicha revisión el doblaje español es mucho más crudo que en "la de toda la vida").

¿Qué más puedo deciros de este mega-clásico que no sepáis ya de sobra? (Su portada ya es todo un clásico por derecho propio, y su banda sonora -a cargo de Mike Olfield- también). Dirigida por William Friedkin en 1973, su guión se basa en la novela del mismo título de William Peter Blatty.

Chris MacNeil (Ellen Burstyn), una actriz en Georgetown, nota cambios dramáticos y peligrosos en el comportamiento de sus hija de 12 años, Regan MacNeil (Linda Blair). Regan tiene una convulsión, a continuación, muestra poderes sobrenaturales como la levitación y una gran fuerza. Regan maldice en una voz masculina demoníaca. Su madre, inicialmente cree que los cambios están relacionados con la pubertad, pero los médicos sospechan que es una lesión en el cerebro. Regan soporta una serie de desagradables pruebas médicas. Cuando los rayos X no muestran nada fuera de lo común, un médico informa que Regan tiene que ser llevada a un psiquiatra. Se suceden los sucesos paranormales, que incluyen la cama de Regan sacudiendo violentamente, ruidos extraños, y diversos movimientos inexplicables.

Cuando todas las explicaciones médicas se han agotado, un médico le recomienda un exorcismo, lo que sugiere que si se presentan síntomas de Regan son el resultado psicosomático de una creencia en la posesión demoníaca, entonces tal vez un exorcismo tendría el efecto de acabar con ellos. En su desesperación, Chris consulta al padre Karras, ya que es a la vez un sacerdote y un psiquiatra. Durante un período en el que el padre Karras observa a Regan, que se refiere constantemente a sí misma como El Diablo, Karras inicialmente cree que ella sufre de psicosis, hasta que la registra hablando en un idioma extraño que resulta ser Inglés hablado al revés. A pesar de sus dudas, Karras decide solicitar el permiso de la Iglesia para llevar a cabo un exorcismo.

Blatty, el autor de la novela original, explicó que para la historia se inspiró en HECHOS VERÍDICOS en los cuales trabajó cuando aún era estudiante universitario, sobre informes de un exorcismo real ocurrido en la localidad de Mount Rainier, Washington en 1949, del que en su momento informó el diario Washington Post. En el caso, la persona poseída era un niño de catorce años de edad llamado Robbie Mannheim, que sufrió alteraciones en su personalidad, por lo cual, se le practicaron varios exorcismos en un lapso de tres meses. Os diré que en su día ví un documental en el que analizaban el caso "real", e incluso íban con Linda Blair (la protagonista de El Exorcista) al solar en el que un día estaba la casa donde habrían sucedido los hechos, y en mitad de la entrevista ella encontraba entre la hierba un medallón con un crucifijo de oro y se quedaba realmente impactada. Eso me impresionó bastante.

Volviendo al tema de la película propiamente dicha: puré de guisantes a mansalva, giros de cabeza de 180 grados, levitaciones, blasfemias, y sobre todo, una pequeña y gélida habitación cerrada a cal y canto que se antoja absolutamente claustrofóbica...

Ya lo dijo Alaska: "Tengo los huesos desencajados, el fémur tengo muy dislocado;
tengo el cuerpo muy mal, pero una gran vida social..."

Como anécdota, os diré que en el estreno, numerosos espectadores sufrieron ataques de nervios y los propietarios de las salas de exhibición decidieron, como reclamo publicitario, apostar a las puertas ambulancias con camillas y enfermeros para atender a los eventuales espectadores desmayados.

La película originó una serie de secuelas de calidad irregular, así como incluso una delirante revisión cómica (con la misma protagonista y el inclasificable Leslie Nielsen en el papel de exorcista) que aquí se llamó Reposeida, pero ninguna de ellas se aproximaría ni de lejos al éxito arrollador de la original. Aquí tenéis el trailer:

Y ahora, el primer puesto del ranking. Aquí sí que no he dudado lo más mínimo. Amiguitos, puedo aseguraros que en mi vida he visto una película que de más "canguelo" (al menos a mí) que The Ring (La Señal en España, La LLamada en Argentina y El Aro en el resto de Hispanoamérica).

Dirigida por Gore Verbinski en 2002, se trata de un remake de la cinta japonesa RINGU (1998), que también asusta lo suyo, aunque a mí me impactó más la americana. Además, sirvió como pistoletazo de salida para toda una serie de producciones (japonesas y/o americanas) protagonizadas por fantasmas de niñas o adolescentes pálidas y despeinadas todas cortadas por el mismo patrón (La Maldición, El Grito, Dark Water, Llamada Perdida, etc).

Desde el estreno de la película en Japón, hasta la producción americana, se han hecho diversas especulaciones en cuanto a la posibilidad de que esta película también esté basada en HECHOS REALES o bien, en algún mito urbano, llegando a atribuírsele la responsabilidad por algunas muertes misteriosas en algunas zonas del continente asiático, e incluso llegó a especularse que también se habían visto involucradas algunas zonas de América sobre todo en Norte y Centroamérica. Después de numerosas investigaciones, se le ha preguntado directamente al escritor de las novelas originales Kôji Suzuki, el cual ha aclarado siempre que pese a que agradece la pasión con la que los fans han acogido la historia, intentando buscarle explicaciones racionales y cabida dentro del mundo real, esta no está basada en ningún mito o leyenda. Sin duda una reconfortante aclaración, (aún así, he de deciros que en cierta ocasión una persona me contó que una noche tuvo que cruzar por un camino de monte sin iluminación de ningún tipo, y cuando pasaba junto a una finca en la que se vislumbraba un viejo pozo se acordó de cierta escena de esta película, sugestionándose de tal modo que tuvo que salir de allí por piés).

La trama gira en torno a una misteriosa cinta de video con imágenes de pesadilla, que parece ser la causa de la muerte de cuatro jóvenes en extrañas circunstancias.
La tía de uno de ellos, Rachel Keller (Naomi Watts) que además es periodista, consigue hacerse con la cinta. Tras visionarla recibe una terrorífica llamada telefónica, que con inquietante voz infantil le advierte que en el plazo de una semana morirá. A partir de éste punto, Rachel emprende una vertiginosa investigación contra reloj para desentrañar el intrincado misterio y salvar la vida. No tardará en descubrir la inquietante historia de una niña asesinada llamada Samara Morgan...

¿Qué queréis que os diga, ilustres compañeros?. Después de verla estuve como quince días durmiendo con un ojo abierto, imaginando que junto a mi cama podía aparecer una imágen como esta:

La película -aparte de ser concienzudamente parodiada en Scary Movie 3- tuvo una secuela que, aunque también contaba con tres o cuatro momentos bastante aterradores, en mi opinión es bastante más floja que la que nos ocupa. Ahora parece ser que están próximos a estrenar la tercera parte. Por lo de pronto, aquí os dejo el trailer de la original:

Y en resúmen, estas son las tres películas que más me han asustado (o cuatro, si tienes en cuenta la mencionada ¿Quién puede matar a un niño?). Ahora, amiguito, me gustaría conocer las tuyas. ¿Te animas a escribirlas en comentarios? y te aconsejo que no dejes de hacerlo, o de lo contrario quizás se enfade contigo esa niña tan pálida y despeinada que ahora mismo está a tu espalda.

HISTORIA DE BRUGUERA III: FORMANDO EQUIPO

2012-02-06T12:25:00.004+01:00

Tal y como vimos en la entrada anterior de esta serie, Pantaleón y Francisco tuvieron que hacerse cargo de la dirección de la empresa tras la retirada forzosa de su padre por motivos de salud, quien además terminaría falleciendo prematuramente.
Por si fuera poco, el estallido de la Guerra Civil trajo otro sinfín de problemas añadidos, pero contra cualquier pronóstico razonable, gracias al tesón y buen hacer de los hermanos Bruguera la editorial terminó por consolidarse definitivamente.

Y mientras tanto... ¿que sucedía en la competencia?. Pues por ejemplo, la Editorial Valenciana acababa de dar con una colección que (pese a su discutible calidad) la asentaría de tal modo en el mercado, que en las décadas siguientes llegaría a convertirse en la más seria competidora de la de Barcelona. Dicha colección se llamó Roberto Alcázar y Pedrín.

Roberto Alcázar y Pedrín consolidó a Editorial Valenciana como una de las principales competidoras de Bruguera

Por otro lado, y continuando el repaso de lo que se cocía en la competencia, conviene recordar que la mítica revista TBO de Buigas, Estivill y Viña S.L. seguía siendo el gran referente del género (hasta el punto de que, por extensión, acabaría renombrando popularmente cualquier revista de historietas).

Por su parte, Francisco González Ledesma asumió el cargo de redactor jefe en la redacción de Bruguera. Poco después, la empresa también tuvo el acierto de "descubrir" a la que sería una de sus autoras más exitosas: la célebre escritora asturiana Corín Tellado, que con sus novelas románticas haría ganar mucho dinero a la editorial.

En esos años Bruguera continuó experimentando posibles nuevas fórmulas editoriales para sus publicaciones humorísticas. De este modo, aparecieron muchas colecciones (aunque la mayoría de existencia efímera), así como unas cuantas reediciones. Pero no sería hasta 1947 -coincidiendo con la reapertura de su célebre Pulgarcito- que la editorial pudiese contar con una plantilla estable de colaboradores, lo que propiciaría la aparición de nuevos títulos de gran calidad, que además perdurarían durante muchos años.

Se iniciaba así la Edad Dorada...

Próxima entrega: Carpanta y Zipi y Zape

WIZARD, OTRA REVISTA DE CULTO

2012-02-03T00:00:00.006+01:00

Ayer, por pura casualidad, estuve revisando mis viejos ejemplares de la edición española de la desaparecida revista Wizard, y cuando quise darme cuenta ya me encontraba escribiendo este pequeño post, a fin de analizar (un poco a vuela pluma) lo que representó dicha publicación.

Al igual que los cómics de Image, y al principio centrándose sobre todo en los mismos, Wizard Magazine nació en los años 90.

Si bien es cierto que la revista siempre mantuvo una línea editorial un tanto infantil y superficial, banalizando in extremis el género al que pretendía promocionar, hay que reconocerle que fue el símbolo de una época y una de las publicaciones más influyentes en el mundillo comikero estadounidense.

Con un estilo decididamente fresco y dinámico, y plagada de imágenes despampanantes de colores chillones y composiciones de página que, literalmente, saltaban a tus ojos, rindió pleitesía como ninguna otra a los personajes hot del momento, popularizando notablemente su top ten de guionistas y dibujantes.

Todo forma y poco fondo, como los citados cómics Image de los 90 de los que tanto se nutrió en sus inicios. Promoción de los autores que querian venderse y escasa o nula atención a los auténticos cómics de interés.

Eso y sus recordadas listas de precios de tebeos y juguetes, así como su apoyo al auge de las convenciones norteamericanas, era lo que nos ofrecía cuando esta información no estaba disponible por otros medios.

Luego, con la revolución que supuso internet -tanto de las webs de las editoriales como de los blogs independientes que actualizaban en tiempo real las noticias y rumores de Marvel y DC-, Wizard comprendió que había llegado el momento de renovarse o morir, viéndose abocada en 2010 a abandonar la impresión en papel y pasar también a ser una web.

CINE MÍTICO: SUPERMAN

2012-01-30T10:30:00.012+01:00

En los últimos años, el género superheróico se ha impuesto con muchísima fuerza entre los blockbusters que más arrasan. Y si hay una saga cinematográfica digna de ser considerada la auténtica génesis de dicho género, esa saga es, sin duda alguna, la de Superman.

Todo empezó en los años 70, cuando Alexander e Ilya Salkind se hicieron con los derechos del personaje, y contrataron a Richard Donner para realizar lo que sería un extenso largometraje (de cerca de tres horas) sobre el famoso superhéroe. Pero desde el inicio del rodaje hubo ya una gran cantidad de roces entre productores y director, que terminarían por agravarse con el paso de los meses. Mientras los Salkind querían una versión camp similar a la serie Batman de 1966, Donner realizaba un enfoque mucho más maduro del personaje. El director trajo a bordo al guionista Tom Mankiewicz, que le dió una pulida general al libreto de Mario Puzo para darle más realismo, y donde los rezagos de la idea original de los Salkind quedaron relegados al papel humorístico que en general juega el Lex Luthor de Gene Hackman.

Además, desde un primer momento, Donner apostó por un perfecto desconocido para encarnar al mítico superhéroe: un jovencito llamado Cristopher Reeve.

Cristopher Reeve como Superman: una imagen absolutamente icónica

De este modo, y con aquel acertado eslogan que rezaba: "creerás que un hombre puede volar", se puso en marcha la maquinaria de un ambicioso proyecto que contaba entre su elenco con nombres tan destacados como Marlon Brando, Glenn Ford o el citado Gene Hackman.

Superman:

El primer filme de la saga se estrenó el 15 de Diciembre de 1978, titulado sólo Superman (aunque en algunos países de habla hispana fue Superman: La Película), conmemorando el 40 aniversario del personaje, y fue el éxito de aquel año y de parte de 1979, a lo cual contribuyó mucho la falta de una competencia real, sin embargo mostraba lo último en adelantos técnicos de esa época y críticamente convenció a la mayoría de columnistas del medio.

La historia narra la destrucción del planeta Krypton, llegada de Superman a la Tierra, su adopción por el matrimonio Kent, adolescencia en el pequeño pueblo rural Smallville, fallecimiento de Jonathan Kent lo cual motiva al joven Clark Kent a conocer su verdadero origen, su llegada a la ciudad de Metrópolis (el origen abarca casi una tercera parte de la película), dada a conocer al mundo y su enfrentamiento con el megalómano Lex Luthor.

Richard Donner, director del filme

La crítica encomió la interpretación dual de Reeve como Superman y el discreto Clark Kent, la dirección de Richard Donner quien logró hacer un filme solemne y la apoteósica musicalización de John Williams quien demostraba su capacidad realizando uno de sus mejores trabajos a la fecha.

Superman II:

Desde la primera película de 1978 la historia daba pie a lo que sería la continuación, el director Richard Donner había realizado varias escenas desde la filmación de la primera, apróximadamente entre el 70% y el 80% de Superman II. Sin embargo conforme avanzaba el proyecto Richard Donner tenía más y más diferencias creativas con los Salkind y estos terminaron despidiendole, por lo cual entró al relevo el director Richard Lester quien volvió a filmar muchas escenas haciendo la película un poco más ligera que lo que Donner había planeado originalmente. Así, buena parte de lo filmado por Donner no se utilizó, mientras por su parte Marlon Brando impidió que sus imágenes editadas de la primera se utilizaran para ésta pues solicitó mucho dinero por ellas. Al final, únicamente se dejó un 30% del material de Donner, entre ellas las escenas donde aparece Gene Hackman entre otras.

No, pese a su indumentaria tan popera y ochentera, el trío no se llama Mecano, ni la joven Ana Torroja (aunque el peinado se parezca lo suyo...)

El filme se estrenó en Europa y Australia en 1980, en Estados Unidos y el resto del mundo en 1981. Pese a los intempestivos cambios durante su producción fue otro gran éxito para Warner, conservando mucho del espíritu de la primera parte. En ésta, Superman combate a tres criminales kriptonianos desterrados por su padre, al tiempo que debe decidir entre llevar una vida normal como un ser humano junto a su amada o por el contrario asumir su identidad como Superman con todas las responsabilidades que ello implica.

Hay que decir que aquí, pese al fallo de haber dejado a Donner en tierra, aún puede considerarse que estamos ante un gran filme que mantiene en gran medida el espíritu del anterior.

El merchandising (sobre todo de los primeros filmes) fue muy variado. Aquí vemos los álbumes de cromos de las dos primeras entregas, editados por Fher

Superman III:

Para 1983 se lanzó Superman III, nuevamente bajo la dirección de Richard Lester, aunque ya sin historia de Puzo y en la cual el planteamiento perdió toda su fuerza debido a varios cambios realizados durante la filmación. El guión y la historia quedó a cargo de David y Leslie Newman. Originalmente se pensó que el villano fuera Brainiac, pero por cuestiones de derechos no se pudo utilizar y sólo se conservó el elemento de la computadora perversa con identidad propia, además de que se introdujo al comediante Richard Pryor como un experto en informática, lo cual resultó en un personaje más bien impopular.

Así, en esta ocasión el argumento narra como los hermanos millonarios Ross y Vera Webster, junto a su asistente Lorelai Ambrosia quieren aprovechar la inteligencia de Gus Gorman (Richard Pryor) para controlar el mundo, obligándole a causar varios desastres accediendo a redes de computadores, incluyendo el sabotaje de un satélite climático que causa una tormenta en Colombia que amenazaba con destruir la cosecha de café, siendo sus planes finalmente frustrados por Superman.

Como anécdota, comentar que la actriz que interpreta aquí a Lana Lang (Annette O'Toole), es también la que interpreta a Martha Kent en la serie Smallville, la madre adoptiva de Clark.

El caso es que esta vez la dirección de Lester acabó siendo inadecuada, y la película, que en ciertas escenas supuestamente cómicas causaba auténtica verguenza ajena por rozar el ridículo más espantoso, no contó con el favor del gran público como las anteriores, por lo cual el estudio Warner se mostró reticente a una nueva entrega.
Tras su pobre acogida por parte de la crítica y el poco éxito de Supergirl en crítica y taquilla, Alexander e Ilya Slakind deciden vender su opción de un hipotético cuarto filme a Menahem Golan y Yoram Globus, encargados de The Cannon Group, compañía independiente que en los 80 había alcanzado cierto renombre al realizar cintas de bajo presupuesto (serie-B) con actores de renombre como Sylvester Stallone, Charles Bronson y Chuck Norris que tuvieron acogida en la taquilla, sin olvidar algunas cintas independientes altamente valoradas por la crítica y que exhibían en su propia cadena de cines.

Superman IV. En busca de la paz:

Para 1987, se realizó una cuarta entrega, ésta vez impulsada por el propio Christopher Reeve, quien consiguió apoyo de los estudios Cannon Films así como de los socios Golan-Globus, junto con Warner que esta vez no costeaba todos los gastos. La dirección esta vez corrió a cargo del desconocido Sidney J. Furie, y debido a todos los demás cambios en el equipo de producción y la historia fue la primera en tener un subtítulo.

El argumento, al cual contribuyó también Reeve como condición para embarcarse en el proyecto, fue sobre el desarme nuclear en el mundo, pues en ésta Superman quiere hacer algo verdaderamente significativo con sus poderes, aunque de paso debe enfrentarse al Hombre Nuclear, creación de Lex Luthor, y así, aunque muy bien intencionada, la película no logró el impacto deseado, por lo cual Warner decidió suspender la saga por tiempo indefinido.

Así, habría que esperar casi 20 años para que los cines de todo el mundo volvieran a estrenar una nueva película sobre el personaje.

Superman returns:

En el año 2006, con el gran Cristopher Reeve ya fallecido y bajo la dirección de Bryan Singer (quien ya tenía probada experiencia en el género con sus exitosas X-Men) llegó Superman returns, una película que claramente trató de formar parte de la saga clásica pero retomando la historia a partir de Superman II (olvidandose por tanto olímpicamente de las fallidas Superman III y Superman IV), con el "Hombre de Acero" volviendo a la Tierra tras una ausencia de cinco años.
Lo curioso es que para el papel protagonista se escogió a Brandon Routh, que al igual que sucediera con Reeve en su día, en el momento de su elección también era un perfecto desconocido. Además, es innegable el gran parecido físico que guarda con su malogrado predecesor.

Aquí exísten opiniones divididas entre los aficionados. Aunque muchos fans del personaje la consideran una mala película, otros (entre los que me incluyo), la consideramos como la "auténtica" Superman III.
En fin, como dijo aquel, cuestión de gustos.

Ahora solo falta esperar que en el verano de 2013 se estrene Man of steel (Hombre de acero), protagonizada por Henry Cavill, y dirigida por Zack Snyder (con producción de Christopher Nolan). Una enésima vuelta de tuerca acerca de los orígenes del famoso personaje de la capa roja.

Eso sí, teniendo en cuenta que esta ya romperá cualquier vínculo con la vieja saga, reseteando por completo el compejo universo del kryptoniano. A ver que sale de ahí...

LA IMPRESIONANTE COLECCIÓN DE LUÍS MIGUEL (GRANADA)

2012-01-27T10:49:00.002+01:00

Sabéis que una de las aspiraciones principales de este blog, o al menos una de las obsesiones de quien esto escribe, es potenciar al máximo la interactuación con sus lectores, y con tal motivo hace un tiempo que os he solicitado vuestras aportaciones personales (entendiéndose como tales vuestras preguntas, sugerencias, dibujos, fanfictions, fotos de vuestras colecciones de cómics, cromos, merchandising...). En definitiva, cualquier cosa susceptible de ser publicada.

Pues bien: el otro día recibí la primera de dichas aportaciones... ¡pero que aportación, compañeros! ¡que aportación!. El amigo Luís Miguel González Ruiz de Granada, un veterano coleccionista de 49 años que lleva atesorando material de Marvel (especialmente de Spider-Man) desde que tenía apenas 10, me envía un mail realmente IMPRESIONANTE de su portentosa colección. Son casi 150 increíbles fotografías, de las cuales me ha costado muchísimo hacer una selección, porque TODAS son interesantísimas. Él lo llama "mi museo personal de Spider-Man", y si bien es cierto que, como he dicho, el grueso de su colección se centra especialmente en el intrépido trepamuros, veréis que Luís Miguel en absoluto le hace ascos a otro tipo de materiales. Disfrutad de las fotos, queridos amiguitos, porque lo cierto es que no tienen desperdicio.

Esta es su increíble colección de Spider-Man (primer volúmen de Vértice).

A Luís Miguel tampoco le faltan los siguientes volúmenes del personaje en esta editorial, y además los ha hecho encuadernar. Aquí vemos algunos de estos tomos colocados en la estantería.

Aquí unas cuantas capturas del interior de estos tomos...

Como no podía ser de otro modo, de Vértice también tiene los tomos recopilatorios... ¡una auténtica rareza!

Pero nuestro entusiasta amigo no se conformó con completar al personaje sólo en Vértice. Aquí podemos constatar que también se muestra interesado por el material de Montena, así como otras rarezas, que incluyen el famoso crossover con Superman...

Cuando Marvel pasó el testigo a Bruguera, Luís Miguel continuó siendo totalmente fiel al personaje. Aquí vemos dicha etapa perfectamente encuadernada.

Como podemos observar, de Bruguera también tiene los célebres Pockets de Ases...

Cuando Bruguera perdió a Marvel en favor de Fórum (Planeta), Luís Miguel "erre que erre", y como no podía ser menos, encuadernando lujosamente el material. ¿Véis el número 1?.

Como sabéis, hace algunos años Fórum sacó un par de coleccionables de kiosko coincidiendo con el estreno de las películas del trepamuros. Son los vulgarmente llamados coleccionables "rojo" o "azul". ¿Podéis creeros que nuestro amigo también los hizo encuadernar? ¡Sencillamente alucinante, ¿no?!

No contento con ello, este incansable completista también puso sus miras en los célebres ejemplares mexicanos de Editorial La Prensa (toda una rareza, dicho séa de paso).

¿Creíais entonces que Luís Miguel se conformaría sin coleccionar los numeros originales americanos de los primeros años de Marvel?. Sí, ya se que uno solo de esos cómics vale UN PASTIZAL y que no está al alcance de cualquier bolsillo (y menos cuando hablamos de una burrada de ellos). Pero Luis Miguel es Luís Miguel, y eso amiguitos, ya son palabras mayores...

Impresionante también su ingente cantidad de álbumes de cromos, tanto de Spidey, como de otros personajes del mundillo friki que tanto nos apasiona. Os aseguro, por experiencia propia, que algunos de los mismos valen un dineral...

Atención ahora a sus preciosas figuras, muñecos, juguetes y otros interesantes cachivaches (muchos de ellos muy antiguos y de importación...)

El tipo hasta tiene "archivados" lo que parecen ser chicles americanos de mediados de los 70´s...

Así como algún catálogo americano de merchandise de la misma época... ¡¡¡sorprendente!!!

Sellos del servicio postal...

y otras cosas muy raras y variadas, sueño de cualquier coleccionista que se precie...

Pero dado que no solo de Spider-Man vive el hombre, a continuación os mostraré un pequeño resúmen de otras curiosas cosillas de la colección de nuestro amigo. Por ejemplo, el primer volúmen de Vértice de La Masa (en España aún no le llamábamos Hulk por aquel entonces...)

Otros recordados Vértices del vol.1 (Kelly "Ojo Mágico", Spider, Zarpa de Acero, etc)

De la mítica Editorial La Prensa (de México) también tiene otras cotizadas colecciones...

Fijáos que del Capitán América también tiene unas cuantas MARAVILLAS...

Atención a estos preciosos juguetes de importación: se trata de una tirada limitada de sólo 5.000 (aquí vemos el certificado que nos dice que nos encontramos ante el ejemplar número 4.527)

Mirad que preciosidad de figuras de Conan...

En esta vitrina véis las figuras de plomo del coleccionable DC, así como del de Marvel...

Por el tamaño de la colección de nuestro amigo podríamos seguir así prácticamente hasta el infinito, pero como tampoco se trata de hacer un post kilométrico, vamos a ir despidiéndonos por hoy. Eso sí, animándoos a todos a que escribáis comentarios acerca de que os ha parecido lo que se ha mostrado, porque seguro que a Luís Miguel le interesará mucho saber que pensáis de sus preciados tesoros.

Es lo menos que podemos hacer para agradecer la gentileza que ha tenido en compartirlos con todos nosotros. ¿No os parece, amigos?.

Y recordad que todos podéis mandarme fotos de vuestras colecciones, como ha hecho el amigo Luís Miguel a mi email Jonathanstriker65@gmail.com

SERIES MÍTICAS: STAR TREK (THE ORIGINAL SERIES)

2012-01-23T10:30:00.015+01:00

"El espacio: la última frontera. Estos son los viajes de la nave estelar Enterprise, en una misión que durará cinco años, dedicada a la exploración de mundos desconocidos, al descubrimiento de nuevas vidas y nuevas civilizaciones, hasta alcanzar lugares donde nadie ha podido llegar."

¿Quién no conoce esta inolvidable parrafada de introducción?. Efectivamente, queridos amiguitos, hoy toca nueva entrega de nuestra afamada sección Series Míticas, que viene a traernos otra de esas producciones insustituibles, capaces de arrastrar auténticas legiones de fans y cautivar a varias generaciones. En el caso concreto que nos ocupa, sus miles de seguidores incluso tienen un nombre especial que los diferencia de los fans de otras series. Estos son mundialmente conocidos como trekkies. Sí señores, lo han adivinado. Hoy presentamos... Star Trek!!!!!!

Esta legendaria serie de ciencia ficción de culto (titulada La conquista del espacio en España y Viaje a las estrellas: la serie original en Latinoamérica) fue creada por el productor Gene Roddenberry, sumando un total de 80 episodios repartidos en tres temporadas. Emitida originalmente por la NBC entre 1966 y 1969, su argumento gira en torno a los viajes de exploración interestelar de la nave U.S.S. Enterprise y su tripulación, dirigida por el capitán James T. Kirk (William Shatner), su primer oficial el vulcaniano Sr. Spock (Leonard Nimoy), y el oficial médico en jefe Leonard McCoy (DeForest Kelley) en el siglo XXIII.

Aunque originalmente la serie fue titulada simplemente como Star Trek, posteriormente fue más conocida como Star Trek: The Original Series (algunas veces abreviada ST:TOS o TOS) para diferenciarla de los diversos spin-off que le siguieron, y del universo o franquicia de Star Trek.

Cuando se estrenó en 1966, la serie no fue un éxito inmediato, los ratings eran bajos al igual que los ingresos por publicidad. Incluso antes de finalizar la primera temporada, ya había llamadas al canal para que la cancelaran por sus bajos ratings.

La nave estelar Enterprise

Mientras que Roddenberry continuó a cargo de la serie como productor ejecutivo, se alejó durante la tercera temporada de la serie como productor. Al final de esta temporada, la serie fue cancelada, con un total de 80 episodios. Sin embargo, se volvió extremadamente popular y una serie de culto cuando el programa pasó a sindicación en la década de 1970. El éxito de la serie fue seguido por numerosos spin-off compuestos hasta la fecha por cinco series de televisión (una de las cuales fue animada) y once películas (de las cuales, las seis primeras fueron protagonizadas por el elenco original), la más reciente estrenada 8 de mayo de 2009. Los Records Guinness pusieron a la serie original de Star Trek como la que cuenta con mayor número de spin-offs en la historia de la televisión. Tal vez por tal motivo, para diferenciarla de esas otras versiones, a la primera serie (a la que se refiere nuestro artículo de hoy) se la conoce popularmente como Star Trek: The Original Series (algunas veces abreviada ST:TOS o TOS).

El primer spin-off de la mítica serie televisiva consistió en una recordada producción animada de 1973

En tiempos en los que la segregación racial estaban firmemente arraigada en varias áreas de Estados Unidos, Roddenberry previó una tripulación multiracial y con diversidad de género, basado en su hipótesis de que los prejuicios raciales y el sexismo no existiría en el siglo XXIII. También incluyó un personaje recurrente de una raza alienígena, Spock (mitad humano, mitad vulcaniano), ambas razas unidas bajo la bandera de la Federación Unida de Planetas.

El vulcaniano Spock y su característico saludo

Otras innovación de Star Trek involucraban soluciones básicas para problemas de producción. La idea de viajar más rápido que la luz a través de los motores warp no era algo nuevo para la ciencia ficción, pero facilitaba el desarrollo de las historias permitiendo al Enterprise viajar a través del espacio de manera rápida. El tema de los teletransportadores, permitía a los personajes ir de un lugar a otro, ahorrando los prohibitivos y excesivos costos de aterrizaje para cada episodio. El famoso comunicador fue introducido como un dispositivo para poner a los personajes en situaciones de riesgo por desperfectos, siendo robado o perdido, o fuera de rango. Este comunicador fue copiado a mediados de los años 90 para el diseño de varios teléfonos móviles.

La franquicia también se extiende a más de una docena de videojuegos, varios juegos de rol, cientos de novelas y relatos de ficción escritos por fans, algunos de los cuales han sido producidos en video, así como también una atracción temática en Las Vegas.

He aquí la intro en castellano:

HISTORIA DE BRUGUERA II: AIRES DE RENOVACIÓN

2012-01-19T21:55:00.006+01:00

En el post anterior de esta serie, vimos como Juan Bruguera propició la entrada en El Gato Negro -el floreciente negocio familiar- de sus dos hijos varones, Pantaleón y Francisco, que comenzaron desde abajo, como meros aprendices. Por desgracia, el señor Bruguera no tardaría mucho en darse cuenta de cuán acertada había sido dicha decisión, pués siendo aún bastante jóven comenzó a tener serios problemas de salud que lo llevarían a retirarse prematuramente a un tranquilo paraje de montaña próximo a Barcelona. Sin duda un importante varapalo para la empresa, pero al menos la sucesión estaba garantizada, que no era poco. Así, desde la distancia del referido retiro dirigió los pasos de sus vástagos cuando ya la enfermedad había empeorado considerablemente.

Desgraciadamente en 1933, y con tan sólo 48 años de edad fallece el patriarca, de modo que Pantaleón y Francisco no tuvieron más remedio que repartirse la dirección de la editorial y poner en práctica todo lo que habían aprendido durante aquellos años previos.

Su primera gestión se caracteriza por el abandono progresivo de la edición de folletines y la dedicación más exclusiva a la publicación de revistas de historietas, con la exitosa Pulgarcito a la cabeza. Esta ya era una tendencia proveniente de años anteriores, pero que ahora se vería acentuda.

Tan sólo 3 años después del fallecimiento del fundador, en 1936, estalló la guerra civil, y ese mismo año un comité obrero intervino la editorial eligiendo como delegado a Arturo Ortega. Es un momento de escasez y precariedad. Apenas hay papel ni otras materias primas, y los cortes eléctricos son frecuentes, aunque ni siquiera eso detuvo la producción en ningún momento. En cualquier caso, las aguas no tardarían demasiado en volver a su cauce.

En 1940, Pantaleón y Francisco decidieron cambiar el nombre de la empresa por uno que fuese más competitivo. Se opta por darle el apellido familiar. El Gato Negro ya era, al fin, la Editorial Bruguera. Y lo mejor aún estaba por llegar...

Próxima entrega: formando equipo.

JACK EL DESTRIPADOR EN LA CULTURA POPULAR

2012-01-15T23:57:00.021+01:00

Aquellos que me conozcan un poco, sabrán que uno de mis temas preferidos (con permiso de Spider-Man) es el que abarca toda la mitología concerniente a Jack el Destripador. Y no, antes de que nadie me repita la gastada broma (que tantas veces me han hecho ya) sobre si admiro a un asesino en serie, me apresuraré a aclarar que no es el asesino propiamente dicho lo que me produce tan extraña fascinación, sinó las increíbles circunstancias que llevaron a tamaño malhechor a ser capaz de volatilizarse para toda la eternidad entre las manos de sus numerosos perseguidores -entre los que cabría destacar a su némesis, el célebre inspector Abberline-, como si tuviese la sobrehumana facultad de volverse tan incorpóreo como la misma niebla desde la que súbitamente surgía con demencial ímpetu para saciar su sed de sangre.

Hoy, la figura de Jack the Ripper (su apodo original, que aquí tradujimos erróneamente como Jack el Destripador cuando más bien hubiésemos debido traducirlo como Jack el Desgarrador) ha trascendido con mucho los límites de la macabra familia de los asesinos seriales, para convertirse en todo un fenómeno social, un auténtico icono de los siniestro dentro del imaginario colectivo. Un personaje ciertamente audaz, que mientras se jugaba la horca a la que habría sido condenado sin remisión en caso de haber sido atrapado, se divirtió jugando al gato y al ratón con un Scotland Yard al que ridiculizó en extremo. Las brumosas y estrechas callejuelas del barrio bajo de Londres y la silueta de un hombre elegante y bien vestido recorriéndolas, han sido (con mayor o menor fidelidad hacia los hechos históricos) una fuente inagotable para la literatura, los cómics, el cine y el teatro de todos los tiempos. Su fama se convirtió en leyenda, tanto por la crueldad de las aberraciones perpetradas, como por el misterio de su identidad así como su inexplicable y repentina desaparición.

Hoy vamos a repasar algunas de las más célebres incursiones del amigo Jack en diversos medios, pero siempre desde la lúcida certeza de que nombrarlas todas sería poco menos que imposible. Ahora bien: creo que antes de meternos en harina convendría hacer un "pequeño" repaso a los hechos históricos, que es bien sabido que demasiado a menudo la realidad supera a la ficción (aunque antes de saltar en el tiempo quisiera advertiros que algunas de las imágenes mostradas a continuación, así como ciertas descripciones pueden resultar bastante desagradables para estómagos sensibles, así que avisados quedáis...)

Nos trasladamos a 1888, en plena era victoriana. En aquellos días, Londres ostentaba sin lugar a dudas el honor de erigirse como la metrópoli del mayor imperio mundial de la época. La zona más deprimida de la gran urbe estaba conformada por los barrios bajos del sector este londinense, conocido popularmente como East End (Extremo Este). Un área totalmente marginal, donde la miseria más absoluta contrastaba poderosamente con el exquisito -y a menudo hipócrita- modo de vida del denominado West End (Extremo Oeste), donde se congregaba gran parte de la burguesía inglesa. En el East End se ubicaba el distrito de Whitechapel (Capilla blanca) con sus barrios extremadamente pobres y conflictivos. Este castigado sector de la ciudad sirvió como coto de caza durante un breve período (desde agosto hasta noviembre del citado año) a un intrépido psicópata que mató y mutiló con una saña inexplicable al menos a cinco mujeres (aunque ciertos investigadores creen que pudieron ser más).

Imagen de Whitechapel en la época del Destripador

La primera víctima “oficial” de Jack el Destripador fue una prostituta alcohólica (en realidad todas sus víctimas lo fueron) llamada Mary Ann Nichols, apodada simplemente “Polly”. Tenía 43 años.

Sobre las 2 y 30 de la madrugada del viernes 31 de agosto de 1888, Polly, que se hallaba en estado de embriaguez, fue desalojada de una pensión de Thrawl Street por carecer de los 4 peniques que costaba una cama, y por sus últimas palabras conocidas parece ser que manifestó que se ganaría el dinero en la calle con la ayuda de un nuevo capo que había conocido. Así, Polly se internó en la oscura noche, y sus pisadas se perdieron para siempre en un mundo de angostos y sórdidos callejones de suelos empedrados, difuminados por una fantasmagórica neblina, débilmente iluminada por la mortecina luz de gas de los faroles.

Algo más tarde, en torno a las 3 y 45 de la madrugada, su cadáver degollado y horriblemente mutilado fue
descubierto por el agente John Neil mientras hacía su ronda rutinaria por la zona de Buck´s Row, quien en vista de tan macabro hallazgo comenzó a soplar su silbato frenéticamente en demanda de socorro (aunque lo cierto es que escasos minutos antes de la llegada del policía un joven llamado Charles Cross, que se internaba por esa calzada rumbo a su trabajo en el mercado, divisó el cuerpo y corrió a buscar ayuda en otra dirección). Un detalle ciertamente inquietante es el hecho de que el agente afirmase que solo media hora antes recorriera ese mismo sitio sin apreciar nada raro. Esa sería una constante en las futuras "hazañas" de Jack: el dar la impresión de tener perfectamente cronometradas las rondas policiales, dando probadas muestras de ser capaz de contactar con la víctima, ganarse su confianza, asesinarla silenciosamente y ensañarse con ella a continuación (además del elaborado modo en que lo hacía), sacando tiempo aún para abandonar la escena del crímen -sin ser visto- en los breves intervalos existentes entre ronda y ronda policial (esa precisión horaria es algo que, por inexplicable, resulta realmente fascinante).

Otro dato que llamó la atención del caso fue la escasa cantidad de sangre hallada a su alrededor y lo seco que estaban su cuerpo y sus ropas pese a la lluvia que había caído la noche del crimen. Raro, ¿verdad?, pues más raro aún fue el hecho de que ni los agentes de policía que patrullaban las calles colindantes ni los propios residentes de Buck´s Row informaran de problemas de ruidos o de ver algo sospechoso, ni siquiera cuando posteriormente las autoridades les interrogaron al respecto. Si bien es cierto que en los días posteriores se detuvo a algún sospechoso (como aquel que apodaban "Delantal de Cuero", un zapatero judío llamado John Pizer), nadie fue retenido más allá de unas pocas horas por falta de pruebas que los vinculasen al caso.

Los periódicos de la época reconstruyeron el hallazgo del cadáver con fieles ilustraciones

El jueves 6 de septiembre introdujeron el cuerpo de Polly en un tosco ataúd, y antes de cerrar la tapa se le sacó la única fotografía que se conserva. El féretro fue izado a un carruaje con caballos que se dirigió al cementerio de Ilford, a unos diez kilómetros de la morgue. En una tarde gris y lluviosa se extrajo el cuerpo y se lo colocó dentro de un foso recién cavado, recibiendo sepultura directamente en la tierra. El padre de la difunta, su cónyuge, tres de sus hijos y algunos policías asistieron a la ceremonia.

Nadie podía imaginar que tan sólo dos días después de que los sepultureros desocuparan la escuálida caja de madera para devolverla al depósito de Old Montague -en patética muestra de la pobreza de recursos que imperaba en el East End- en ese mismo ataúd iría a reposar el cadáver de la nueva presa cobrada por el escurridizo asesino de Polly.

Polly Nichols en la morgue

Por tanto, como digo, el segundo homicidio incuestionable de esta orgía de sangre tuvo lugar tan solo dos días después del citado entierro, es decir, el sábado 8 de septiembre de 1888, en cuya madrugada (a eso de las 5 y 55) fue hallado el cadáver de Annie Chapman de 47 años, a quien apodaban “Annie la Morena”. El mozo de mercado John Davis fue quien hizo el macabro descubrimiento del cuerpo de Annie frente al patio trasero de una casa de inquilinos ubicada en el número 29 de Hanbury Street, lugar utilizado con frecuencia por las meretrices para ejercer su oficio. La víctima era de baja estatura, obesa, y sufría las consecuencias de una afección pulmonar tan avanzada que el médico que examinó su cuerpo dejaría constancia de que la desdichada estaba destinada a fallecer en los próximos meses a consecuencia de ese mal por más que no hubiera entrado en escena su brutal ejecutor.
La mujer, que tenía la falda a la altura de los muslos, no solo estaba brutalmente degollada (el corte era tan profundo que casi la habían decapitado) sinó que también había sido destripada (tenía los intestinos arremolinados por encima del hombro izquierdo). Además le faltaba el útero y parte del abdomen.

Lugar donde apareció el cuerpo de Chapman

Annie Chapman: la segunda víctima "oficial"

Inexplicablemente, cuanto más crecía la alarma social en el barrio (alarma que lógicamente incrementaba tanto la presencia policial como el recelo vecinal), el atrevimiento de Jack (o quizá su locura), en lugar de menguar, parecía ir en aumento. Así, unas tres semanas después, se produjeron los homicidios números tres y cuatro de la serie (Elizabeth Stride y Catherine Eddowes). La particularidad de los mismos, es que ambos tuvieron lugar durante LA MISMA madrugada del 30 de septiembre, y ambos estuvieron separados entre sí por un lapso temporal de menos de una hora (¡¡¡menos de una hora!!!, ¿no es realmente asombroso?). Se sabe además que la distancia entre ambos puntos podía recorrerse a pie en unos 15 minutos (lo extraño sería NO llamar la atención de ningún testigo yendo de un un punto a otro presumiblemente bastante manchado de sangre).

Otra fotografía del Whitechapel de la época

A las 24:35 de la citada noche, el agente William Smith de la división H vió a Elizabeth Stride en la calle. La acompañaba un hombre "de aspecto juvenil y repetable", que portaba bajo el brazo un paquete de unos 40 centímetros de largo por 20 de ancho. El agente no le dio mayor importancia a este encuentro y continuó su ronda. Solo 25 minutos más tarde, Louis Diemschutz empujaba, ayudado de un pony, su carro de venta ambulante hacia la sede del Club Educativo de la Internacional Obrera, situado en un oscuro pasaje en un costado de Berner Street (hoy Henriques St), un poco más al sur de las primeras víctimas, pero también en Whitechapel. De pronto, el caballo relinchó asustado y dio un giro tan brusco hacia la izquierda que casi le arrojó al suelo. Había un extraño bulto en el suelo, que Diemschutz confundió inicialmente con una bolsa de basura. Lo tocó con su látigo, y tras ver que no se movía se dio cuenta de que se trataba de un cuerpo inerte, el cuerpo de Elizabeth Stride. La difunta sostenía un racimo de uvas en una mano (y en Londres, por aquella época, solo comían uvas personas con un gran poder adquisitivo, lo que dio lugar a la teoría de que Jack podría ser en realidad alguien de clase alta).

Así plasmaron los diarios de la época el hallazgo del cuerpo de Stride

El hombre, asustado, corrió al referido club político para pedir ayuda. Parece ser que en dicho club terminaba un acto en el mismo momento de cometerse el asesinato, y se cree que los alegres cánticos socialistas pudieron contribuir a amortiguar cualquier posible grito de la víctima. Cuando Diemschutz encontró el cadáver éste todavía sangraba, por lo que se cree que su asesino aún debía estar cerca. El cuerpo "solo" presentaba cortes en la garganta y no mutilaciones por todo el cuerpo como las otras, aunque esta aparente ausencia de ensañamiento muy probablemente pudo ser por la llegada de Diemschutz, que presumiblemente hizo huir al asesino, quien no habría tenido tiempo suficiente para satisfacer su sed mutiladora. De hecho, los primeros botones de la camisa de Stride estaban desabrochados, pero se cree que cuando Jack se disponía a destriparla debió oir los pasos del caballo y huyó. Se presupone que entonces, realmente enfurecido por la interrupción, el asesino salió prestamente en busca de una nueva víctima con la cual saciar su frenesí mutilador, sin reparar en los crecientes riesgos de ser atrapado. Tanto es así, que una vecina declaró haber observado a un hombre joven caminar a paso ligero hacia Commercial Road, cuando el gentío comenzó a salir del local. También dijo que en una de sus manos llevaba una brillante cartera, semejante al maletín de un médico.

Elizabeth Stride en la morgue

Así, tras su primer ataque, el psicópata se toparía con Catherine Eddowes, de 43 años, eliminándola con más saña aún que la empleada en las situaciones anteriores. La segunda protagonista del doble evento, Eddowes, había sido encerrada la tarde anterior en la comisaría de Bishopsgate, por encontrarse bebida en la calle, y fue puesta en libertad sobre la 01:00 del día 30. Los últimos testigos que la vieron con vida la sitúan entre la citada comisaría y Mitre Square, lugar donde fue vista por un agente en compañía de un caballero... ¡¡¡solo 10 minutos antes de aparecer muy cerca de allí brutalmente mutilada!!!. El cuerpo lo encontró el agente Edward Watkins durante el transcurso de una de sus rondas rutinarias (había pasado por allí un cuarto de hora antes sin ver nada anormal). El cadáver presentaba cortes perfectos, de los que presumiblemente sólo un cirujano sería capaz de realizar, pero... ¿¿¿¿en menos de 10 minutos????.
También aquí el inicial acto homicida consistió en el clásico corte profundo inferido de izquierda a derecha de la garganta, que le llegó hasta la tráquea. También sufrió mutilación en nariz y orejas, así como unos extraños cortes en forma de V en ambas mejillas. Además le faltaba el útero y el riñón izquierdo, la parte superior de los muslos se encontraba abierta, con desgarro de tejidos y cartílagos. La vagina rajada y unos 60 centímetros de su colon colocados entre su brazo derecho y su cuerpo.

Catherine Eddowes en la morgue

Apenas hora y media después del macabro hallazgo, a eso de las 2 y 55 de la madrugada, el agente Alfred Long hacía su ronda habitual por Goulston Street, en pleno barrio judío (y a escasas manzanas del fatal escenario). Allí localizó sobre la acera, a la entrada de un portal (que daba acceso a los números 100-119 de la calle), un ensangrentado trozo de delantal de la difunta. Se cree que en su huída, el asesino lo utilizó para limpiarse las manos. En la jamba de entrada del referido portal se leía una inscripción trazada con tiza cuyo texto contenía una extraña alusión a que los judíos serían los hombres a los que no se culparía de nada. Nunca se supo si el críptico mensaje fue obra de Jack, o si sencillamente ya estaba escrito con anterioridad. Lo que sí se sabe es que el comisario Charles Warren ordenó borrar la pintada inmediatamente (presuntamente para no dar pie a reacciones racistas desde ciertos sectores de la población). ¿El inconveniente de esta apresurada decisión?, que el mensaje fue borrado de la pared antes de que pudiese ser siquiera fotografiado, una destrucción de pruebas totalmente impensable en la actualidad cuando se investiga un homicidio, de ahí que hoy sea tan criticado el controvertido proceder del comisario.

Tras aquel fatídico 30 de septiembre la prensa arreció concediendo gran difusión al tema de los asesinatos, el cual pasó a ser primera plana en la mayoría de los casi doscientos periódicos que se publicaban en el país. Por si algo le faltaba a la trama ahora había adquirido estado público el mote del hasta entonces anónimo matador. No cabe dudar que de no haber sido por el inspirado nombre con que ese asesino se bautizó a sí mismo –o fue bautizado por otros- sus crímenes, pese a lo espantosos que fueron, habrían quedado relegados al olvido.

Numerosa correspondencia macabra (remitida presuntamente por el asesino) inundó las redacciones de los principales periódicos londinenses. De la firma de alguna de esas cartas surgió el mítico apodo que catapultó a la fama mundial a tan misterioso personaje

A su vez, parecía estarse operando un intervalo. No se sumaban nuevos asesinatos. El culpable parecía replegarse y descansar. Ningún homicidio con su sello se verificó durante el mes de octubre de 1888 en Whitechapel y tampoco en el resto de Inglaterra. Eso sí, las cartas del supuesto asesino (o más bien de sus múltiples imitadores) seguían llegando por docenas tanto a las redacciones de los principales periódicos (que supieron explotar a fondo el filón) como a las comisarias de policía. Pero el envío más célebre de los recibidos el citado mes fue una pequeña y misteriosa caja de cartón con una tétrica carta adjunta. El destinatario fue George Lusk, el jefe de la Comisión de Vigilancia del East End (una recién creada patrulla vecinal de vigilancia), que recibió el envío el día 16 de octubre. En la caja había medio riñón. Por su parte, la carta decía textualmente:

Desde el infierno (From hell en inglés)

Señor Lusk:

Le envío la mitad del riñón que le extraje a la mujer, pedazo que le he reservado a usted, en tanto yo freí y me comí el otro pedazo. Estaba muy bueno. Podré enviarle el cuchillo ensangrentado con que se lo saqué, si espera un poco más. Cójame cuando pueda, señor Lusk.

La llamada "From Hell" fue la carta más famosa del Destripador y posiblemente una de las tres que fueron escritas realmente por él (aunque es algo que no se sabe con plena certeza).

A partir de aquí, el despliegue policial ya no conoció precedentes. Se requisaron las casas, tabernas y pensiones del distrito. Los miembros civiles del citado Comité de Vigilancia (destinatarios de la carta anterior) cooperaban patrullando día y noche por las calles más peligrosas. Los afiches con el texto y la letra de las cartas que presuntamente Jack había enviado se reproducían en las comisarías y en distintos lugares de la vía pública, a fin de ver si algún ciudadano reconocía la caligrafía y aportaba alguna pista que condujese hasta el monstruo. Hasta se había llegado a recurrir al uso de perros sabuesos. Se volvía evidente que la cacería se hallaba en pleno apogeo. ¿Presintiendo su aprehensión, se habría acobardado Jack el Destripador? ¿Cambiaría al menos de escenario buscando uno menos arriesgado donde proseguir sus ataques? Pronto la población saldría de dudas.
Así fue que en los primeros días de noviembre de aquel año toda Gran Bretaña se vería estremecida al enterarse que había tenido efecto uno de los asesinatos más horrorosos e indignantes de sus anales criminales. La orgía de sangre desatada por el psicópata llegaría a su paroxismo con el indescriptible crimen de la más joven y atractiva de sus víctimas, Mary Jane Kelly, una irlandesa pelirroja de 25 años, apodada "Mary la Negra", a la cual literalmente descuartizaría dentro del estrecho interior de una miserable habitación sita en la planta baja del número 13 de Miller´s Court (un pequeño patio interior al que se accedía a través de un estrecho pasaje entre los números 26 y 27 de Dorset Street) durante la madrugada del 9 de noviembre del trágico otoño de 1888.

La habitación de Kelly en Miller´s Court (hoy ha sido demolida)

A la mañana siguiente de la fatídica fecha, y coincidiendo con la fiesta del Lord Mayor, John Mc Carthy, el casero de Kelly, envió a su asistente, Thomas Bowyer, para cobrar el alquiler a la muchacha (Kelly debía varias semanas de renta atrasadas). Bowyer caminó apresuradamente bajo la lluvia. Llegó ante su puerta y llamó, pero la joven no contestaba. Entonces, miró a través de una grieta en una ventana. Lo que descubrió fue un cadáver horriblemente mutilado.
“¡Parecía más la obra de un demonio que de un hombre!”, exclamó Mr. John Mc Carthy, casero de la infortunada inquilina, al deponer en el sumario subsiguiente, dejando constancia de la terrible impresión que le produjo el hallazgo que estremeció incluso a los más endurecidos policías que concurrieron a la tétrica habitación. La verdad es que no era para menos: la antes bella Mary Kelly se encontraba totalmente despedazada sobre el mugriento y ensangrentado colchón. Las sábanas habían sido retiradas y amontonadas a los pies de la cama, formando una mezcla de tela envuelta en sangre y suciedad.

Mary Kelly yacía tumbada, con las piernas flexionadas hacia los lados. Su cuello presentaba un corte brutal de oreja a oreja que bajaba hacia la espina dorsal. El asesino le cortó las orejas y la nariz y le clavó repetidamente el cuchillo por todo el rostro hasta dejarla totalmente irreconocible. Muchos de aquellos cortes dejaban ver los huesos del cráneo. Los ojos abiertos, de par en par, miraban al vacío.

La sangre salió de su cuerpo empapando la colcha y formando un tremendo charco en el suelo. La cavidad abdominal de la mujer se presentaba literalmente vacía. El Destripador había hecho honor a su macabro apodo y había abierto el cuerpo en canal extrayendo todos los órganos, incluído el corazón (que nunca apareció). El útero y los órganos genitales estaban plenamente machacados y triturados. Junto al lado de la cama se encontraron el hígado y los dos pechos seccionados. La pierna derecha estaba parcialmente despellejada, dejando claramente a la vista el fémur. La pared junto a la cama se encontraba ensangrentada, probablemente salpicada por las manchas que el cuchillo arrojaría durante el apuñalamiento repetitivo del cuerpo. Sobre la tosca mesilla de noche el inspector Abberline distinguió los intestinos, los riñones y otros restos de carne.

Curiosamente, la coleta de la mujer se mantenía intacta, sin despeinarse, lo que indica ausencia de lucha previa.

En la chimenea se encontró ropa quemada de la difunta, lo que hizo suponer a Abberline que el asesino había permanecido avivando el fuego para tener luz con la que practicar sus mutilaciones. Se aseguró de que el fuego no decayera, tanto, que el pitorro de una tetera se deshizo por las altas temperaturas alcanzadas. Jack se había tomado su tiempo, seguramente por considerarse a salvo de miradas indiscretas, ya que esta vez todo ocurrió entre cuatro paredes y no en un espacio público. Algo que llama la atención del caso es que un fuego de tal magnitud no levantase el menor recelo entre el resto de inquilinos del patio. Otro dato a tener en cuenta es que la única ropa de Kelly que se salvó de la quema es la que llevaba puesta aquella noche, que se encontró perfectamente doblada junto a la cama. Claro indicio de que la chica se había desnudado voluntariamente.

Lo más valioso de la fotografía de Mary Jane Kelly asesinada, es que se trata de la única imagen existente de una víctima de Jack tomada en el mismo lugar de los hechos tal y como fue encontrada (especialmente duros son el estado de su rostro completamente desfigurado y el fémur totalmente al aire en su pierna derecha).

A partir de este punto, el rastro de Jack se esfumó para siempre. Tanto la policía de la época, como los investigadores posteriores, nunca pudieron desvelar la identidad del homicida ni su paradero. Muchos fueron los detenidos en esos momentos, pero todos debieron ser liberados ante la total falta de evidencias que los vinculara con los crímenes.

Posteriormente, muchas fueron las hipótesis que se manejaron, barajándose varios nombres, aunque ninguno con pruebas suficientes que los vincularan con los horribles asesinatos. Se creyó que se trataba de un médico o un carnicero, debido a la precisión de los cortes (podría tener cierta lógica). También hubo quien dijo que podría haber sido un barbero, un pintor, un sacerdote, un policía o una comadrona (y que conste que cada una de estas rebuscadas teorías no son lanzadas sin más, sinó que son defendidas con otras tantas argumentaciones en las que mejor ahora no me extenderé). Algunos, inclusive, llegaron a especular con que se trató de alguien estrechamente vinculado a la familia real (y lo cierto es que exíste una elaboradísima teoría que avala dicha versión, y el caso es que si uno la analiza detenidamente da MUCHO que pensar...). Sin embargo, ninguna de las versiones cuenta con las pruebas necesarias para determinar la verdadera identidad de quien, en su momento, fue la pesadilla de la policía de Londres, el terror de las prostitutas y una gran fuente de noticias para los periódicos de todo el mundo. Alguien que de repente llegó de la nada, hizo algo tan atroz como audaz, e igualmente de repente se esfumó en la nada sin dejar el menor rastro tras de sí.

Los periódicos de la época se hicieron eco de la incapacidad de la policía para dar con el psicópata

También es interesante repasar la lista de sospechosos "oficiales", que son unos cuantos: el abogado Montague John Druitt, el comerciante James Maybrick, el pintor Walter Sickert, el doctor Sir William Gull, el barbero Aarón Kominski, el actor de teatro Richard Mansfield y algún otro (exísten elaboradas teorías para incriminar a cada uno de los mencionados, y cuando las analizas algunas dan bastante que pensar, aunque desgraciadamente en las mismas tampoco exísten pruebas irrefutables que demuestren fehacientemente que alguno fuese nuestro hombre).

Aquí véis las fotografías de algunos de los principales sospechosos "históricos" de ser Jack el Destripador, incluyendo en primer término el famoso retrato robot que hizo la policía actual basándose en las diversas descripciones de la época de gente que creyó haber visto al asesino. ¿Está entre estos rostros el suyo?.

En mi caso particular, os diré que he recorrido en dos ocasiones Whitechapel, incluyendo varios de los puntos de los célebres asesinatos. Una vez lo hice de día, y otra de noche. Sigue siendo bastante impresionante (y aún es un barrio relativamente marginal, pero menos que entonces). Además, lógicamente la ciudad ha cambiado bastante en el siglo y pico transcurrido desde aquellos siniestros días. Algunos lugares aún se parecen bastante, otros un poquillo, y otros han sido totalmente demolidos y reconstruidos. Uno de los puntos más interesantes (en el que incluso paré a tomar una jarra de cerveza) es el mítico pub Ten Bells (sito en Commercial Street, a un tiro de piedra de donde en su día estuvo la habitación de Mary Jane Kelly).
El Ten Bells fue fundado en 1755, y hay gente que afirma que su decoración se mantiene prácticamente intacta desde los tiempos de Jack. El pub ha tenido muchas conexiones con el Destripador (tanto es así, que durante un tiempo llegó a llamarse Jack The Ripper, hasta que un nuevo dueño le devolvió su nombre original). Ubicado practicamente en el epicentro de las zonas en las que operó el asesino, todas sus víctimas habían bebido y trabajado tanto en el interior como en el exterior del mismo. Annie Chapman (asesinada en Hanbury Street) estaba trabajando como prostituta en ese bar la noche de su asesinato. Es probable que hubiese conocido al Destripador en el propio pub, el cual habría abandonado con él más tarde esa misma noche. También se dice que Mary Jane Kelly solía ofrecer sus servicios paseando por sus inmediaciones. Es raro el libro, cómic o película sobre el tema que no lo muestra en algún momento (o al menos lo menciona). Una de las cosas que más me inquietó cuando estuve en su interior fueron las estrechas escaleras de madera (de esa que cruje al pisarla), que te conducen abajo, donde están los servícios. Mientras las bajas, puedes observar en la pared (iluminada por una débil luz) reproducciones enmarcadas de diferentes portadas de periódicos de la época, que con tétricos dibujos y siniestros titulares narran los distintos asesinatos que acabamos de repasar.

Cuando crucé entre las columnas doradas que flanquean la puerta del míticoTen Bells no pude evitar pensar que muy probablemente Jack el Destripador también pasó entre ellas mucho tiempo antes que yo. Eso me produjo un pequeño escalofrío.

Las escaleras que bajan al lavabo subterráneo también son de lo más inquietante...

Y ya sin más dilación, paso a comentaros algunas de las obras de la cultura popular que se nutren de la fatídica historia de Jack el Destripador, por si tras leer éste artículo os pica la curiosidad y queréis profundir un poco más en el tema.

Huelga decir que exísten infinidad de libros que abordan la temática. Por razones obvias solo comentaré aquí los que tengo en mi colección particular, que además son los que he leído hasta la fecha. Veréis que junto a cada reseña he añadido la impresión que me produjo cada uno de ellos:

Retrato de un asesino: Jack El Destripador. Caso Cerrado:

Un libro de 400 páginas, que narra con todo lujo de detalles los pormenores de la investigación real sufragada con una importante porción de la fortuna de su autora, la millonaria y excéntrica escritora Patricia Cornwell, que no quiso reparar en gastos para llevarla a cabo. Sólo puedo decir que cuando finalicé su lectura me sentí tremendamente estafado. Argumentos insostenibles, deducciones descabelladas y conclusiones que dan verguenza ajena. En ciertos momentos uno llega a pensar (al menos a mí me ocurrió), que incluso se manipulan intencionadamente ciertas pruebas para forzar la penosa teoría de Cornwell. Pero el "gran pecado" de esta chapuza monumental para mí radica sin duda en la pretenciosa afirmación final (sólo el título de la obra ya es tremendamente pretencioso), donde la autora, sin cortarse un pelo, afirma haber dado al fin con la identidad del mítico psicópata (por cierto, uno de los sospechosos "clásicos"), afirmación lanzada además de modo tajante para no dejar ni el mínimo resquicio de duda en la mente de los lectores (supongo que había que justificar de algún modo el enorme gasto de la "investigación"). En resúmen, me ha parecido uno de los peores libros sobre el tema. No se lo recomiendo a nadie.

Otoño de Terror (Jack el Destripador):

280 páginas. Un apasionante y minucioso trabajo de investigación a cargo de Tom Cullen, que con cada capítulo nos lleva a un giro inesperado, a un nuevo misterio. La manera trepidante en que son narradas las acciones del asesino impiden que se suelte el libro hasta haberlo terminado. Formidable el capítulo que analiza uno a uno a los sospechosos clásicos. Esta obra sí que os la recomiendo encarecidamente. Os cautivará.

El Diario de Jack el Destripador:

475 páginas. Cada pocos años, la aparición de nuevos documentos, la declasificación de informes oficiales o nuevas investigaciones arrojan nueva luz sobre el caso de Jack el Destripador. Recientemente, apareció un documento, que por su relevancia ha conmocionado a todos los investigadores interesados en el tema.

El documento en cuestión no es más (ni menos), que un diario supuestamente escrito del puño y letra de Jack el Destripador, donde da testimonio de los crímenes cometidos, sus sentimientos y sus motivaciones a la hora de cometerlos.

Este diario ha sido cuestionado por parte de los estudiosos en el tema, y su publicación ha estado envuelta en la polémica. La aparición de este diario es también misteriosa: Mike Barret, de Liverpool, lo mostró a una editorial londinense en 1992. Él a su vez lo obtuvo de su amigo, Tony Deveraux, el cual murió poco después, sin revelarle cual era el origen del diario. Pese a la antiguedad del papel sobre el que fue escrito, y de la tinta empleada para hacerlo, la mayoría de los investigadores creen que es un fraude. A mí también me lo parece, por lo que no os lo recomiendo.

La Maldición de Whitechapel:

304 páginas. De Janire Rámila. Un relato fiel de los hechos originales, donde la niebla, el traqueteo de los carruajes y el humo de las miles de tabernas que poblaban Whitechapel se convierten en actores secundarios de la historia.
Gracias a este libro el lector llega a comprender en qué falló la actuación policial, por qué y cómo mataba realmente el Destripador a sus víctimas, cómo se hubiera desarrollado actualmente esta investigación con las modernas técnicas forenses y quién pudo esconderse realmente bajo la capa y chistera del primer asesino en serie moderno. Una lectura apasionante que sin duda os recomiendo con los ojos cerrados.

Jack el Destripador. Cartas desde el infierno:

382 páginas. Los autores Stewart P. Evans y Keith Skinner han sido los primeros en haber leído y examinado TODA la correspondencia que se conserva de los asesinatos de Whitechapel, y en este valioso libro se reproducen y transcriben todas las cartas del más famoso asesino de todos los tiempos, se comparan sus caligrafías, además de mostrarse infinidad de fotos de las mismas. Una obra muy interesante que también os recomiendo.

Exísten también algunos cómics sobre el caso, en general bastante interesantes. Yo tengo los siguientes:

From Hell:

Una mastodóntica obra de más de 500 páginas realizada a lo largo de 10 años (1988-98) y que ya está considerada la obra más importante de Alan Moore (a la sazón uno de los guionistas más importantes de la historia mundial del cómic) junto con Watchmen; incluso hay algunos que la consideran su obra más ambiciosa, incluso por encima del citado Watchmen. Con dibujos (en B/N) de Eddie Campbell. ¿Qué más puedo deciros?. Si te va el tema del Destripador y no has leido esta obra es que te falta un tornillo. Excelentemente documentada y precisa, abanderando una de las teorías más inquietantes que exísten al respecto, es un trabajo totalmente Im-pres-cin-di-ble.

Asesinatos Victorianos:

230 páginas. Otro cómic bastante interesante, esta vez a cargo de Rick Geary. El tomo contiene tres historias más o menos contemporáneas entre sí. La primera de las cuales (como no), se titula Jack el Destripador. Las otras dos, son El misterio de Mary Rogers y El asesinato de Abraham Lincoln. Una obra muy cuidadosa en general con los detalles históricos, y con un estilo de dibujo (también en B/N) que recuerda bastante a los que hacían en los periódicos de la época para describir los asesinatos. No llega al nivel de intensidad de From Hell, pero aún así merece mucho la pena.

Las mil caras de Jack el Destripador:

82 páginas. De factura española, con este álbum se inauguraba en 1986 la colección Joyas de Creepy, tras haberse publicado previamente en nueve entregas (a lo largo de 1984) en la edición española de Creepy. En sus páginas (como los anteriores en B/N), Antonio Segura y José Ortiz fantasean con una hipotética continuidad de los asesinatos (más allá de donde se detuvieran en la vida real), mostrando al lector que quizá al amigo Jack podría haberle salido algún que otro imitador. Una obra ciertamente entretenida, pero sin el menor rigor histórico. En modo alguno me parece un mal cómic, pero tampoco se hace imprescindible.

Y ya para finalizar éste somero repaso a las incursiones del Destripador en la cultura popular, quiero comentaros las películas que tengo acerca del caso.

Sherlock Holmes. Asesinato por Decreto:

Dirigida por Bob Clark, y protagonizada por Christopher Plummer y James Mason (como Holmes y Watson respectivamente), como su título ya nos indica, se trata de un curioso cruce entre un personaje real, Jack el Destripador, y un personaje literario como es Sherlock Holmes. Ahonda en una de las teorías más célebres para explicar la motivación de los asesinatos (y por que nunca se descubrió al autor de los mismos). Es, por cierto, la misma que nos cuenta Alan Moore en su gran From Hell (aunque este film es anterior al citado cómic). Me gustó bastante. Os la recomiendo.

Desde el Infierno:

Dirigida por los hermanos Hughes, y protagonizada por Johnny Depp en el papel del inspector Abberline, se trata supuestamente de la adaptación oficial del From Hell de Moore (aunque disculpad si me da la risa ante semejante afirmación). El cómic le da MIL VUELTAS a esta película, que si bien cumple su misión de entretener al espectador, no pasa de ahí. Nada que ver con la exquisita adaptación del cómic y su cuidada aproximación a los hechos históricos. Aquí se toman numerosas licencias, como por ejemplo mostrar a Abberline (Depp) como un investigador que se vale de las premoniciones que le produce fumar opio para seguir el rastro del asesino. Os juro que esa patochada no está en el cómic. Eso sí, el Ten Bells sale cantidad. Vedla si queréis pasar un rato entretenido, pero no lo hagáis si lo que buscáis es documentación real.

Jack el Destripador:

He dejado mi favorita para el final. Dirigida y producida por David Wickes, y protagonizada por el gran Michael Caine en el papel del inspector Abberline (el mismo personaje que hace Depp en la anterior, pero mucho más realista y creíble aquí), en realidad no es una película al uso, sinó que fue una miniserie de dos capítulos hecha directamente para televisión (aunque yo la tengo recopilada en un solo Dvd y montada como un filme tradicional). Es tan sumamente rigurosa y detallista en los datos que aporta, que en ciertos momentos casi te parece estar viendo lo que sucedió de verdad, y tal y como debió suceder. De hecho casi parece un documental interpretado por actores. La producción la estrenó la BBC en 1988, justo cuando se cumplió un siglo de los acontecimientos. ¿Si os la recomiendo?. Mirad: si consigo que leáis el cómic de Moore, y que veáis esta "peli", habré cumplido con creces el objetivo que tenía cuando decidí escribir éste artículo.

SUPERVILLANOS RIDÍCULOS: MODOK

2012-01-13T03:01:00.006+01:00

Hoy os traigo a otro de esos seres inclasificables que pululan por las páginas de ciertos cómics. Con todos vosotros... ¡Modok! (un tipo que tendrá muchos defectos, pero del que no puede negarse que siempre toma sus decisiones con MUCHA CABEZA).

Apareció por primera vez en Tales of Suspense # 93 (septiembre de 1967) y fue creado por los (casi) siempre geniales Stan Lee y Jack Kirby.

¿La historia?. George Tarleton fue sometido a horribles experimentos, mutando su cuerpo en una enorme cabeza poseedora de inteligencia sobrehumana y extraordinarios poderes psíquicos, pero en el proceso se volvió loco (aquí debo decir a su favor que viendo el resultado final no es para menos).

Su nombre clave era M.O.D.O.C. o Mobile Organism Designed Only for Computing (Organismo Mobil Diseñado Solo para Computar). El caso es que en un arranque de ira y demencia, Tarleton ataca y mata a sus superiores, autonombrándose el Científico Supremo y cambia su nombre a MODOK, con la K de asesino en ingles. Pronto se convierte en un encarnizado enemigo de Iron Man y Los Vengadores.

Todo muy tétrico y tal, pero si lo analizas friamente dejándote llevar exclusivamente por su aspecto, hay que reconocer que no deja de ser una malencarada cabeza gigante de la que brotan unas ridículas patitas metida con calzador en una grotesca sillita voladora. ¿O no?.

CINE MÍTICO: EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

2012-01-09T11:40:00.012+01:00

Hoy inauguramos un nuevo apartado en el blog: Cine Mítico (que nace a modo de necesario complemento de esa otra sección que llamamos Series Míticas), y creo que la mayoría estaréis de acuerdo conmigo en que posiblemente no hay mejor modo de hacerlo que repasando esa trilogía de culto, máximo exponente del género de Espada y Brujería, llamada El Señor de los Anillos (trilogía formada por La Comunidad del Anillo, Las Dos Torres, y El Retorno del Rey).

Los Anillos de Poder fueron forjados en antiguos tiempos por los herreros Elfos, y Sauron, el Señor Oscuro, forjó el Anillo Único. Al cabo de muchos años fue a caer casualmente en manos del hobbit Bilbo Bolsón. Desde la Torre Oscura de Mordor, el poder de Sauron se extendió alrededor. Llegó a reunir todos los Grandes Anillos, pero continuaba buscando el Anillo Único que completaría el dominio de Mordor. Bilbo desapareció durante la celebración de su centesimodecimoprimer cumpleaños, y dejó a Frodo a cargo del Anillo, y con una peligrosa misión por delante: atravesar la Tierra Media, internarse en las sombras del País Oscuro y destruir el Anillo arrojándolo en las Grietas del Monte del Destino. El Señor de los Anillos cuenta la gran misión, emprendida por Frodo y sus amigos: Gandalf el Mago, Merry, Pippin y Sam, Gimli el Enano, Legolas el Elfo, y un hombre extraño y misterioso llamado Aragorn.

La asombrosa trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos sigue siendo considerada a día de hoy como uno de los proyectos más ambiciosos acometidos jamás en la historia del 7º arte. Con una recaudación global de más de 2.900 millones de dólares, el proyecto completo llevó ocho años con la filmación simultánea de las tres películas, que fueron rodadas íntegramente en Nueva Zelanda, la tierra natal de Peter Jackson, productor y director de las mismas.

La producción gozó de un gran éxito de taquilla, llegando las tres películas a los puestos 25º, 17º y 5º de las más taquilleras de la historia. Además, también fueron altamente aclamadas por la crítica, llegando a ganar 17 premios Oscar en total (ahí es nada), así como amplias alabanzas para el reparto y a las espectaculares innovaciones en lo referente a efectos especiales digitales.

El Anillo Único

Se trata de una saga que destaca por su épica y espectacularidad de principio a fin. Otra virtud que hay que reconocerle, es que (pese a ciertas licencias que se toma respecto a los libros en los que se basa, generalmente necesarias para condensar el grueso de la trama) desde el primer minuto de su visionado hace creíble el fantástico universo imaginado por Tolkien, algo que a priori no parece precisamente fácil de lograr.

Así pues, tanto la caracterización de escenarios (aldeas, fortalezas, cuevas y pasadizos...) como la de personajes (seres mitológicos de diferentes razas, sus especiales características físicas, vestuario, armamento...) están cuidadosamente planificados, logrando un sorprendente resultado final.

Las caracterizaciones fueron especialmente cuidadas a la hora de adaptar la obra de Tolkien

Otra de las grandiosas proezas de la adaptación de El Señor de los Anillos es su increíble versión de Gollum. El personaje fue creado mediante una acertada combinación de técnicas de animación por ordenador y una tecnología de captura de movimiento que utilizó la denominada "dinámica de fluidos". Peter Jackson quería evitar que tuviese aspecto de haber sido generado por ordenador, de ahí el meticuloso trabajo para lograr un movimiento realista de sus articulaciones basado en músculos y huesos de verdad que pueden intuirse bajo su piel translúcida que aún conserva cierto aspecto encarnado. Los artistas informáticos acabaron estudiando libros de anatomía para lograr dar la mayor credibilidad a los movimientos de Gollum.

Weta Digital (la empresa neozelandesa que se encargó de los efectos especiales) desarrolló una gran cantidad de material para crear a Gollum", señala Peter Jackson. "Tuvieron que crear nuevos códigos de modelado, para la piel, para los músculos... Es increíblemente real y hemos sido capaces de darle un gran abanico de expresiones, desde la maldad propia de Gollum hasta la simpatía de Sméagol".

Es indudable que la creación de Gollum supuso un antes y un después en la historia de los efectos digitales

El actor Andy Serkis ha contribuido a darle a Gollum un variado registro de voces que van desde la melancolía hasta la amenaza. Según Barrie M. Osborne, "es fundamental que Gollum sea un personaje real. Aunque siempre que aparezca lo hará como un personaje animado, necesitamos que muestre la gran variedad de emociones que tendría alguien torturado por el poder del Anillo. Andy Serkis logra esa variedad, es un actor impresionante, tanto por su capacidad vocal como por su habilidad para interpretar los gestos de Gollum ya fuese en escena o en el estudio de captura de movimientos". Los técnicos digitales han trabajado mano a mano con Serkis para reproducir todos los movimientos de la huesuda y solitaria criatura.

Si a todo lo expuesto le añadimos un reparto de lujo (Ian McKellen, Christopher Lee, Elijah Wood, Sean Astin, Viggo Mortensen, Orlando Bloom, Liv Tyler, etc) que como no podía ser de otro modo nos deleitan con unas interpretaciones de lujo, y lo aderezamos con una banda sonora inolvidable, no cabe duda de que los 683 minutos que dura la trilogía (en su versión extendida) se nos quedan cortos. Menos mal que el próximo 14 de diciembre se estrena (a modo de pseudo-precuela) El Hobbit: Un viaje inesperado.

¡¡¡Ánimo, que ya falta menos!!!

RESULTADO DEL Iº CONCURSO DE NAVIDAD

2012-01-06T21:00:00.030+01:00

Damas y Caballeros, Ladies and Gentlemen, hoy nos vestimos de gala para asistir a la espectacular ceremonia de entrega de premios de la Primera Edición del Concurso de Navidad The Mystic Bubble, en la que (como no podía ser de otro modo), conoceremos a su afortunado ganador.

Honestamente, no puede decirse que la participación fuese precisamente masiva (aunque a decir verdad eso ya era un factor de lo más previsible, por lo que no es algo que me coja por sorpresa). El caso es que finalmente habéis sido solo cinco los participantes (¿tal vez lo puse demasiado difícil?).

En mi defensa he de alegar que en general todos lo hicísteis muy bien, y por lo que he visto vuestros fallos son generalmente producto de no fijarse detenidamente en los enunciados. Os diré que se nota una cierta prisa por responder, y en algunos casos se hace un tanto "a la ligera", sin pararse mucho a sopesar si eso que respondimos era exactamente lo que nos preguntaban. En cualquier caso, insisto: en general os lo habéis currado bastante, así que podéis daros por satisfechos.

Bueno, como no quiero prolongarlo más, a continuación paso a recordaros cuales eran las bases, así como a presentaros la plantilla de respuestas correctas y el método empleado para puntuar.

Las bases:

Como ya dije en su momento, el objetivo radicaba en tratar de contestar correctamente a 25 preguntas de un peculiar cuestionario friki, la mayoría de las cuales tal vez podían parecer a priori más bien difíciles de responder. Y si decía a priori, era porque todas las respuestas estaban diseminadas entre las entradas del centenar que ya suma el blog. Repito: TODAS las soluciones estaban y están aquí (solo era cuestión de saber buscar, ser perseverante y no rendirse a la primera de cambio).

Las respuestas debían ser recibidas EXCLUSIVAMENTE por correo electrónico en mi dirección de e-mail: Jonathanstriker65@gmail.com , indicando en el título Concurso The Mystic Bubble. (Recordad, también que solo serían admitidas las respuestas de aquellos concursantes inscritos en miembros seguidores del blog (con perfil público).

MUY IMPORTANTE: recordar que era IMPRESCINDIBLE escribir en el mail vuestras señas personales (nombre y apellidos, dirección completa y teléfono, así como el nick con el que firmáis en seguidores), para que pueda enviaros el premio a casa en caso de resultar ganadores. Huelga decir que vuetras señas completas NO SERÁN NUNCA PUBLICADAS (o usadas para otros fines). Únicamente se hará pública una información tal que así: Ganador/a: Fulanito De tal (y entre paréntesis pueblo o ciudad) + relación de respuestas acertadas.
(Solo se admitirá un concursante por cada dirección).

¿Quién sería el ganador?. Pues obviamente aquel que fuese capaz de contestar sin un solo fallo a la totalidad de las preguntas planteadas. En caso de que nadie respondiese bien a todas, ganaría (lógicamente) quien tuviese un mayor número de aciertos. En caso de empate entre dos o más concursantes primaría aquel que hubiese sido más correcto contestando. Ejemplo: imaginémos que una respuesta fuera Tom DeFalco. Pues si un concursante escribió DeFalco y otro Defalco o De Falco gana claramente el primero. ¿Me explico?. Si aún teniendo en cuenta esta norma continuase habiendo empate entre dos o más jugadores, el ganador sería el que hubiera enviado ANTES sus respuestas.

Plantilla de respuestas correctas:

1). Todos sabemos que, recientemente, Lamie Bell ha sido el actor encargado de interpretar a Tintín utilizando la técnica de captura del movimiento. Pero esta no fue la primera película en la que un actor de carne y hueso se mete en la piel del célebre reportero belga (ya que antes hubo otro). Aquel primer actor fue descubierto por el propio Hergé a princípios de los años 60. ¿Podrías decir en que ciudad sucedió esto?. Ostende

2). Woody Harrelson protagonizó una delirante comedia en la que interpretaba a un hombre común que creía ser un superhéroe. ¿Sabes cual era el nombre (en castellano) de su principal archienemigo?. El Capitán Industria

3). Se dice que Santo, el Enmascarado de Plata, jamás perdió su mítica máscara en combate. Sin embargo, hubo un programa de TV en el que a princípios de los años 80 mostró una pequeña parte de su rostro. ¿Como se llamaba éste programa?. Contrapunto

4). Contrariamente a lo que a menudo suele pensarse, Superman Vs. Spider-Man no fue el primer cómic elaborado conjuntamente por Marvel y DC. Indicar el título (en castellano) de la primera colaboración real entre ambas editoriales. El Mago de Oz

5). En 1983, el guionista David Michelinie escribió un par de delirantes historias para Las nuevas aventuras de Indiana Jones en las que hacía que el famoso arqueólogo visitase España. Tras una surrealista y anacrónica aventura, el Doctor Jones y su amiga Marion Ravenwood regresan a Barcelona. ¿Cuál fue el medio de transporte utilizado para tal fin?. Unos burros

6). La primera vez que Batman llegó a las pantallas (interpretado en carne y hueso), no conducía su popular batmóvil. ¿Podrías decir en qué vehículo se desplazaba entonces?. En una limousina

7). En la revista Don Miki se publicaron una serie de aventuras en las que el popular ratón hacía las veces de detective. En dicha serie había siempre dos villanos clásicos. Uno era el socorrido Pete Patapalo, el tonto y bruto, pero... ¿Cuál era el listo y hábil?. Máscara Negra

8). ¿Cuál es el nombre que reciben en Suecia Mortadelo y Filemón?. Flink och Fummel

9). Coincidiendo con el 20º Aniversario de su fallido Nuevo Universo, Marvel lanzó un título anecdótico re-imaginando los conceptos de dicho universo. ¿Quién fue el guionista de aquél número conmemorativo?. Warren Ellis

10). ¿Sabrías decir quién interpretó el 7º tema del Vol. 6 de la colección Oye Mira?. Grupo Regaliz

11). Cómics Fórum publicó la serie de ROM, Caballero del espacio, como un mero suplemento (de muy pocas páginas) de otra conocida colección Marvel. ¿Cuál era el título de dicha colección?. Transformers

12). La serie La fuga de Logan constó oficialmente de 14 episodios, aunque existían guiones para otros cuatro que finalmente nunca fueron producidos. Indicar el título (en castellano), del que hubiera sido el último de estos episodios inéditos. El campo de juego

13). Cuando Bruce Lee murió, había rodado algún material para una película que finalmente tuvo que terminarse utilizando un doble del mítico artista marcial. ¿Cuántos minutos dejó filmados el auténtico Lee?. 11 minutos

14). Citar el primer título de Astérix (en castellano) en el que se considera que la serie comenzó su lento declive argumental. La gran zanja

15). ¿Podrías decir de qué color era la armadura del Doctor Muerte en el álbum Cropán y los héroes fantásticos del gran López Espí?. Dorada

16). ¿Qué nombre recibía el ficticio escritor bajo el que se ocultaba el célebre guionista Víctor Mora cuando escribió algunos relatos para las Joyas Literarias Juveniles de Bruguera?. Vincent Mulberry

17). ¿Cuánto tiempo tardó Igor Kordey en dibujar y entintar el New X-Men nº 120?. 10 días

18). ¿En qué año comenzaron a ponerse cabezas de personajes en los populares dispensadores de caramelos PEZ?. En 1952

19). El último capítulo de Dragones y Mazmorras nunca llegó a dibujarse, a pesar de haberse escrito el guión. ¿Cómo iba a titularse ese capítulo?. Requiem

20). Indicar el nombre del director de cine porno que más versiones "X" de superhéroes ha realizado para la industria del entretenimiento para adultos. Axel Braun

21). A pesar de sus múltiples retoques, los inolvidables Pocket de ases Bruguera fueron considerados un pequeño gran tesoro por muchos aficionados. ¿Sábes quién protagonizó el tomo nº 37 de dicha serie?. Dazzler

22). A menudo se atribuye (erróneamente) la autoría del traje negro de Spider-Man al dibujante Rick Leonardi, pero la realidad es bien distinta. ¿Podrías indicar cuanto pagó Marvel para comprarle el diseño a su auténtico creador?. 220 dólares

23). Memo Aguirre es sin lugar a dudas el compositor e intérprete más famoso de las sintonias de series animadas de nuestra infancia. Pero... ¿en qué grupo juvenil debutó el artista mucho antes de ser conocido?. Los Sacros

24). ¿En qué deportista húngaro se basó el gran Jacinto Molina a la hora de elegir el famoso nombre artístico que le proporcionaría fama mundial?. Imre Nagy

25). En cierta ocasión, Bob Kane declaró que una de las principales referencias en las que se había basado para crear a Batman provenía de cierto personaje de ficción que también utilizaba una máscara negra para combatir la injusticia. A su vez, muchos historiadores sostienen la teoría de que dicho personaje inicial proviene de un mítico bandolero real. ¿Podrías decir el nombre y apellido de éste bandolero?. Joaquín Murrieta

Método empleado para puntuar:

A la hora de puntuar traté de emplear el método más justo y objetivo posible, por lo que que acudí a las matemáticas, que como sabéis son CIENCIAS EXACTAS. Así, cada respuesta correcta valía 4 puntos. Dado que eran 25 preguntas (25 x 4= 100), cada uno de los participantes partíais por tanto con 100 flamantes puntos de entrada (puntos que vuestros propios fallos se encargarían de restar).

Cada respuesta incorrecta o no contestada restaría los referidos 4 puntos al concursante en cuestión. Sin embargo, ojo, si la respuesta fuese esencialmente correcta pero con alguna errata gramatical de cierta consideración (como en el ejemplo de DeFalco que ya se señaló claramente en las bases*), SOLO SE LE RESTARÍA UN ÚNICO PUNTO DE PENALIZACIÓN, para diferenciarlo del hipotético concursante que lo hubiese escrito bien. En cambio, la sustitución de plurales por singulares (o viceversa), la de género en los adjetivos, masculino por femenino (o viceversa), el cambio de números ordinales por cardinales (o viceversa) -siempre que no se tratase de nombres propios- y/o la inclusión u omisión de artículos gramaticales NO PENALIZARÍAN EN NINGÚN CASO, por entenderse como una mera apreciación subjetiva de quien esto escribe.

*Consultadlas más arriba.

Los concursantes, su orden de participación, y como quedó cada uno:

(Se detallan los fallos de cada concursante para que si lo deseáis podáis compararlos con la plantilla de respuestas correctas, como anécdota curiosa, fijáos que hasta ultimísima hora aún podría haber ganado un hipotético jugador -que finalmente nunca llegó-, que hubiese obtenido los 100 puntos máximos).

Nonamed (Madrid), fue el más rápido en contestar. Lo hizo el 13 de diciembre y solo falló una pregunta, la 25ª, donde puso Don Diego de la Vega en lugar de Joaquín Murrieta. Por tanto se le restan 4 puntos, y de 100 queda en 96.

Margarus69 (Ponteareas), fue el segundo más rápido. Contestó el 14 de diciembre y como el anterior también falló una sola pregunta, en este caso la 1ª, donde puso Jean Pierre Talbot en lugar de Ostende. Por tanto también se le restan 4 puntos, y de 100 también pasa a quedarse con 96.

Gregorio Valencia (Badajoz), respondió el tercero. Lo hizo el 14 de diciembre, y tuvo un pleno de 25 aciertos. Eso sí, en la 8ª respuesta puso Fummen en lugar de Fummel, con lo que se le penaliza 1 punto por fallo gramatical. Así, de sus 100 puntos iniciales pasa a quedarse con 99.

Snake Sólido (Zaragoza), respondió el cuarto. Lo hizo el 14 de diciembre y falló dos preguntas, que fueron la 10ª y la 13ª. En la 10ª puso Mujer Araña en lugar de Grupo Regaliz, y en la 13ª puso Juego con la Muerte en lugar de 11 minutos. Por tanto se le restan 8 puntos (4+4), y de 100 pasa a quedarse en 92.

Latro (Zaragoza), fue el quinto (y último) en contestar. Lo hizo el 29 de diciembre, y como el anterior también falló dos preguntas, que fueron la 6ª y la 24ª. En la 6ª puso Un Cadillac negro en lugar de En una limousina, y en la 24ª puso Waldemar Bachanvski en lugar de Imre Nagy. Por tanto también se le restan 8 puntos (4+4), y de 100 también pasa a quedarse en 92.

Por tanto, creo que resulta obvio que el ganador es...¡¡¡Gregorio Valencia (de Badajoz) con 99 puntos!!!

Para allá sale el premio este mismo lunes. Como sabéis, se trata de un lote de cómics que contiene: Coleccionable Marvel Héroes: La Patrulla-X: La saga de Fénix Oscura (Uncanny X-Men 129 al 137 USA) de Panini; Coleccionable Marvel Héroes: Los 4 Fantásticos: Imaginautas (Fantastic Four vol. 3 56, 60 al 66 USA) de Panini y Sin City "Obra Completa" 6 tomos rústica 15x23 (The hard goodbye, That yellow bastard, The big fat kill USA) de Norma.

¡¡¡Enhorabuena compañero, y que lo disfrutes a tope!!!

Muchísimas gracias a todos por participar (y recordad que las próximas Navidades habrá un nuevo concurso, probablemente con un premio aún más suculento).

HISTORIA DE BRUGUERA I: NACE EL GATO NEGRO

2012-01-05T12:10:00.009+01:00

Tal y como os comunicaba en un post anterior, una de las nuevas secciones que nos acompañarán este año es Historia de Bruguera. Sin duda se trata de una historia sumamente apasionante, en la que seremos espectadores de primera fila de como lo que un día fue un minúsculo negocio familiar terminó por convertirse en un auténtico imperio editorial en España, que contaba además con numerosas delegaciones en Hispanoamérica. Así, entre jugosas anécdotas, repasaremos sus títulos más destacados y los inolvidables autores que los hicieron posibles, para terminar explicando las diversas causas que acabaron por herir de muerte al poderoso gigante mediático, y que ocurrió tras su traumática desaparición. Espero que os guste la sección. Ya me contaréis...

En 1910 aún reina en España Alfonso XIII. En ese año (cuando el 60% de la población española era totalmente analfabeta) Juan Bruguera Teixidó, entonces un joven emprendedor y visionario de solo 25 años, funda en Barcelona la pequeña editorial El Gato Negro (fijáos por tanto, que no es en absoluto casual que un animal de ese color sería algún día el célebre logo de Bruguera).

De éste modo, El Gato Negro se especializó en la publicación de libros de cultura general, folletines ilustrados, novela popular, libros de chistes y sobre todo revistas de historietas. Siguiendo el ejemplo de TBO, aparecida sólo cuatro años antes (1917) en la competencia, Bruguera creó en junio de 1921 el semanario Pulgarcito, revista subtitulada "Periódico infantil de cuentos, historietas, aventuras y entretenimientos", cuyo gran éxito hizo prosperar notablemente a la editorial.

Así, El Gato Negro lanzó otros veinte títulos más y también se hizo cargo de Charlot en 1928, incorporando en muchos de ellos cómics ingleses, en especial de Film Fun. Por parte española y tanto en las historietas como en la ilustraciones de los folletines, destacaron autores como Donaz, Arturo Moreno, Niel, Robert, Urda o Vinaixa.

Juan Bruguera fundó El Gato Negro en Barcelona en 1910

Hay que decir que ya desde aquellos primeros años de la editorial, cuando el reparto de revistas aún se hacía en carro de caballos, Juan Bruguera tuvo el gran acierto de darle a su empresa un marcado caracter paternalista, potenciando la implicación directa de sus hijos Pantaleón y Francisco (que entraron a formar parte de la plantilla como simples aprendices), y organizando frecuentes excursiones al campo con sus familiares y trabajadores, para estrechar lazos y mejorar la relación entre todos.

La empresa había prosperado bastante desde su nacimiento, cierto, pero nadie podia imaginar aún en lo que llegaría a convertirse unos cuantos años después...

Próxima entrega: Aires de renovación.

PLANNING PARA UN AÑO QUE COMIENZA

2012-01-01T14:25:00.006+01:00

Pues así a lo tonto, a lo tonto, el 2012 se nos fue arrimando pasito a pasito, tímido y dubitativo al principio, casi de puntillas, como que no iba con él la cosa, y más raudo y decidido después, con su carita de "crisis puede, pero a lo mejor menos" (¡embustero, no se lo cree ni él!), hasta meterse de lleno (y sin permiso) en nuestros hogares, como un hábil okupa disfrazado de calendario de la Carnicería Manolo o la Ferretería Hnos. Bohente (y me da a mí que probablemente lo hace con la secreta intención de quedarse una larga temporada, el muy ladino).

En fin, amigos y amigas... divagaciones existenciales aparte, quiero dejaros a continuación con un pequeño planning que he elaborado para vosotros, el cual no tiene otra intención que presentaros algunas de las directrices básicas que regirán The Mystic Bubble a lo largo de este recién estrenado año.

En primer lugar, quiero deciros que nacerán algunas nuevas secciones fijas (que vendrán a complementar a las ya existentes, caso de Series Míticas y Supervillanos Ridículos).

Las primeras de estas secciones de nuevo cuño que veremos por aquí serán Historia de Bruguera y Cine Mítico. Como digo, posteriormente quizá se sumará alguna más, pero inicialmente arrancarán con fuerza las dos mencionadas.

La primera de ellas, básicamente porque ya hace tiempo que me parecía especialmente necesaria (por no decir directamente imprescindible). Y es que estoy hablando ya no solo de una editorial que marcó a fuego mi infancia, sinó también la de muchos otros incluso antes de que yo naciera. Es cierto que a lo largo de su dilatada trayectoria, la editorial Bruguera tuvo, si me descuido, casi tantos fallos como aciertos (veréis como en los próximos meses seré el primero en sacar a la palestra tanto unos como los otros) pero aún partiendo de tal premisa, creo que hay que reconocer que el Ministerio de Cultura de éste país (así como los de otros muchos con el Español como lengua oficial donde Bruguera también publicó mucho material durante mucho tiempo), tendrían que rendirle un más que merecido homenaje por su tremenda contribución lúdica y cultural a varias generaciones. Quizá estas palabras puedan sonaros un poco grandilocuentes, lo admito, pero es que realmente lo creo así. Tal vez después de leer dicha sección algunos más opinéis como yo...o tal vez no. (Ya veremos).

En cuanto a Cine Mítico... supongo que practicamente ya sobran las explicaciones que justifiquen su aparición, ¿no?. Será la (imprescindible) réplica ideal a la mencionada Series Míticas, una especie de hermana de aquella, solo que como su título indica centrada en películas y sagas inolvidables de todos los tiempos (lógicamente tendrán una preferencia especial aquellas producciones que estén relacionadas con el cómic, la ciencia ficción, el terror, la fantasía, la animación y la serie-B en general).

Por otra parte, las "viejas" secciones sufrirán un pequeño cambio: perderán la numeración en sus títulos (algo que me parece innecesario mantener, sobre todo porque podrían leerse en cualquier otro órden y no pasaría absolutamente nada). Por tanto, de las cuatro secciones resultantes, únicamente la de Historia de Bruguera será numerada en cada post, por ser una narración cronológica. Las otras, en lo sucesivo ya no.

Además de todo esto, comentaros que también he estado sopesando la posibilidad de dar cabida en el blog a cosas vuestras (que puedan ser de interés común, claro). No dudo que hay artistas en la sombra. Por lo tanto, desde éste preciso momento os anuncio que si queréis enviarme vuestras preguntas, sugerencias, dibujos, fanfictions (o séa, relatos y cómics de famosas licencias hechas por fans y para fans), fotos de vuestras colecciones de cómics y merchandising...en fin, ¿qué se yo? (lo que buenamente se os ocurra, solo os pido que tenga una calidad mínima), desde ahora mismo podéis hacerlo. Podéis enviarme cualquier cosa de éste tipo a mi correo: Jonathanstriker65@gmail.com y yo os prometo que tras echarle un vistazo, si me parece publicable lo publicaré, y aquí encontrará su público. ¿Qué os parece la idea?.

Finalizaré éste post recordándoos muy brevemente dos cosillas: una, es que si queréis dejar algún comentario SIGUE SIENDO GRATIS (sí, vale, es un pequeño sarcasmo por mi parte a ver si así incentivo un poco más la (tibia) participación de los lectores, cosa que he de admitir que me resultaría altamente gratificante), y dos, que entramos ya definitivamente en la recta final del concurso que tenemos en marcha. Por tanto, he aquí el último aviso, llamando a filas. Damas y Caballeros: quienes no hayan participado aún en el mismo y deséen hacerlo, han de saber que, o se ponen las pilas, o mucho me temo que se les acaba el tiempo.

He dicho.

KIRBY, DITKO Y STANTON: A CADA UNO LO SUYO

2011-12-30T15:41:00.003+01:00

Durante muchos años se especuló con la posibilidad de que el diseño del traje de Spider-Man fuese en realidad obra de Jack Kirby y no de Steve Ditko, habida cuenta de que si el segundo dibujó los primeros números de la colección, el primero dibujó la primera portada en que apareció el personaje (Amazing Fantasy nº15).

Algo que tampoco ayudó demasiado a desmontar el mito fueron las veladas insinuaciones posteriores de Kirby, que siempre gustó de jugar a la ambiguedad a este respecto (especialmente cuando el arácnido ya era todo un icono cuya autoría sin duda engordaría notablemente cualquier currículum, incluso el suyo).

Lo cierto del caso es que Jack Kirby sí que diseñó un Spider-Man para una idea (finalmente nunca publicada) de Stan Lee, pero a decir verdad, aquel diseño no se parecía lo más mínimo al arácnido que se dió a conocer unos meses después.

Ditko trató de desmentir la falsaria atribución de Kirby sacando a la palestra el inexistente parecido entre ambos diseños

Lo que sucedió con la famosa portada de la discordia, fue que en su rol de editor a Stan Lee no acabó de convencerle la perspectiva que Ditko le dió a la acción que allí se representaba (Spider-Man balanceándose en red y llevando en volandas a un hipotético criminal), encargando por tanto una nueva versión de la misma a Kirby, solo que desde una perspectiva más dinámica. Punto y final. Esa parece ser toda la involucración de The King en la "creación" del personaje.

A la izquierda, la portada oficial del Amazing Fantasy nº15 (Kirby), y a su lado la descartada versión primigénia (Ditko)

Lo curioso del caso, es que supuestamente pudo haber un tercer involucrado en la creación del personaje, y lo más llamativo es que éste ni siquiera trabajaba para Marvel. Es más: se dedicaba a realizar historietas eróticas con un importante componente fetichista. Me estoy refiriendo a Eric Stanton (en la imágen superior, con dos de sus modelos).

Stanton había conocido a Ditko en la escuela de arte, y compartió estudio con él desde el año 1958 hasta el 1966 (recordemos que Spider-Man fue lanzado en 1962) y según parece era muy habitual que Eric realizase los dibujos a tinta y Ditko se encargase del coloreado. Incluso hay quien cree que los primeros dibujos de Spider-Man salieron de la pluma de Stanton, algo que Ditko siempre negó rotundamente pero que muchos no dudan que sea cierto. Lo que nadie niega es que la idea de que el arácnido atrapase con una telaraña a sus enemigos fue de Stanton, un evidente ejemplo del bondage que tan bien conocía y utilizaba Eric.

Poco antes de su muerte, en 1999, el propio Stanton decía recordar haber colaborado levemente en el diseño del traje de Spider-Man, y aunque atribuía prácticamente todo el mérito a Ditko, creía recordar que efectivamente, tal vez hubiese sido suya la idea de los lanzarredes.

MARVEL PODRÍA ADAPTAR AL CINE EL CHAPULÍN COLORADO

2011-12-28T00:00:00.006+01:00

Parece ser que en Marvel Studios quieren ampliar su oferta de cara al año que entra (hay quien cree que en realidad sería más bien por imposición directa de los más altos ejecutivos de Disney, que con esta extraña maniobra buscarían aumentar considerablemente su público hispano), por lo que últimamente se rumorea con bastante insistencia que la productora podría estar planeando darle un nuevo enfoque a lo que ha venido siendo su línea habitual de los últimos años, de cara a diversificarse más allá de los típicos superhéroes de toda la vida, creando una interesante nueva línea en la que mezclarían el citado género superheróico con la comedia más desternillante.

De éste modo, se especula con la posibilidad de que David Maisel y Kevin Feige (actualmente los más altos directivos de Marvel Studios) podrían haber cerrado recientemente (octubre o noviembre) un importante acuerdo en México D.F. con el célebre actor y productor mexicano Roberto Gómez Bolaños (Chespirito), mediante el cual éste habría arrendado a la productora norteamericana (probablemente incluso con futura opción a compra) los derechos de explotación audiovisual del famoso Chapulín Colorado, el superhéroe más aclamado por los mexicanos, quienes practicamente ya lo consideran un fenómeno social, incluso por delante de otros iconos del género como Superman o Spider-Man.

Se dice que la intención de Marvel Studios sería la de "marvelizar" a este icono hispano (que en su día ya fuera pionero en el manejo de unos asombrosos efectos especiales para la época), para aproximarlo a los estándares de otras creaciones clásicas de la mítica editorial, pero a su vez potenciando notablemente la parte más hilarante de tan magnífico personaje. También se ha dicho que si la taquilla responde, el asunto podría desembocar en una ambiciosa trilogía.

Las mismas fuentes que se han hecho eco de esta curiosa noticia (que de confirmarse finalmente hará correr auténticos ríos de tinta entre defensores y detractores), han apuntado que el título de la producción probablemente sería The Red Grasshopper (El Saltamontes Colorado, pues parece ser que un Chapulín sería sencillamente eso, un vulgar saltamontes).

El Chapulín Colorado es el personaje de ficción más idolatrado de México... y Marvel lo sabe

Aunque quizá aún sería un poco pronto para desvelar detalles concretos de la trama, ciertas webs apuntan a que un primer borrador del guión estaría ya practicamente acabado, e incluso se aventuran a dar el nombre del posible autor del mismo: David Icke (uno de los guionistas de la célebre Matrix), y la historia podría girar en torno a como Chapulín consigue su famoso martillo mágico (de similares características al de Thor).

Los cómics Marvel de Chapulin pronto podrían ser una realidad...

He aquí unas escenas de la vieja serie televisiva en la que piensan basarse:

Además, se dice que en su afán de ganar público hispanohablante a toda costa, esta superproducción contaría con varios cameos de diversos artistas Sudamericanos y españoles muy queridos y admirados (y por tanto facilmente reconocibles por las masas), entre los que destacaría la presencia del propio Chespirito (en un rol aún por determinar) y la bellísima vedette catalana Carmen de Mairena, esta última probablemente en el mítico papel de la célebre heroína Madame Flory, una de las más sensuales femme fatales de la TV mexicana. Es de suponer que con semejantes fichajes no es muy difícil pronosticarle a esta ambiciosa producción el mayor de los éxitos imaginables, ¿no?.

La famosa vedette catalana Carmen de Mairena...está "jamona", ¿no?

IBAÑEZ & ANDRÉ FRANQUIN: PARECIDOS RAZONABLES

2011-12-24T09:00:00.020+01:00

Sin pretender sacarle un ápice de mérito a la extensa obra del genial Francisco Ibañez, o dudar de su demostrado talento, hoy quisiera compartir con todos vosotros, a modo de mera curiosidad, otro de esos esperpénticos rumores que llevan mucho tiempo circulando por la red: él hipotético plagio de infinidad de gags (e incluso diseños parciales de personajes) que el famoso autor español habría hecho de ciertos cómics extranjeros (principalmente de la industria franco-belga).

En primer lugar os dejaré con la reveladora traducción de una página francesa colgada ya hace un tiempo: (http://lagaffemegate.free.fr/franquin/copiage/copiage.htm), cuyo título -traducido- no podría ser más demoledor: Francisco Ibañez copió, plagió, imitó, recopió y saqueó a Franquin.

Esta es la referida traducción de la misma:

"Francisco Ibañez es un autor de cómics muy popular en España. En Francia o en Bélgica, Ibañez es poco conocido. Sólo sus personajes principales, Mortadelo y Filémon, han sido aquí editados en álbumes. Si coges un cómic de la serie El botones Sacarino de Francisco Ibañez, inmediatamente te darás cuenta que el personaje está profundamente inspirado tanto por Gastón Lagaffe como por Spirou. Sacarino, como Gastón, trabaja en una oficina, donde no hace nada muy útil, al contrario, comete tropelías todo el tiempo. Tiene un gato, y su principal preocupación es alimentarlo. La cara de Sacarino es claramente una copia de la de Gastón, exceptuando el cabello. Si Sacarino no repitió el traje de Gastón, fue solo para apropiarse del de Spirou, ya que trabaja en una oficina.

La secuencia que aparece a continuación fue copiada en una historieta de Sacarino. La trama es muy similar a la de Gastón n°294, ya que la persona que mete la pata le envía un queso de cabra a un editor de Nueva york. La copia es flagrante.

Hasta los temas recurrentes en Gastón son saqueados de manera desvergonzada: la bola del juego de bolos, el gato majareta, y una gran parte de los gags en 1/2 plancha. Incluso los pendientes de Fantasio y Sr. Dupuis aparecen en esa historieta.

La diferencia existente entre las historietas de Franquin y las de Ibañez reside principalmente en la extrema violencia de las situaciones, las caídas y los golpes se acercan más al "cartoon" que al cómic franco-belga.

Este pillaje organizado de Franquin por Ibañez se hizo en una época (años 70) en la que la historieta española aparecía en algunos periódicos. La penetración del cómic francés y belga era casi inexistente a excepción de Tintín, Astérix o Lucky Luke... Spirou y Gastón aún tardarían un tiempo en aparecer... Ibañez utilizó la inspiración de los gags de Gastón tanto en Mortadelo y Filemon, para historietas de una única plancha o hasta en el meollo de aventuras de álbumes completos, como en los de Sacarino. La cantidad de gags completos copiados casi tal cual es impresionante. Sinó, también hay muchos pequeños detalles (personajes, decorados, vehículos) diseminados en todas las viñetas en los que no siempre es tan fácil reparar..."

Independientemente de estas polémicas afirmaciones, deciros que internet está plagado de otros muchos ejemplos que también parecen avalar dicha teoría. A continuación he recopilado algunos de los más significativos (aunque hay muchos más a poco que busquéis en la red):

La mitad superior es de Franquin, la inferior de Ibañez. ¿No hay algún "parecido"?

Nuevamente mitad superior (Franquin) e inferior (Ibañez)

Y una vez más el reparto habitual...

Parece ser que la culpa fue de Bruguera y sus frenéticos plazos de entrega, y es que según se dice, la propia directiva de la empresa era la que suministraba revistas de cómics franco-belgas a sus autores sugiriéndoles que "se inspiraran" en los mismos para entregar a tiempo. ¿Qué opináis vosotros?.

¡¡¡FELICES FIESTAS!!!

2011-12-20T16:50:00.005+01:00

Queridos amigos, en estas fechas tan entrañables ~~me gustaría~~ (¡jo, quita, quita, que esto ya parece el discurso del Rey...!).

En definitiva, que este vuestro blog quiere felicitaros las fiestas, deseándoos una muy Feliz Navidad y un más Próspero Año Nuevo (al menos hasta el 21 del próximo diciembre, que luego ya sabéis lo que toca, y sinó preguntádselo a los MAYAS, je, je, je).

Bromillas aparte, recordaros que sigo esperando que se anime aún más gente a participar en el concurso que tenemos en marcha...

SERIES MÍTICAS XII: ULISES 31

2011-12-19T10:30:00.005+01:00

Ulises 31 fue una original serie de animación de producción franco-japonesa, estrenada en 1981, que mezcló ciencia ficción con mitología griega para adaptar (con numerosas licencias) el clásico de Homero al siglo XXXI. Compuesta por una única temporada de 26 capítulos, su adictiva trama narraba como Ulises, capitán de la nave espacial Odiseus, mataba al gran Cíclope para rescatar a un grupo de niños prisioneros, incluyendo a su propio hijo Telémaco, despertando así la ira de los dioses.

De este modo, el dios Poseidón pedía ayuda a Zeus para condenar a Ulises a vagar erráticamente por el universo, con su tripulación hibernada en una cámara de la nave, y acompañado sólo de Telémaco, Nono (el pequeño robot rojo comedor de tuercas), Thais (la niña de Zotra con poderes telepáticos y la piel azul), y de Shirka (el ordenador de a bordo). ¿El destino de los protagonistas?: vagar por el espacio hasta que pudiesen encontrar el reino de Hades, tras lo cual les sería permitido volver a la Tierra. Esto marcaba el punto de partida de una serie absolutamente irrepetible.

¿Recordáis como flipábamos todos con aquella pistola-espada-láser del prota? (no sé de que me sonará...), ¿y que me decís de su alucinante escudo de energía?.

He aquí la inolvidable intro con su mítica canción, a cargo del gran Memo Aguirre:

Gracias al notable éxito de la serie, en esta ocasión el merchandising tampoco se hizo de rogar (cómics, álbumes de cromos, discos de vinilo, juegos de cartas, camisetas, etc),

El típico álbum de kiosko...

...otro que se completaba con pegatinas de los célebres Phoskitos...

...y la clásica baraja de Heraclio Fournier, tan de moda en aquellos años.

Este fué el primer número de la colección de cómics.

En definitiva, una serie inolvidable y muy, muy recomendable. Por si os interesa echarle un vistazo, os diré que afortunadamente la tenéis reeditada en Dvd.

FALLECE JOE SIMON, CO-CREADOR DEL CAPITÁN AMÉRICA

2011-12-16T23:21:00.007+01:00

Tenía la idea de dejar pasar al menos un par de días más antes de publicar una nueva entrada, básicamente para darle preferencia a la que explica lo del concurso que éste blog tiene convocado, pero hay veces, como la que nos ocupa, donde desgraciadamente la dramática actualidad se impone.

Si la semana pasada daba la noticia del fallecimiento de Jerry Robinson, creador del Joker, hoy he de anunciar otra pérdida irremplazable en el mundo del noveno arte. Joe Simon, co-creador junto a Jack Kirby del mítico Capitán América y uno de los guionistas más populares de la historia del cómic, ha muerto a los 98 años, según ha informado la asociación de entusiastas de los tebeos Vanguard Productions.

Simon, nacido el 11 de octubre de 1913 en Rochester (Nueva York), falleció el miércoles en su casa del mismo estado tras sufrir una enfermedad no especificada. "Joe vivió una vida plena y nos alegramos de que tuviera tiempo a ver cómo se dio vida al Capitán América con tanto éxito en la última película", indica Vanguard Productios en su página de Facebook.

Él y Kirby -muerto en 1994- crearon conjuntamente en 1940 el célebre personaje, un joven enfermizo que, al recibir una inyección de un suero especial, se convierte en el arma perfecta de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos para derrotar a los nazis durante la II Guerra Mundial. Su vestimenta recuerda a la bandera estadounidense y siempre porta un escudo fabricado con una aleación indestructible que lanza contra sus enemigos.

El puñetazo a Hitler

La historia del superhéroe fue recientemente llevada al cine en la exitosa película Captain America: The First Avenger (Capitán América: el Primer Vengador), que se estrenó el pasado mayo y en el que el actor Chris Evans encarnó al musculado soldado.

Hitler se lleva su merecido ya desde la misma portada del primer número del Capitán América (1940)

El primer número del Capitán América se publicó el 20 de diciembre de 1940 en la editorial Timely, que un año después cambió su nombre por el de Marvel Comics, como sabéis, uno de los sellos más célebres de la historia del cómic. La portada mostró al protagonista dando un puñetazo a Adolf Hitler un año antes de que EE UU entrara en la II Guerra Mundial tras el bombardeo japonés a Pearl Harbor.

Tras estas dos graves perdidas, esperemos que el resto de artistas de edad provecta que nos quedan nos duren aún muchos años más.

Joe Simon: Descanse en Paz.

ENTRADA NÚM. 100: CONCURSO DE NAVIDAD 2011

2011-12-12T11:15:00.005+01:00

No voy a disimular mi orgullo si os digo que esta es la ENTRADA NÚMERO 100 del blog. Y para conmemorar una cifra tan redonda, hoy ha llegado (al fin) el día de presentar oficialmente las bases definitivas del concurso que vengo anunciando desde hace ya varios días, así como las cuestiones a las que debéis responder para poder aspirar a ganar la referida prueba.

En otras palabras: que el concurso ya está en marcha, así que si os animáis, os invito a que aceptéis el reto, no sin antes recordaros que la única condición que se exige para poder participar es la de estar registrado como miembro seguidor (perfil público) del blog (os basta con un sencillo "clic" para registraros, no lleva ni 30 segundos).

Las bases:

Como digo, el objetivo radica en tratar de contestar correctamente a 25 preguntas de un peculiar cuestionario friki, la mayoría de las cuales tal vez puedan parecer a priori más bien difíciles de responder. Y si digo a priori, es porque todas las respuestas están diseminadas entre las entradas del centenar que ya suma el blog. Repito: TODAS las soluciones están aquí (solo es cuestión de saber buscar, ser perseverante y no rendirse a la primera de cambio).

Las respuestas serán recibidas EXCLUSIVAMENTE por correo electrónico en mi dirección de e-mail: Jonathanstriker65@gmail.com , indicando en el título Concurso The Mystic Bubble. (Recordad, solo serán admitidas las respuestas de aquellos concursantes inscritos en miembros seguidores del blog (con perfil público).

A continuación escribís: 1.(respuesta correpondiente), 2.(respuesta correspondiente) y así sucesivamente hasta completar las 25, ¿vale?. Número de la pregunta con su correspondiente respuesta justo a continuación (sin necesidad de copiar los enunciados). Simplemente ha de quedar claro que "x" número coresponde a "x" respuesta.

MUY IMPORTANTE: recordar que es IMPRESCINDIBLE escribir en el mail vuestras señas personales (nombre y apellidos, dirección completa y teléfono, así como el nick con el que firmáis en seguidores), para que pueda enviaros el premio a casa en caso de resultar ganadores. Huelga decir que vuetras señas completas NO SERÁN NUNCA PUBLICADAS (o usadas para otros fines). Únicamente se hará pública una información tal que así: Ganador/a: Fulanito De tal (y entre paréntesis pueblo o ciudad) + relación de respuestas acertadas.
(Solo se admitirá un concursante por cada dirección).

¿Quién será el ganador?. Pues obviamente aquel que sea capaz de contestar sin un solo fallo a la totalidad de las preguntas planteadas. En caso de que nadie responda bien a todas, ganará (lógicamente) quien tenga un mayor número de aciertos. En caso de empate entre dos o más concursantes primará aquel que haya sido más correcto contestando. Ejemplo: imaginémos que una respuesta fuera Tom DeFalco. Pues si un concursante escribiera DeFalco y otro Defalco o De Falco ganaría claramente el primero. ¿Me explico?. Si aún teniendo en cuenta esta norma continuase habiendo empate entre dos o más jugadores, el ganador sería el que hubiera enviado ANTES sus respuestas.

El plazo de recepción de las mismas será desde hoy, lunes día 12 de diciembre a las 12:00 del mediodía, hasta el viernes día 6 de enero (Reyes) de 2012, también a las 12:00 del mediodía (por favor, tened muy en cuenta que cualquier mail de respuestas recibido tras ese día y esa hora NO será admitido a concurso bajo ningún concepto).
El mismo día de Reyes se publicará el nombre del ganador/a, así como una plantilla con todas las respuestas correctas para que podáis consultarlas. Será exactamente a las 21:00 horas.

Cualquier duda que os pueda surgir acerca de estas bases podéis consultarla (dentro del plazo de admisión de respuestas) en la referida dirección de correo electrónico, desde la que recibiréis una pronta respuesta aclarándola.

El premio:

Un lote de cómics que contiene: Coleccionable Marvel Héroes: La Patrulla-X: La saga de Fénix Oscura (Uncanny X-Men 129 al 137 USA) de Panini; Coleccionable Marvel Héroes: Los 4 Fantásticos: Imaginautas (Fantastic Four vol. 3 56, 60 al 66 USA) de Panini y Sin City "Obra Completa" 6 tomos rústica 15x23 (The hard goodbye, That yellow bastard, The big fat kill USA) de Norma.

El ganador/a recibirá el lote en su domicilio entre 3 y 6 días después de publicarse el resultado del concurso.

Y ahora, ya sin mayor dilación, procedo a plantear las 25 preguntas (¡¡¡mucha suerte a todos/as!!!):

1). Todos sabemos que, recientemente, Lamie Bell ha sido el actor encargado de interpretar a Tintín utilizando la técnica de captura del movimiento. Pero esta no fue la primera película en la que un actor de carne y hueso se mete en la piel del célebre reportero belga (ya que antes hubo otro). Aquel primer actor fue descubierto por el propio Hergé a princípios de los años 60. ¿Podrías decir en que ciudad sucedió esto?.

2). Woody Harrelson protagonizó una delirante comedia en la que interpretaba a un hombre común que creía ser un superhéroe. ¿Sabes cual era el nombre (en castellano) de su principal archienemigo?.

3). Se dice que Santo, el Enmascarado de Plata, jamás perdió su mítica máscara en combate. Sin embargo, hubo un programa de TV en el que a princípios de los años 80 mostró una pequeña parte de su rostro. ¿Como se llamaba éste programa?.

4). Contrariamente a lo que a menudo suele pensarse, Superman Vs. Spider-Man no fue el primer cómic elaborado conjuntamente por Marvel y DC. Indicar el título (en castellano) de la primera colaboración real entre ambas editoriales.

5). En 1983, el guionista David Michelinie escribió un par de delirantes historias para Las nuevas aventuras de Indiana Jones en las que hacía que el famoso arqueólogo visitase España. Tras una surrealista y anacrónica aventura, el Doctor Jones y su amiga Marion Ravenwood regresan a Barcelona. ¿Cuál fue el medio de transporte utilizado para tal fin?.

6). La primera vez que Batman llegó a las pantallas (interpretado en carne y hueso), no conducía su popular batmóvil. ¿Podrías decir en qué vehículo se desplazaba entonces?.

7). En la revista Don Miki se publicaron una serie de aventuras en las que el popular ratón hacía las veces de detective. En dicha serie había siempre dos villanos clásicos. Uno era el socorrido Pete Patapalo, el tonto y bruto, pero... ¿Cuál era el listo y hábil?.

8). ¿Cuál es el nombre que reciben en Suecia Mortadelo y Filemón?.

9). Coincidiendo con el 20º Aniversario de su fallido Nuevo Universo, Marvel lanzó un título anecdótico re-imaginando los conceptos de dicho universo. ¿Quién fue el guionista de aquél número conmemorativo?.

10). ¿Sabrías decir quién interpretó el 7º tema del Vol. 6 de la colección Oye Mira?.

11). Cómics Fórum publicó la serie de ROM, Caballero del espacio, como un mero suplemento (de muy pocas páginas) de otra conocida colección Marvel. ¿Cuál era el título de dicha colección?.

12). La serie La fuga de Logan constó oficialmente de 14 episodios, aunque existían guiones para otros cuatro que finalmente nunca fueron producidos. Indicar el título (en castellano), del que hubiera sido el último de estos episodios inéditos.

13). Cuando Bruce Lee murió, había rodado algún material para una película que finalmente tuvo que terminarse utilizando un doble del mítico artista marcial. ¿Cuántos minutos dejó filmados el auténtico Lee?.

14). Citar el primer título de Astérix (en castellano) en el que se considera que la serie comenzó su lento declive argumental.

15). ¿Podrías decir de qué color era la armadura del Doctor Muerte en el álbum Cropán y los héroes fantásticos del gran López Espí?.

16). ¿Qué nombre recibía el ficticio escritor bajo el que se ocultaba el célebre guionista Víctor Mora cuando escribió algunos relatos para las Joyas Literarias Juveniles de Bruguera?.

17). ¿Cuánto tiempo tardó Igor Kordey en dibujar y entintar el New X-Men nº 120?.

18). ¿En qué año comenzaron a ponerse cabezas de personajes en los populares dispensadores de caramelos PEZ?.

19). El último capítulo de Dragones y Mazmorras nunca llegó a dibujarse, a pesar de haberse escrito el guión. ¿Cómo iba a titularse ese capítulo?.

20). Indicar el nombre del director de cine porno que más versiones "X" de superhéroes ha realizado para la industria del entretenimiento para adultos.

21). A pesar de sus múltiples retoques, los inolvidables Pocket de ases Bruguera fueron considerados un pequeño gran tesoro por muchos aficionados. ¿Sábes quién protagonizó el tomo nº 37 de dicha serie?.

22). A menudo se atribuye (erróneamente) la autoría del traje negro de Spider-Man al dibujante Rick Leonardi, pero la realidad es bien distinta. ¿Podrías indicar cuanto pagó Marvel para comprarle el diseño a su auténtico creador?.

23). Memo Aguirre es sin lugar a dudas el compositor e intérprete más famoso de las sintonias de series animadas de nuestra infancia. Pero... ¿en qué grupo juvenil debutó el artista mucho antes de ser conocido?.

24). ¿En qué deportista húngaro se basó el gran Jacinto Molina a la hora de elegir el famoso nombre artístico que le proporcionaría fama mundial?.

25). En cierta ocasión, Bob Kane declaró que una de las principales referencias en las que se había basado para crear a Batman provenía de cierto personaje de ficción que también utilizaba una máscara negra para combatir la injusticia. A su vez, muchos historiadores sostienen la teoría de que dicho personaje inicial proviene de un mítico bandolero real. ¿Podrías decir el nombre y apellido de éste bandolero?.

SUPERVILLANOS RIDÍCULOS XI: PETE POTE DE PASTA

2011-12-11T12:50:00.009+01:00

Hoy presentamos, en esta morbosa sección de aprendices desahuciados de supervillano, a otro de esos tristes fracasados a los que antes de dedicarse a hacer el mal probablemente les saldría bastante más rentable estudiar la profesión de mecánico chapista o tornero-fresador.

Creado por Stan Lee y Jack Kirby para Strange Tales nº 104 (enero de 1963), Pete Petruski era un investigador que descubrió un tipo de pegamento a base de polímeros múltiples que era extremadamente adhesivo. Sin embargo, considerando que no recibía el reconocimiento que creía merecer, en lugar de tratar de enriquecerse haciéndole la competencia a Super Glue-3 de Loctite, pensó que lo mejor sería utilizarlo para el crimen.

Así, construyó una pistola que le permitía disparar su pasta (y mira que ya es difícil limpiar una máquina de churros por dentro, ¿eh?, que se queda la masa toda apelmazada y no sale ni con agua caliente a presión, no quiero pensar el infierno que será el mantenimiento de la pistolita de marras) y se rebautizó a si mismo con el "glorioso" nombre de Pete Pote de Pasta (supongo que con semejante apodo éste debía ser de los de whisky DYC, ¿no?, "gente sin complejos").

El caso es que el esperpento en cuestión fue derrotado varias veces por la Antorcha Humana cuando intentaba cometer sus crímenes, incluso una vez que se alió con el Mago. Pete fue encarcelado pero su condena fue reducida al ayudar a los Vengadores prestándoles su disolvente especial (¡jo, quien lo pillara a la hora de limpiar una de esas máquina de churros!) para que pudiesen disolver el adhesivo X del Barón Zemo (adeshivo a partir del cual Pete desarrolló el Lubricante-Z).

Cuando salió de prisión, nuevamente volvió a enfrentarse con la Antorcha, pero dio de nuevo con sus huesos en la cárcel, de la que posteriormente logró escapar junto al Hombre de Arena. Mientras huían en un avión encontraron flotando al Mago, que había sido derrotado también por la Antorcha Humana.

Los tres se unieron y junto a una conocida del Mago, la terrible Madame Medusa, formaron los 4 Temibles y se enfrentaron a los 4 Fantásticos. Aunque el cuarteto de héroes los derrotó con mucha dificultad, en su siguiente encuentro fueron los 4 Temibles los vencedores, ya que les quitaron los poderes a los 4 Fantásticos. Sin embargo los 4F no tardaron en recuperarlos, por lo que los 4 Temibles debieron volver a enfrentarse a ellos. Pete entonces construyó varias trampas mecánicas y tomó el nombre de Trampero, pues su anterior alias le parecía ridículo (pues sí que le costó al hombre darse cuenta, pero supongo que más vale tarde que nunca, ¿no?).

Strange Tales nº 104 (enero de 1963), primera aparición del amigo Pete

NUEVO PÓSTER DE LA PELÍCULA THE AMAZING SPIDER-MAN

2011-12-10T15:52:00.004+01:00

Superhero Hype ha estenado en exclusiva mundial el nuevo póster promocional de la nueva película arácnida que se avecina: The amazing Spider-Man. ¿No es original?. Además, no os perdáis la leyenda de la parte inferior: THE UNTOLD STORY (es decir, La historia jamás contada).

A ver que sale de ahí, pero en principio pinta bien.

FALLECE JERRY ROBINSON, EL CREADOR DEL JOKER

2011-12-09T23:55:00.006+01:00

El mundo del cómic está de luto. Jerry Robinson, el dibujante de cómics a quien se atribuye la creación del Joker, el archienemigo de Batman por excelencia, murió a los 89 años de edad, según informó el diario The New York Times.

Recordar (para los no iniciados) que el Joker es un peligroso villano demente ataviado como un payaso con el pelo verde y una siniestra sonrisa estirada.

César Romero fue el primero en dar vida al personaje en la famosa serie de televisión, seguido por Jack Nicholson, quien lo interpretó en la película de 1989 Batman, y por Heath Ledger, quien ganó un Oscar póstumo por su encarnación escalofriantemente sádica en el filme de 2008 The Dark Knight (El Caballero Oscuro).

El dibujante era estudiante de periodismo en la Universidad de Columbia en Manhattan, cuando comenzó a trabajar para Bob Kane en 1939, cuando tenía solo 17 años.Kane, junto con el escritor Bill Finger, acababa de crear el personaje de Batman para National Comics; la futura DC Comics.

Robinson había alquilado una habitación a una familia en el célebre barrio del Bronx, cerca del apartamento que la familia de Kane tenía en Grand Concourse, donde Kane utilizaba su dormitorio como estudio de arte.

Comenzó como escritor de figuras y entintador de fondos, poco antes de graduarse de secundaria.Después de un año, se convirtió en el entintador principal del Hombre-Murciélago, con George Roussos como entintador de fondos. Batman no tardó en convertirse en un personaje de gran éxito y Kane alquiló entonces un espacio para Robinson y Roussos en la Times Tower en Times Square.

Año y medio después de ser contratados por Kane, National Comics contrato a Robinson y a Finger; convirtiéndolos en personal de la empresa.Robinson recuerda que trabajaba en la oficina 480 de la compañía en Lexington Avenue, junto con Jerry Siegel y Joe Shuster (por si alguien no lo sabe, los creadores de Superman), además de Jack Kirby, Fred Ray, y Meskin Mort; "quien fuera uno de mis mejores amigos y quien me convirtió en editor de cómics".

Bob Kane, creador de Batman

A principios de 1940, Kane y Finger discutían la inclusión de un compañero para Batman. Robinson fue quien sugirió el nombre de Robin, recordando los libros de Robin Hood que había leído durante su infancia, diciendo durante una entrevista en 2005 que su imagen fue inspirada por un libro de ilustraciones de Newell Convers Wyeth.

El nuevo personaje, un huérfano artista de circo llamado en realidad Dick Grayson, llega a la mansión Wayne como pupilo de Batman en Detective Comics nº 38 en abril de 1940; y a partir del surgen personajes similares en toda la edad de oro de los cómics.

El mismo año, Robinson creó el concepto del Joker (el Guasón para los amigos Hispanoamericanos) como archivillano de Batman, inspirándose en el Comodín de la baraja de naipes inglesa, para luego completar la idea junto al escritor Bill Finger, quien llevó fotografías de Conrad Veidt en la adaptación filmica de El hombre que ríe (1928) y al dibujante Bob Kane quien terminó de delinear el aspecto físico del personaje basándose en tales fotografías.

El actor Conrad Veidt en la película El hombre que ríe, inspiración inicial del Joker

"Siempre prensé que los villanos eran más interesantes", dijo Robinson al Times el año pasado. "Creo que el nombre llegó primero: el Joker. Entonces pensé en la carta de la baraja", dijo Robinson, cuyos padres eran jugadores de bridge.

Romero, Nicholson y Ledger. Tres Jokers diferentes para tres épocas diferentes

La anécdota: Bob Kane (¡vaya corsario!), dijo que él y Bill Finger habían creado al Joker. Pero el Times dijo que muchos historiadores del cómic afirman que la idea fue de Robinson.

El dibujante abandonó el equipo de Batman en la década de 1940, pero siguió creando personajes de cómics, entre ellos London, un personaje inspirado por los bombardeos nazis de la Segunda Guerra Mundial, y Atoman, una versión nuclear de Superman.

Jerry Robinson con Stan Lee

Tras esta etapa, en los cincuenta comenzaría a diversificarse como dibujante, trabajando para otras editoriales y, sobre todo, como dibujante en series para periódicos, donde despuntaría por su habilidad para la sátira política. Portadista, ilustrador, dibujante publicitario e incluso docente en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, la labor de Jerry Robinson en el campo de la historieta es inabarcable, además de su implicación y compromiso, que le llevó a presidir las dos asociaciones más importantes de historietistas de EE.UU.

El periódico The New York Times dijo que Robinson había muerto en Staten Island, Nueva York. Le sobreviven su esposa de 57 años, un hijo, una hija y dos nietos.

Descanse en Paz.

¡STAN LEE NO PARA!

2011-12-08T21:42:00.003+01:00

Stan Lee sigue en plena forma a sus 89 años y creando interesantes personajes como lo hacía hace más de medio siglo.

El nuevo "superhéroe" que ha salido de su mente privilegiada para este género es The Annihilator (El Aniquilador, aunque aún a modo de título provisional), creado ex-profeso para llevarlo directamente al cine, y cuya película guionizará Dan Gilroy, el mismo que ideó la historia de Acero puro y que pretende que alucinemos con la trama que está guionizando de The Bourne Legacy (El Legado de Bourne).

El propio Lee describe así este proyecto tan ambicioso parido desde POW! Entertainment, productora del mítico guionista, y comprado por Magic Storm Entertainment: _

"No se puede expresar con palabras lo emocionado que estoy con este proyecto, está basado en el superhéroe más increíblemente original y único que he creado en mucho tiempo. Lo mejor de todo, es que trabajaremos con un escritor muy talentoso como Dan Gilroy, y esperemos crear una saga de The Annihilator muy popular para las nuevas generaciones".

El nuevo personaje creado por Lee será un joven chino al que le dan una segunda oportunidad y vuelve a casa como un superhéroe internacional para hacer justicia. Ya, esto está contado a medias, pero por el momento es lo que se pretende conseguir, expectación total.

The Annihilator, una de las últimas creaciones del gran Stan Lee

También Gilroy se ha encargado de alimentarla:

"Stan ha creado un superhéroe innovador de nuestro mundo globalizado. La historia abarca las distintas culturas y continentes en emocionantes personajes con estilo. Lee está implicadísimo y es una alegría tener una mano así para llevar esto a la pantalla".

La intención de todos los que trabajarán en esto es conseguir una superfranquicia cinematográfica. Y ahí estará el público para permitírselo o no. Tiene que ser algo grande para que nos olvidemos de los clásicos de toda la vida.

Por otra parte, Lionsgate se ha hecho con los derechos cinematográficos de otro superhéroe original creado por Lee cuya traslación a la gran pantalla será escrita, producida y dirigida por el dúo formado por Alfred Gough y Miles Millar, con créditos en producciones como Smallville para la pequeña pantalla, o Shanghai Kid, del este al oeste, Spider-Man 2 y Soy el número cuatro para la grande, y que se verá respaldada además a través de su propia compañía, Millar/Gough Ink.

Aunque los detalles de este proyecto todavía sin título se mantienen en secreto, es descrito como una película de superhéroes multigeneracional que abarca varias décadas. El mismo Lee y Gil Champion la coproducirán a través de POW! Entertainment, compañía que por su parte tiene firmado un acuerdo de colaboración con Disney.

VENGADORES VS. PATRULLA-X

2011-12-07T20:17:00.005+01:00

Hace ya casi 25 años que los Vengadores y la Patrulla-X se enfrentaron durante el juicio de Magneto en una recordada serie dibujada por Marc Silvestri y escrita por Roger Stern.

Por otro lado, en los últimos meses, Marvel Comics ha estado prometiendo algo grande para los lectores del Universo Marvel. La publicidad de dicho evento rezaba It’s Coming (Se Acerca), y dejaba entrever que tendría que ver con Fénix. Ese proyecto, planeado para 2012, ha sido descrito por el Editor Jefe Axel Alonso de la siguiente forma:

"Es algo que no forma parte de un evento cósmico, pero que sí es un importante evento del Universo Marvel. Muy pronto, vamos a revelarlo todo. Tres simples palabras que van dirigidas al fan de Marvel de toda la vida y al chico o chica de la calle que tan solo ha visto una o dos películas de superhéroes".

Pues bien, hoy se han revelado esas tres palabras: Avengers Vs. X-Men.

En una historia publicada en la web del USA Today, la editorial ha anunciado una miniserie bisemanal (en realidad twice-a-month) de 12 números que debutará el próximo abril de 2012 (con un prólogo en marzo) y que nos relatará el enfrentamiento entre los dos grupos más importantes del Universo Marvel (con permiso de los 4 Fantásticos).
El núcleo de la serie estará escrito por Brian Michael Bendis, Jason Aaron, Jonathan Hickman, Ed Brubaker y Matt Fraction. Los dibujos correrán a cargo de Fran Cho, John Romita Jr., Olivier Coipel y Adam Kubert.

El argumento de la serie es obvio. Según Alonso:

"Tienes dos poblaciones cuyas motivaciones son simples, comprensibles y defendibles. Esto es parte de su belleza. Vais a ver una historia que desarrolla el ¿Qué harías?".

En un artículo distinto, se revela la mecánica del título y su promoción, que consistirá en que cada número será escrito por un guionista que pasará la historia al siguiente para el próximo número, hasta planes de integrar Google+ en los objetivos promocionales.

A nivel de historia, el centro de atención del crossover de X-Men Advenimiento en 2009, Hope Summers, será de nuevo el centro de atención en Avengers Vs. X-Men, ya que será presumiblemente el huésped elegido por la Fuerza Fénix. De hecho, es la amenaza del regreso de la Fuerza Fénix lo que instigará el conflicto en primer lugar.

"La Fuerza Fénix es el espíritu de la destrucción y el renacimiento. Arrasa mundos para crear algo nuevo. Son malas noticias si resulta que vives en el mundo que va a ser arrasado. Son grandes noticias si vas a ser resultado de ese mundo".

Además, también tendrá cierto protagonismo la Bruja Escarlata, que en cierto modo, también instigó este conflicto hace años cuando usó sus poderes alteradores de la realidad para eliminar a todos los mutantes de la faz de la Tierra. Bendis, que escribe su historia en el prólogo de esta serie, comenta:

"Ha estado en un camino de redención casi imposible de percibir durante los últimos años, y ahora va a enfrentarse cara a cara con los Vengadores".

EL NUEVO UNIVERSO MARVEL

2011-12-06T23:47:00.011+01:00

En 1986, después de que el Universo Marvel tradicional llevase presente más de un cuarto de siglo, la Compañía probó suerte con una idea que se denominó "el Nuevo Universo". El plan consistía en crear una serie de títulos interrelacionados entre sí (exactamente ocho), pero sin ningún tipo de conexión con los héroes consolidados de la Marvel clásica (algo similar, salvando las distancias, a lo que ocurrió entre Watchmen y el resto del universo DC).

El concepto se debió a Jim Shooter, el director editorial del momento, y personaje peculiar donde los haya, que quiso de éste modo celebrar el 25º aniversario de la célebre editorial: "Utilícese el mundo real, introdúzcanse un par de anomalías cuidadosamente controladas, y a continuación déseles juego".

La idea era mostrar el efecto de un extraño "evento blanco" que dio a ciertos individuos ordinarios poderes paranormales.

Número 1 de Star Brand

El equipo encargado de planificar el proyecto incluía a varios Editores de colección y guionistas de primera fila: Shooter, Tom Defalco, Archie Goodwin, Mark Gruenwald, Eliot Brown, y John Morelli. Se depositaron grandes esperanzas en el proyecto, pero nunca acabó de cuajar, y así, en 1989, con apenas tres años de vida, el Nuevo Universo fue abruptamente cancelado.

Número 1 de Justice

"Llegamos muy tarde, y no pudimos evitar el cierre", comenta Archie Goodwin. "Si los lectores no se divierten con los primeros números, es muy difícil convencerles de que las cosas mejorarán".

Número 1 de Psi Force

Puede que la premisa no fuese lo suficientemente espectacular para los fans, o tal vez ya estaban demasiado identificados con el vasto constructo de ficción llamado Universo Marvel. Pese a ciertos trabajos excelentes (Star Brand, Justice, Psi Force), el Nuevo Universo nunca cobró verdadera vida.

La anécdota: En 2007, coincidiendo con el 20º aniversario del Nuevo Universo, Marvel lanzó Newuniversal - un solo título re-imaginando los conceptos del Nuevo Universo a cargo del guionista Warren Ellis y el dibujante Salvador Larroca. Al igual que con el Nuevo Universo original, Newuniversal se encuentra en un mundo en el que un número de personas corrientes de repente desarrollan habilidades sobrehumanas. Sin embargo, cuando el Nuevo Universo comenzó con el mundo "real" como punto de partida, el mundo del Newuniversal ya fue muy diferente.