PETER PAN Y WENDY

Desde que Disney se dió cuenta del gran filón que tenía en su filmoteca animada, pudiendo realizar remakes en "acción real" (entre comillas porque siempre sería con matices) de todo film de animación que han realizado desde sus orígenes, la "moda" aún sigue en marcha. Dichos remakes suelen ser en la mayoría de casos meras reactualizaciones que poco aportan de interés, más allá de la curiosidad que el espectador tenga de ver como resuelven con efectos especiales (CGI a mansalva) esa fantasía sin límites de la que puede presumir la animación.

 

En el momento en que escribo estas líneas estamos a pocas semanas del estreno de La Sirenita en acción real, remake del film homónimo de 1989 con el que Disney empezó su segunda edad de oro en la animación. A la espera de cual será al final la recepción por parte del público del mencionado remake (cuyos adelantos han provocado todo tipo de opiniones en internet, y no todas favorables), se estrena directa en Disney Plus la nueva adaptación de Peter Pan, otro de los clásicos animados de la compañía, cuya revisión se titula Peter Pan y Wendy.

En este caso puede ser más o menos comprensible que no se haya estrenado esta película en cines porque (aparte del hecho de que tienen que rellenar su plataforma de streaming con todo tipo de material) estamos hablando de una historia que ya ha tenido varias adaptaciones en película, siendo quizás la más conocida la versión animada de Disney que en este caso es revisada. De todas maneras no se puede obviar que en acción real incluso Steven Spielberg hizo su propia adaptación (en la desmesurada Hook), y que en los últimos años ya ha habido varios films centrados, en mayor o menor medida, en el clásico literario de J.M.Barrie. Quizás sea por eso (estamos ante un relato bastante conocido por múltiples generaciones) que esta Peter Pan y Wendy me ha parecido un simple trámite que tampoco me ha aportado nada de relevancia... aunque no sea porque no lo ha intentado, en su afan de dar una visión plural y variada acorde a los tiempos.

 

Hoy en día vivimos, mal que nos pese, en una sociedad multicultural, donde se mezclan todo tipo de razas y credos, a lo que hay que añadir una mayor visibilidad del colectivo LGTBI. Hay que estar ciego (aunque también dice el refrán eso de que "no hay más ciego que el que no quiere ver") para no darse cuenta, por lo que lo lógico sería que eso se representara en pantalla para darle una mayor visibilidad. El problema radica en que para muchos eso "fuerza" la inclusión, lo que de entrada les transmite un inmediato rechazo, siendo lo que le está pasando a Disney: tras intentar eso en sus más recientes films animados (que se han saldado con fiascos de taquilla), ahora le toca el turno a esta Peter Pan y Wendy, a la espera de La Sirenita (y la polémica ante el cambio racial de su protagonista)

 

¿Sería justo criticar a una película solo por eso? Personalmente creo que no: un film tiene que demostrar méritos propios, más allá de detalles en su argumento que puedan parecernos incorrectos. El problema radica en que en Peter Pan y Wendy se repite por enésima vez ese déjà vu inherente a todas estas nuevas versiones, y más si se trata de relatos tan conocidos como este, de que lo que me están contando en esencia ya lo sé (por lo que novedades pocas) A partir de ahí tenemos a las que antes me refería: el actor que intepreta a Peter Pan es británico de ascendencia india y la actriz que hace lo propio con Campanilla es estadounidense de madre iraní y padre afroamericano, a lo que añadir que en los Niños Perdidos ahora también hay niñas (así como un niño con Síndrome de Down)

Más allá de que a algunos sectores les pueda escocer dicha elección, los referidos detalles no son causa de que la película sea mejor o peor, sino un guion que no aporta ningún pormenor digno de mención ni que vaya a permanecer en el recuerdo del espectador (al menos de los más mayores como es mi caso) Todos los actores hacen lo que pueden con lo que tienen, siendo quizás la más beneficiada la joven actriz que encarna a Wendy, al centrarse la historia desde su punto de vista, lo que añade un toque femenino (algunos dirán que feminista) que no entorpece la esencia del relato, si bien no le aporta nada que vaya más allá de lo meramente anecdótico. Incluso el Capitán Garfio de un correcto Jude Law resulta menos histriónico y más trágico de lo que podía ser, siendo en parte él quien sostiene el resultado final. 

Los espectadores más pequeños serán probablemente los que más la disfruten, pero creo que merecerían ver también el clásico animado de 1953 para juzgarla equitativamente (de camino que se les va enseñando criterios de valoración en su labor de aprendizaje para ser unos adultos coherentes) Pero para los demás, y supongo que por lo antes citado, este film no deja de ser el enésimo remake que no molesta pero tampoco destaca, donde te das cuenta de que eres adulto si al final el personaje con el que más te identificas sería el Capitán Garfio (en un paralelismo similar a ese de que si en un slasher de adolescentes, tipo Viernes 13 y similares, te identificas más con el asesino que con sus víctimas, entonces tu niñez y tu juventud ya quedan lejanas en el horizonte)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de abril de 2023.
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LA SIRENITA / TARZÁN DE LOS MONOS / BAUTISMO 1 y 2 / TED, UN BICHO RARO / EL CABEZONIANO 1 y 2

LA SIRENITA

Cuando está cercano en el horizonte, en el momento de escribir esta reseña, el estreno del remake en acción real de La Sirenita que ha llevado a cabo Disney a partir de su propia película de animación de 1989 (con la que empezó su segunda edad de oro en la animación clásica) me he decidido por descubrir la historia original de Hans Christian Andersen dentro de esa colección de albumes promovidos por Benjamin Lacombe (del que me declaro amante de su estilo artístico) de la cual ya he leído algunos ilustrados por él, así como otro por simple nostalgia de mi infancia. Esta edición de La Sirenita por Edelvives es realmente preciosa, a la par que muy ilustrativa, con lo cual me vengo a referir a que más allá de que las ilustraciones de Lacombe sean geniales (con un estilo gráfico que se demuestra aqui portentoso, en un artista que no suele decepcionar), o que el cuento original sea hermoso y triste a la vez (lo que lo mejora con creces), sino a un prólogo, un epílogo y unos extras donde se da una curiosa hipótesis LGTBI (que desconocía) sobre la concepción de la presente obra, y como reflejaba el estado de ánimo y los sentimientos de su autor por aquel entonces.

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TARZÁN DE LOS MONOS

Todo lo que a lo largo de los años sabía del personaje de Tarzán estaba determinado por lo visto en las películas que vi de pequeño, quedándome grabado en el recuerdo que el mejor actor que lo había interpretado fue Johnny Weissmüller. El personaje, de todas maneras, también ha pasado por las viñetas (reseñé hace unos meses un comic suyo de la biblioteca), pero en los últimos tiempos su presencia en cine se había reducido a una tan solo correcta película que no entusiasmó como para generar secuelas. Pero más allá de sus andanzas en otros medios y por otros autores me faltaba lo básico: el origen literario de la mano de su creador Edgar Rice Burroughs, que es la asignatura pendiente que he podido cumplir con esta reciente edición de Tarzán de los monos. El resultado ha sido una novela de aventuras irresistible, sorprendente y tremendamente entretenida, cuya base es la que muchos ya conocen, pero que pese a ello consigue mantener un ritmo ágil gracias a una narrativa intensa que logra mantener el interés en todo momento, pese a sus más de 100 años (en origen es de 1912) Sin duda alguna una tremendamente recomendable joya literaria apta para todos los públicos.

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BAUTISMO 1 y 2

Hace tiempo leí de la biblioteca otros mangas de Kazuo Umezz o Umezu (como El chico de los ojos de gato, La casa de los insectos o la excelente Aula a la deriva), por lo que no lo dudé cuando ví como novedad los tres tomos de Bautismo, de los que de momento he podido leerme los dos primeros. Este manga, en origen de los años setenta, nos presenta a Izumi Wakakusa, la actriz más famosa del momento, pero que bajo eso esconde una obsesión enfermiza por su belleza. Llegado a cierto punto engendra una hija llamada Sakura, y se retira del mundo del espectáculo para criarla, pero en ello no hay nada del amor maternal que uno esperaría, ya que la niña forma parte de un malvado plan de la madre. En el tomo 1 asistimos a la angustia de Sakura cuando se da cuenta de la crueldad que su madre pretende con ella, lo que varía en su grueso tomo 2 para mostrar como la protagonista se encapricha de su profesor, manipulando su vida en todos los sentidos, mientras una de sus compañeras de colegio intenta averiguar el cambio de actitud de su amiga. De momento una notable historia que pasa del inicial terror angustioso (y algo de gore) a una perturbadora intriga con suspense.

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TED, UN BICHO RARO

Desde que en 2008 me dijeron que tengo TEA y TOC (siendo exactos Síndrome de Asperger) siempre que he detectado en el catálogo de las bibliotecas algo relacionado con el tema no he dudado en cogerlo para leerlo, siendo en ese grupo donde se encuentra un cómic como este Ted, un bicho raro. El protagonista de esta historia toma su nombre de las siglas de Trastorno Específico del Desarrollo, y vendría a ser un personaje independiente que en algunos momentos me recordó al Sheldon Cooper de la serie televisiva The big bang theory, pero que sirve como perfecto ejemplo (aunque sea un tanto llevado hasta el límite) para mostrar como a los que tenemos eso nos cuesta socializar o tener claros conceptos como la ironía y/o el sarcasmo (me pasa a mi) Con un estilo gráfico minimalista y desproporcionado, la autora Émilie Gleason (que tiene un hermano con TEA), parece querer mostrar como ven de diferente el mundo estas personas. El resultado sería correcto y entretenido, aunque quizás deriva en ocasiones al exceso (el final, aunque probable, lo veo demasiado drástico), pero no está mal en cuanto a sus loables pretensiones iniciales.

• Ted, un bicho raro, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

EL CABEZONIANO y EL CABEZONIANO: TEMPORADA DOS

De las obras de Enrique V.Vegas he hablado varias veces en mis reseñas, porque casi cualquier éxito de la cultura popular ha pasado por su variante paródica cabezona. De entre todas ellas la prolífica saga de Star Wars ha vivido lo mismo, y si todas las películas tuvieron su correspondiente parodia, la primera serie televisiva en acción real (The Mandalorian) no iba a ser menos. Si hace poco he finalizado su tercera temporada (emitida por la plataforma Disney +), recupero ahora de la biblioteca las parodias de las dos primeras, del 2019 y 2020 respectivamente. Como viene siendo tónica habitual en las obras de Vegas, la labor de síntesis hace que cómics así entren más por sus ilustraciones (notables y bastante destacables) que por sus guiones, que en muchos casos pueden pecar de una excesiva simplicidad, quedándose solo en la superficie de lo que en el elemento original era más y mejor desarrollado, si bien la condensación que hace de los momentos más esenciales de esta serie resulta correcta. Aún así el estilo gráfico del autor sigue siendo una gozada, lo que en ediciones como esta (albums a todo color) permite que luzca maravillosamente bien. 

• El Cabezoniano, ficha editorial por este enlace, El Cabezoniano: temporada dos, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (de ambas entregas) por este enlace.

POSESIÓN INFERNAL: EL DESPERTAR (EVIL DEAD RISE)

En este momento que nos ha tocado vivir, donde lo original brilla por su ausencia, estamos plagados de remakes, reboots, secuelas, precuelas o el derivado que se tercie (ahora con las plataformas de pago suele ser la derivación a serie televisiva o sucedáneo similar), ya que todo gira en que sean franquicias conocidas por el espectador, para (más o menos) asegurar su éxito. Ello nos lleva a que todas estas opciones, gusten más o menos, sean vistas en inicio con suspicacia por algunos espectadores, ya que denotan un eterno y cíclico retorno a lo mismo, por lo que resulta algo MUY extraño que un remake pueda no desmerecer ante la entrega inicial... aunque tampoco es imposible.

Hace una década se estrenó la película Posesión infernal (Evil dead) de Fede Alvarez, que era un remake del film homónimo que dirigió Sam Raimi en 1981, y para sorpresa de muchos... ¡el resultado era notable y digno! Como la historia quedaba abierta para una hipotética secuela, pensaba que tarde o temprano se decantarían por ello, pero al final su responsable se inclinó por otras cosas (como la destacable No respires), mientras que la franquicia derivó a televisión, tomando como base el planteamiento clásico para generar la serie Ash vs Evil dead que duró tres temporadas (de 2015 a 2018)

Parecía que el destino de esta saga se quedaría en televisión, ya que en un principio ese iba a ser el destino de la presente Posesión infernal: El despertar (Evil dead rise) pero mira tú por donde que el aluvión de críticas positivas les llevó a arriesgarse y estrenarla en cines, y es justo admitir que ha sido una buena decisión porque el resultado es un palpable ejemplo de que en algunos casos, volver sobre material conocido desde otra perspectiva puede ser bueno. Tampoco quiero levantar falsas expectativas, porque esta película es lo que es, sabe en el terreno que juega y por tanto ofrece lo que el espectador espera (no mienten cuando dicen que han usado cantidades masivas de sangre falsa ya que es visible en la pantalla), pero al igual que la reciente Scream VI demostró que un nuevo escenario puede ser novedoso para la saga, este film juega la misma baza con resultados óptimos.

De todas maneras habría que achacar que el edificio donde transcurre esta película sea uno viejo al borde del derrumbe, ya que no negaré que funciona como escenario para el tipo de película que es, pero hubiera sido curioso que todo ocurriera en un edificio normal, teniendo más mérito el insertar terror en un escenario en principio no proclive a ello (digamos que tal como se plantea la historia, con el escenario ya tienes cubierto, sin arriesgar tampoco mucho, un alto porcentaje del terror resultante, aunque no deja de ser nada más que una opinión personal) También se puede hacer bastante evidente, aunque su director Lee Cronin lo sabe plasmar con solvencia, que lógicamente descubrirán el Necronomicón (elemento primordial de esta franquicia) y que harán con él lo que no deben, provocando los sangrientos resultados posteriores. Esos serían los peajes que tiene que pagar por pertenecer a la saga Evil dead (incluidos guiños como el final con la motosierra)

¿Cual es la historia de esta película? En principio, e igual como referencia hacia sus orígenes, este film parece comenzar en la previsible cabaña en el bosque y tres personajes que vendrían a ser mera carnaza, pero tras ese inicio funcional (aunque dentro de lo previsible) la acción retrocede justo al día previo. De ni uno de esos personajes se vuelve a decir nada (aunque en el tramo final se hilvana con su prólogo, para darle coherencia al conjunto y dejar las puertas abiertas para una continuación, si se tercia) siendo a partir de ese momento la historia de una madre abandonada por su marido (encarnada con soltura por la actriz Alyssa Sutherland) que tiene que hacerse cargo de sus tres retoños (destacando la más pequeña, interpretada de forma notable por la jovencita Nell Fisher, que hace aquí un excelente debut), a lo que sumar la llegada de la hermana menor de la madre, que acaba de descubrir que está embarazada. Habrá quien se percate del hecho de que son mujeres cuatro de los cinco personajes principales, pero en el terror siempre ha funcionado la figura de la Final girl (en especial en el slasher), por lo que tampoco recurren a algo extraño, sabiéndolo manejar con acierto.

 

Posesión infernal: El despertar (Evil dead rise) sabe transmitir tensión y asustar en su justa medida, y aunque cuando se desata su vertiente más sangrienta podía correr el riesgo de caer en lo grotesco, el director maneja con solvencia dicho aspecto para que no se le desborde hacia lo meramente chistoso de puro exceso (aunque en algunos momentos parezca que la sangre rezuma por la pantalla, sobretodo en el ascensor y ese guiño hacia cierto clásico de Stanley Kubrick) Los cinco personajes principales cumplen con solvencia, y el resto del reparto no deja de ser meramente funcional, pero también adecuado. En resumidas cuentas, aunque tampoco es que cuente algo especialmente novedoso, los aciertos de esta nueva entrega radican en la forma en que lo hace (me gustó el uso que se hace de la mirilla de la puerta), unido a un escenario hasta ahora novedoso en la franquicia, ofreciendo un resultado final bastante destacable.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de abril de 2023.
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CARPANTA 75 ANIVERSARIO / HIT-GIRL EN HOLLYWOOD / HIT-GIRL EN CANADÁ / BEYOND THE BAD DREAM / MARVEL ZOMBIES REUNIOS 1 y 2

CARPANTA 75 ANIVERSARIO 

Por cumplir 75 años el pasado 2022, se editó este hermoso tomo recopilatorio de Carpanta que ha entrado en la biblioteca hace poco, y que he disfrutado incluso en su trasfondo. Eso lo digo porque de pequeño, como le habrá pasado a muchos, leí mogollón de comics de Bruguera, entre cuyos muchos personajes estaba este Carpanta, que aunque no estaba entre mis preferidos siempre leía con curiosidad. Pero mientras que de niño me quedaba tan solo con sus múltiples andanzas de cara a intentar llenar el estómago, con la veteranía de los años he podido ver el trasfondo que hay tras este personaje: creado en 1947 (un año antes que su autor, Escobar, creara a los también emblemáticos Zipi y Zape) Carpanta no hacía más que reflejar la situación de una sociedad con la Guerra Civil aún reciente, y padeciendo las altas cotas de pobreza que generó, de lo cual su protagonista era un buen ejemplo, acompañado por su amigo Protasio, en muchas ocasiones contrapunto de las peripecias del protagonista. Esta antología incluye material inédito, así como una selección de historias y portadas de Carpanta, con un prólogo a cargo de Paco Roca, resultando sin duda una obra muy interesante.

• Carpanta 75 aniversario, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

HIT-GIRL EN HOLLYWOOD

Nueva entrega de las aventuras de la protagonista que se situaría en cuarto lugar por su fecha de edición, si bien se puede leer y disfrutar independientemente sin problemas. La historia comienza en un número casi sin diálogos (la calidad del dibujo habla por si sola) donde Hit-Girl se entera de que van a rodar una película sobre ella, lo cual la hará embarcarse hacia Hollywood para intentar frenar lo que ella considera una afrenta hacia su tragedia personal. El problema radica en que cuando encuentra al responsable de dicho film en rodaje, alguien se ha adelantado y lo ha castrado (me resulta muy evidente la equivalencia entre dicho personaje ficticio y el real Harvey Weinstein), siendo la propia Hit-Girl la máxima sospechosa. En esta ocasión el guión corre a cargo de Kevin Smith, que sabe encajar al personaje titular dentro de una sarcástica visión de humor negro del mundo de Hollywood, lo cual se beneficia además del muy acertado apartado gráfico de la danesa Pernille Ørum. El resultado final sigue la tónica general del periplo viajero de su protagonista, si bien en esta ocasión con guiños al pasado de la misma dirigidos sobretodo a los ya veteranos lectores de este universo.

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HIT-GIRL EN CANADÁ

Mato dos pájaros de un tiro y consigo leer dos comics seguidos de Hit-Girl, con los cuales ya completo lo que fueron sus cinco primeros, aunque en el orden en que en la biblioteca los he podido tener disponibles. De esa manera el orden sería primero Colombia, después esta de Canadá, a continuación Roma, justo después la de Hollywood sobre estas líneas y tras esa Hong-Kong, quedándome ahora mismo tan solo pendiente en el momento de escribir esta reseña la de India. En lo que se refiere a este arco argumental en el que la protagonista viaja hasta Canadá, la tónica sigue siendo la habitual en sus aventuras, si bien en este caso abandonando los ambientes urbanos por los terrenos más inhóspitos del citado país. Allí va Hit-Girl tras la pista de un narcotraficante y su banda, pero sin evaluar previamente las condiciones climáticas, lo que la llevará en inicio al borde del abismo (véase las visiones con su difunto progenitor), aunque encontrará un alma caritativa que le echará una mano. Jeff Lemire cumple con solvencia con el guion, muy bien acompañado en el apartado gráfico con la labor de Eduardo Risso, siguiendo con la tónica de equipos rotativos para cada destino.

• Hit-Girl en Canadá, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

BEYOND THE BAD DREAM

Mis mangakas preferidos en el género del terror son Hideshi Hino y Junji Ito, pero me he llevado una agradable sorpresa con este Beyond the bad dream obra de Sachiko Uguisu. Se trata de un recopilatorio de diez relatos breves que vieron la luz entre 2009 y 2017, para después ser reagrupados en tomo que es como se ha editado aqui. Aunque no podría decir que sean antológicos, sin duda alguna resultan bastante "juguetones", ya que maneja todo tipo de elementos propios del terror (asesinos en serie, zombis, espíritus, monstruos, fantasmas, vampiros, ciertos toques de gore, etc.), pero dotando a los relatos de un final sorpresivo, un giro argumental muy al estilo de clásicos como The twilight zone y similares, en el que muchas veces no hay una explicación a los hechos sucedidos, dejándolo a lo que cada lector quiera imaginar. Todos los relatos incluidos resultan sugerentes, pero en algunos casos me encantó la deriva que toman, como ocurre por ejemplo en el titulado Mi amiga (en el que el poder de sugestión llega a cotas máximas) o en el de El fantasma del amor (en el que un relato que coquetea con el amor de ultratumba deriva en una perturbadora historia con asesino en serie)

• Beyond the bad dream, ficha técnica por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

MARVEL ZOMBIES REUNIOS 1 y 2

Bajo este título se engloba una curiosa traslación al formato manga, no de la saga Marvel Zombies generada en el universo Marvel tradicional de los comics, sino una especie de traslación al universo de las películas, ya que bien pronto queda claro que la acción de esta historia estaría situada tras la primera película de Los Vengadores, siendo los protagonistas el Capitán América, Thor, Iron Man, Hulk, Ojo de Halcón y la Viuda Negra. El planteamiento es sencillo: se desata un virus zombi (aunque siendo más exactos de "infectados") y los héroes han de intentar contenerlo para que no salga de la Torre Stark, aunque pronto se verán superados por las circunstancias. Dividido en dos tomos, el primero de ellos se completa con una precuela a la segunda película de Los Vengadores que no pasa de mera anécdota, lo que se podría hacer extensivo a todo este manga. Moderadamente entretenido (es lo que es), la historia peca de ciertas inconsistencias en su desarrollo, a lo que sumar algunos momentos en los que incluso se permiten intrascendentes flashbacks de algunos personajes, lo que remite por ejemplo a los films de presentación de Iron Man o el Capitán América.

• Marvel Zombies reunios, ficha editorial del 1 por este enlace, del 2 por este enlace y ficha de la biblioteca (de ambos) por este otro.

LOS TRES MOSQUETEROS: D'ARTAGNAN

Que duda cabe de que Los tres mosqueteros de Alexandre Dumas es todo un clásico literario: valgan de ejemplo las múltiples adaptaciones que ha tenido la historia a todo tipo de formatos con mayor o menor fortuna en el resultado final. De hecho el protagonista D'artagnan se ha visto interpretado por actores tales como Douglas Fairbanks, Gene Kelly, Michael York, Chris O'Donnell o Logan Lerman entre otros, sin olvidar su adaptación como serie de animación en la mítica Dartacan y los tres Mosqueperros, que sin duda marcó a toda la generación que la disfrutó en la década de los ochenta.

Tantas adaptaciones ha dado como resultado unas obras donde incluso cabe el humor (Cantinflas en 1942 y Martes y Trece en 1983 hicieron sus respectivas parodias a partir de la obra original), por lo que más allá de cual sea la mejor (estando la duda entre la dirigida por George Sidney en 1948 o la de Richard Lester en 1973), podríamos decir que ha habido una para cada generación, siendo la de Stephen Herek en 1993 para la Disney de la que guardo un mayor aprecio. De la misma hay que destacar la balada All for love cantada por Bryan Adams, Sting y Rod Stewart a partir del muy emblemático lema de estos personajes: Todos para uno y uno para todos.

Desde aquella versión, que bien puede no ser perfecta pero que sin duda en su momento me encandiló, lo más remarcable en cuanto a nuevas adaptaciones fue la disparatada versión perpetrada por Paul W.S.Anderson en 2011, para mayor gloria de la que por entonces era su musa (Milla Jovovich como Milady de Winter), en donde desperdició a actores como Mads Mikkelsen o Christoph Waltz en una adaptación delirante, donde nada más veías los barcos voladores en los trailers ya te hacían temer que aquello no podía ser bueno. Pero lejos de ese Hollywood que en muchos casos pervierte a grandes obras y personajes con resultados y fidelidad bastante discutibles, ha sido en la propia patria de la novela original (Francia) donde se ha llevado a cabo una inesperada adaptación en dos entregas, de la cual se estrena esta primera con el subtítulo de D'Artagnan.

 

A la espera de que a finales de este año se estrene la segunda parte en su pais de origen, con el subtítulo de Milady (si bien aqui no lo hará hasta 2024), esta película dirigida por Martin Bourboulon parece ser (dentro de las adaptaciones realizadas en las últimas décadas) la más respetuosa con el espíritu original de la obra de Alexandre Dumas, pese a que también se toma algunas libertades tanto en cuanto a personajes (¿y Rochefort y Planchet?) como a la condición de otros (lo de Porthos) Su presupuesto de más de 70 millones de euros la convierte en la superproducción europea más cara del presente año, pero es justo admitir que luce en pantalla con una ambientación exquisita, detallista y rigurosa para situarnos sin problema en el París de 1627.

 

Aunque el esquema básico de la historia es el ya conocido por todos (con esas intrigas palaciegas en un país al borde del conflicto, dividido entre católicos y protestantes), el ritmo del film no desfallece, logrando mantener entretenido al espectador en (casi) todo momento. El reparto funciona de forma adecuada en líneas generales (aunque el Cardenal Richelieu tiene una presencia menor de la esperada, al menos en esta entrega) logrando, en el caso de los mosqueteros protagonistas, hacer que unos personajes que podrían haberse quedado en meros estereotipos de héroes intachables se nos muestren más cercanos y con matices. La que más destaca es Eva Green como una notable Milady, sin desmerecer a un convincente Vincent Cassel como Athos.

En resumidas cuentas esta Los tres Mosqueteros: D'artagnan es una película cuyo mayor mérito estaría en el hecho de ser entretenida pese a contarnos una historia con un montón de versiones y adaptaciones previas, por lo que se puede decir que ya es mínimamente conocida por casi todos. Las escenas de acción funcionan bastante bien, siendo destacables en su planteamiento, si bien en muchos casos su resolución es un tanto confusa por la manera de rodarlas. Y como toda historia dividida en dos (como pasó por ejemplo con Harry Potter y las reliquias de la muerte), ahora queda esperar para ver si la segunda parte dará un colofón digno a esta nueva adaptación de uno de los mayores clásicos de la literatura del género de aventuras de capa y espada.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de abril de 2023.

RENFIELD

Admito que mi interés principal en esta película radicaba en ver a Nicolas Cage como Drácula, ya que como todo el mundo tiene asumido el tipo de actor que es (excéntrico, histriónico y capaz tanto de lo mejor como de lo peor a la hora de afrontar sus papeles), pensaba que aqui nos ofrecería su versión más exagerada y esperpéntica. Ese era mi primer interés en una película de la que no esperaba demasiado, ya que si el vampirismo en cine se ha tocado desde todos los puntos de vista posibles, el célebre personaje literario creado por Bram Stoker en 1897 también se las ha visto de todos los colores en las pantallas (de hecho mi versión preferida es la que llevó a cabo en 1992 Francis Ford Coppola, del que curiosamente el antes citado Nicolas Cage sería su sobrino en la vida real)

Muchos han sido los actores que han encarnado a Drácula en pantalla, pero sin duda alguna los más emblemáticos se podrían decir que han sido Bela Lugosi y Christopher Lee, siendo los que toma de referencia Nicolas Cage (sobretodo el primero) para ofrecer una de sus habituales muestras de interpretación histriónica con las que se ha granjeado tanto fans como detractores (será luego cuestión de que cada espectador evalúe a que nivel de exceso se situaría en la variada filmografía del citado actor) Pero él no es el protagonista de esta película sino Renfield, un personaje secundario en la novela original de Bram Stoker, que aquí es interpretado por el actor Nicholas Hoult, visto por ejemplo como Hank McCoy en las películas de los X-Men surgidas a partir de Primera Generación, o en la reciente (y muy recomendable) El menú. 

El presente film parte de una idea de Robert Kirkman (el responsable de The walking dead, el comic del que partió la franquicia televisiva homónima, con sus spin-offs aún en vigor) y está dirigido por Chris McKay (en cuyo historial figuran títulos como Batman: La Lego película) La historia nos presenta a Renfield en la época actual, asistiendo a un grupo de apoyo mientras pone en antecedentes al espectador, con un simpático guiño al Drácula de Tod Browning de 1931 donde vemos a Cage siguiendo la estela de Bela Lugosi. Eso sirve para mostrar como se ha establecido una malsana relación entre el conde y el protagonista, en la cual este último tiene que estar disponible para cualquier petición que le haga su amo, bajo pena de terribles sufrimientos. Pero Renfield se siente agobiado por esa relación tóxica establecida con una personalidad claramente narcisista (pese a un Cage aún no tan desmadrado como podía haber llegado a estar), siendo ese el motivo por el que acude a ese grupo de ayuda cuya terapia espera que le pueda ser útil, si bien no en el sentido inicial que uno esperaría (Renfield intenta seleccionar víctimas para su amo con cierta justicia moral)

 

El caracter pusilánime de Renfield hacia su vampírico amo y señor da un relativo vuelco cuando conoce a la honrada agente de policía encarnada por Awkwafina, y con lo de "honrada" me vengo a referir a que pronto queda claro que sus ideales chocan con un departamento en el que la corrupción campa por sus anchas, forzándola a estar siempre al margen de la acción. Dos personajes a priori tan contrarios como ella y el protagonista se verán inmersos, debido a las circunstancias, en una guerra contra la principal familia de narcotraficantes de Nueva Orleans, en la que también meterá baza el propio Drácula cuando descubra que su siervo no está contento con la condición que gracias a él ha mantenido durante décadas. El problema de este film, pese a que en líneas generales funciona tanto por sus pocas pretensiones como por su ajustado metraje (sólo 93 minutos), es estar sustentada en una idea graciosa pero que se alarga demasiado, lo cual funciona en ciertos momentos (en los que admito que sonreí, en ocasiones de puro exceso por un gore desmadrado), pero cuyo esquema básico recuerda a las películas justicieras de Steven Seagal. 

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de abril de 2023.
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THE HELLBLAZER / ESPÍRITUS Y CRIATURAS DE JAPÓN / EN MODO AVIÓN / STEAMPUNK / NILS HOLGERSSON

THE HELLBLAZER

Todo un señor tomaco (son casi 600 páginas) el que me he leido de la biblioteca titulado The Hellblazer, y que como es lógico suponer es una nueva andadura de la susodicha colección (en origen sin el The delante) en la que vivió innumerables andanzas el personaje de John Constantine. Este tomo incluye el primer número de Hellblazer: Renacimiento más los 24 números de la susodicha cabecera The Hellblazer, por lo que lo primero y más evidente que ofrece este sustancioso tomo es una clara variación de autores, ya que varios son los guionistas y (siendo en ese apartado donde se hace más evidente) también son varios los responsables gráficos, si bien es justo admitir que se logra mantener una relativa coherencia y sensación de continuidad. El resultado en su conjunto es correcto, intentando recuperar (con más o menos acierto) aquel espíritu original de este personaje, cuando vivía sus andanzas en el sello Vertigo, antes de que se le mezclara con el resto del universo DC (con una ligera presencia entre estas páginas, pero sin nunca enturbiar al verdadero protagonista de este comic: un John Constantine que sigue siendo el personaje que conocimos)

• The Hellblazer, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

ESPÍRITUS Y CRIATURAS DE JAPÓN

De mi lectura de mangas me he aficionado al tema yokai, mientras que también he citado por este blog mi afinidad ante la obra de Benjamin Lacombe, estupendo ilustrador francés del que ya he disfrutado de su arte en varias obras. Es por ello que si en su momento ya leí Historia de fantasmas de Japón de Lafcadio Hearn e ilustrado por el citado Lacombe, no lo dudé a la hora de escoger Espíritus y criaturas de Japón, que vendría a ser algo así como una continuación del anterior volumen, también del mismo autor, y de nuevo con la maravillosa labor artística de Lacombe. En este caso se hace una selección de varios relatos y detalles sobre el folclore clásico japones, que gustarán más o menos en función de cada lector, pero pese a tocar ciertos temas sobrenaturales (que no terroríficos) con la inclusión de criaturas míticas como los kappa o los kitsune, la narrativa de Hearn consigue que disfrutemos de ellos cual si fuera una destacable lección de curiosidades autóctonas. En una cuidada edición, las mismas se ven complementadas con el maravilloso trabajo gráfico de Lacombe, transformando el resultado final en una delicia no solo literaria sino también visual.

• Espíritus y criaturas de Japón, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

EN MODO AVIÓN

Me gustan los comics de profesiones de todo tipo, ya que lo mismo te puedes encontrar anécdotas de un camarero, que de una farmaceutica, que de una maestra de pueblo. Siguiendo en esa estela ahora le toca a las azafatas de aviones (más exactamente las asistentes de vuelo), que gracias a la web de Azafata Hipóxica se ha ganado el mérito de ver trasladada a las viñetas algunas de sus anécdotas. En la citada página Andrea Enríquez Cousiño concentra las muchas anécdotas y situaciones de lo más variopintas que se dan dentro de su profesión, y en este comic vendría a recurrirse a las que suceden en un viaje de 5 horas que sale desde España con destino a Reikiavik. En esta obra se concentra, como es lógico, la visión más positiva de dicha profesión, que se ve aderezada con todo tipo de situaciones de lo más inesperadas (desde pasajeros enfurruñados hasta perros algo díscolos), pero de las que sabe salir con solvencia, lo cual demuestra el esfuerzo y el tesón de su trabajo, pero al mismo tiempo la ilusión con la que lo lleva a cabo. Cinta Villalobos sería la encargada de plasmar todo esto en las viñetas, labor que desempeña de una forma bastante acertada.

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STEAMPUNK: FANTASÍA Y CIENCIA-FICCIÓN RETROFUTURISTA

Admito haberme topado en ocasiones con historias, sea en el formato que sea (cine, serie, comic, etc), que se pueden englobar dentro de la categoría de Steampunk, pero lo que ni de lejos me podía imaginar es todo lo que ha dado de si. Para eso sirve este libro titulado Steampunk: fantasía y ciencia-ficción retrofuturista de Manu González, y que admito que escogí en la biblioteca por una cierta curiosidad por mi parte sobre la temática, y que al abrirlo y hojearlo fuí a parar a El secreto de la pirámide, uno de mis films preferidos. En poco más de 200 páginas el autor define de manera clara y sencilla el steampunk, así como sus antecedentes, para después hacer una selección de trece autores literarios preferentes de dicha temática, y un análisis de más de 40 películas y/o series (entre ellas la antes citada de Sherlock Holmes, así como los dos films del detective de Guy Ritchie o la serie de animación de Miyazaki), más de una docena de comics (por ejemplo La liga de los hombres extraordinarios) y una decena de videojuegos, que se completan con un capítulo final dedicado a lo que de esa temática se puede encontrar aquí en España (clubs, webs, etc.)

• Steampunk: Fantasía y ciencia-ficción retrofuturista, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca pendiente de activar.

EL MARAVILLOSO VIAJE DE NILS HOLGERSSON A TRAVÉS DE SUECIA

Una de las series de animación de mi infancia que se me quedó marcada en el corazón fue sin duda Nils Holgersson (si bien el título original era El maravilloso viaje de Nils Holgersson) Se trataba de la adaptación japonesa de la obra original de Selma Lagerlöf, y como la misma no me la había leido, la probé de la biblioteca, encontrándome con una narrativa que se me hizo algo espesa para mi gusto, con lo cual la descarté también por un grosor superior al medio millar de páginas. Pero habiendo descubierto hace poco esa preciosa colección de clásicos ilustrados promovida por Benjamin Lacombe, y detectando que esta constaba en la misma (aunque las ilustraciones en este caso son de Yvan Duque), probé suerte con esta versión resumida donde, como en la parte final indican, los profusos 42 capítulos quedan resumidos en 24 según la versión de 1989 de Père Castor Flammarion, en una reformulación que respeta el espíritu original, añadiendo incluso un divertido encuentro entre el personaje y su creadora (Selma Lagerlöf) que en ningún momento desentona.

¿Porque se me hizo espesa mi primera aproximación literaria a esta obra? En esta versión lo he visto de forma clara: más allá del aprecio y el amor hacia la naturaleza (como por ejemplo en la novela de Bambi, si bien allí con un resultado mejor), este libro se escribió en origen para ser una obra didáctica sobre Suecia, abarcando tanto sus mitos como sus leyendas. El protagonista es un niño bastante grosero, sobretodo con los animales, que se ve castigado un día por un duende que lo vuelve de su misma condición y tamaño. A partir de entonces emprenderá un viaje migratorio, recorriendo el país con una bandada de gansos, en donde su carácter mejorará en sucesivas aventuras y encuentros inesperados, entendiéndose que esa es la lección moral que el duende considera que tiene que aprender para volver a su condición humana. Esta adaptación es recomendable para los que, como en mi caso, vieron la serie de animación, aparte de que también sirve para acercarles este relato a las nuevas generaciones (muchos ya tendrán hijos)

• El maravilloso viaje de Nils Holgersson a través de Suecia, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

SPIDER-MAN: EL BUITRE QUE FUE, Y EL QUE PUDO HABER SIDO

Como sabéis, mucha gente alaba al Buitre que Michael Keaton encarnó en Spider-Man: Homecoming, y lo respeto, si bien he de admitir que de haber sido yo -un purista confeso- el encargado de casting y del diseño de producción, la cosa hubiese sido bastante diferente. Y me explico: más allá de las capacidades interpretativas de Keaton (que no es mi intención aquí venir a poner en duda), convendréis conmigo en que ni su aspecto físico, ni el "traje" que lucía se aproximaba lo más mínimo al personaje en que supuestamente se basaba.

El buitre que concibió el maestro Steve Ditko era un señor de cierta edad, calvo y provisto de un traje bastante menos aparatoso que el que vimos en la película que, para colmo, contaba con unas "plumas" que hacían las veces de peligrosas cuchillas.

Arriba, el Buitre original. Abajo, el que pudimos ver en Spider-Man: Homecoming. Como veis, todo parecido entre ambos se reduce apenas al nombre.

Sin embargo, todo estuvo a punto de ser muy diferente. El caso es que tras el estreno de Spider-Man 3 de Sam Raimi, el equipo de aquella trilogía se puso a trabajar en lo que sería una cuarta entrega, cuyo estreno estaba previsto para 2011. No obstante, como es sabido, el proyecto fue abortado abruptamente en plena fase de preproducción. Siempre nos quedará la duda de qué tal habría resultado esa película, pero más allá de las conjeturas que podamos hacer, hay algunas cosas que sabemos a ciencia cierta. Y una de ellas es que el Buitre iba a ser el villano principal de la cinta, y ya se había tanteado al actor encargado de encarnarlo, que al parecer incluso habría dicho que sí. Ese actor no era otro que John Malkovich, un intérprete soberbio, cuyo parecido físico con Adrian Toomes era (y es) mucho mayor que el de Michael Keaton.

John Malkovich, quien estuvo a punto de interpretar al Buitre.

También, aquí abajo podéis ver una escultura de preproducción que nos da una idea de cómo se habría visto el intérprete ataviado con el traje.

Esta posibilidad a mí me pone los dientes muy largos... ¿Y a vosotros?

Y ya para finalizar, os dejo una imagen que el guionista Ken Penders (que fuera supervisor de la fallida producción) compartió en su cuenta de Twitter. Según sus propias palabras: "Antes de que Sony se despidiera de Tobey y Sam, la producción de Spider-Man 4 ya había comenzado y visité a unos amigos que estaban trabajando en el traje del Buitre destinado al actor John Malkovich. Una vez que se cerró la producción, se entregaron todos los materiales".

Como veis, las plumas eran cuchillas como en el diseño original de Ditko. Lástima que al final todo quedara en agua de borrajas...

(Más información sobre Spider-Man en este enlace). 

EL EXORCISTA DEL PAPA

Muchas veces he comentado (y ejemplos como este no hacen más que confirmármelo) que en cuanto a exorcismos en la gran pantalla, TODO lo que ha precedido a la película El exorcista (que justo este 2023 cumple 50 años) ha bebido, en mayor o menor medida, del film de William Friedkin basado en la obra de William Peter Blatty. Curiosamente hace pocos meses descubrí yo la citada novela, lo que me llevó a darle un revisado a la película que generó, por lo que tenía  bastante fresco en la mente su esquema básico, que el presente film se limita a reincidir. Ya en fechas recientes había visto y leido El exorcismo de mi mejor amiga (una novela discreta que generó una adaptación más bien olvidable), lo que no hacía más que reafirmarme en mi opinión sobre dicho subgénero del terror, pero le dí el beneficio de la duda a esta opción.

Intentando repetir el éxito del universo de películas generado a raiz de Expediente Warren, se nota mucho (y en especial en su tramo final) que la idea de sus responsables es convertir la vida y experiencias del sacerdote Gabriele Amorth (personaje real fallecido en 2016, que ejerció como exorcista en la Diócesis de Roma) en algo así como una versión cinematográfica similar a la del matrimonio Warren, encarnado en aquellas por Patrick Wilson y Vera Farmiga. Para ello se valen de un intérprete solvente como Russell Crowe, cuyo carisma consigue que en su conjunto El exorcista del Papa se deje ver sin problemas, si bien ello no la convierte en una buena película, ya que estamos ante un film que no innova en nada.

Dirigida por Julius Avery, del que justo el año pasado vi su obra previa Samaritan (donde Stallone encarnaba a un ficticio superhéroe crepúscular), en esta El exorcista del Papa se limita a situar la cámara con mayor o menor acierto en una historia donde tenemos la típica familia americana que arrastra un trauma, donde el más pequeño de la casa será poseido, lo que dará pie a todos los estereotipos relacionados con ello (por ejemplo el omnipresente crucifijo volteado), hasta que al final acuden al padre Amorth, aqui representado como una especie de pragmático antiheroe crepúscular que descubrirá que bajo ello se esconde un peligro relacionado con la antigua Inquisición Española, el cual puede poner en jaque a la Iglesia Católica, siendo a partir de ese momento cuando lo que parecía la enésima película de exorcismos se transforma en algo parecido al universo antes citado generado por Expediente Warren. El éxito del trabajo de su protagonista, el citado Russell Crowe, está en el hecho de ser el único personaje con el que el espectador logra empatizar, ya que el resto del elenco (donde sorprende encontrar a un actor como Franco Nero) tienen a su cargo unos personajes insípidos.

De todas maneras la película se deja ver, sin caer en el desastre, al respetar ciertos detalles como por ejemplo el idioma de cada personaje (ví este film en un pase de prensa en versión original, haciéndose patente el uso del italiano, el inglés y el español, por lo que ignoro como se solventará eso en la versión doblada que llega a los cines), a lo que sumar el antes citado trabajo de un Russell Crowe que sostiene la película sobre sus hombros, si bien se adivina que no hay ni rastro de cualquier detalle cercano al biopic del verdadero padre Amorth, decantándose más bien por una representación perfilada de cara a generar (si la suerte le acompaña) un carismático protagonista de una nueva franquicia de relativo terror (la distribuidora detras de un producto como este es Screen Gems, que conoce el género por franquicias como las de Resident Evil y Underworld) En resumidas cuentas El exorcista del Papa es el enésimo ejemplo de la larga sombra del film de Friedkin de 1973 citado al inicio (los paralelismos son evidentes), al que salvaría su falta de pretensiones más allá de moverse dentro del terror fantástico de serie B, con clara intención de generar un universo propio.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril de 2023.
• Galería de posters por este enlace.

SUPER MARIO BROS: LA PELÍCULA

Super Mario Bros nació como videojuego de plataformas en 1985. Diseñado por Shigeru Miyamoto, el éxito fue tal que a partir de ahí ha habido infinidad de versiones para todo tipo de formatos, logrando ser un icono para Nintendo. Admito que nunca he sido ni seguidor ni jugador acérrimo de videojuegos, pero mentiría si dijera que nunca he jugado alguna partida esporádica con el protagonista de esta franquicia, el fontanero Mario, por lo que se puede decir que más o menos lo conocía cuando fui al cine en 1993 para ver su adaptación en acción real, en su momento una película machacada por la crítica y denostada por el público, que se decantó en aquella temporada veraniega por otro estreno con dinosaurios que generaría su propia franquicia. Jurassic Park.

 

¿Tan mala era aquella película? Hace 30 años admito que no me disgustó, pero si que la recuerdo como algo FALLIDO, ya que las similitudes con el videojuego (por aquel entonces) podemos decir que eran tangenciales. De todas maneras creo que la pareja protagonista si era más o menos funcional, ya que tanto Bob Hoskins encarnando a Mario, así como John Leguizamo (actor al que descubrí a raíz del citado film) como su hermano Luigi cumplian con corrección la difícil papeleta. El problema radicaba en TODO LO DEMÁS, siendo difícil encontrar alguna similitud que recordara en algo a lo se había visto y planteado en los videojuegos. Uno de los fallos más evidentes que recuerdo fue poner aspecto humano al villano, interpretado por un histriónico Dennis Hooper, así como la ridícula justificación para el personaje de Daisy (a cargo de una Samantha Mathis entonces conocida por ser la novia del malogrado River Phoenix)

 

De todas maneras su error era ese tan común en algunas adaptaciones de los noventa y primeros 2000: intentar hacer en acción real algo IMPOSIBLE de trasladar a dicho formato. Hay cosas (comics, series de animación, videojuegos, etc.) cuya idiosincrasia hace que funcionen dentro de sus propios parámetros, pero que no acaban de convencer cuando se les cambia esa esencia propia, al menos hasta estos últimos años en que algunos proyectos si consiguen un acierto parcial. Ejemplos de lo primero hay muchos, que van desde la película de Los Picapiedra en 1994 a las dos películas en acción real de Mortadelo y Filemón de 2003 y 2008; films que pueden gustar más o menos según cada espectador, pero que resulta innegable que no acaban de hacer una traslación acertada de sus parámetros de origen. Sería como si alguien se planteara una adaptación en acción real de ¡¡¡Los Simpsons!!!… son disparates innecesarios.

 

Si por tanto la mejor manera de adaptar Super Mario Bros era la animación, ¿tanto ha costado realizar una película como esta? Vale que ha habido algunos programas televisivos, alguna serie de animación a lo largo de su historia, así como traslación a las viñetas de los comics, pero todo ello fue previo al estreno del film de 1993 (que incluso generó su variante porno, en dos entregas con Ron Jeremy de protagonista, que fueron compradas por Nintendo para hacerlas “desaparecer” y mantener el buen nombre de la franquicia) Se ha tenido que esperar a que Illumination Entertainment (famosos por Los Minions) y Universal Pictures se pusieran de acuerdo para realizar esta película, que por fin consigue hacerle justicia visual a estos personajes, aunque quizás peca de excesivo fan-service (son tropecientas mil las referencias: yo pillé muchas pero seguro que aún hay más) así como de un ritmo en algunos momentos excesivamente alocado. Pese a todo creo que convencerá al público infantil al que va dirigida, así como también a los nostálgicos que por fin verán en pantalla (en esta ocasión de cine) una acertada traslación visual de este personaje y su universo de plataformas, si bien con la pena de que algo así no hubiera llegado antes.

 

Pero más allá del fan-service, ¿convence? Su argumento es simple y sencillo (no nos vamos a engañar), por lo que por ahí puede que el resultado flaquee para muchos. También tiene un apartado musical que funciona cuando se centra en si mismo, pero con ciertas elecciones en cuanto a canciones que pueden levantar discrepancias (aunque a mi me resultaron funcionales) Al haberla visto en pase de prensa en versión original subtitulada es justo citar a Chris Pratt como Mario, Seth Rogen como Donkey Kong y Anya Taylor-Joy como la Princesa Peach (que, a tono con los tiempos que corren, ya no es la previsible damisela en apuros), aunque quien sin duda lo borda es Jack Black como el villano Bowser, así como los comentarios morbosos (respecto a como se encuentra) de Lumalee, con una chistosa voz de helio. Siguiendo con esa moda de escenas tras los créditos, en la última se sugiere la presencia de cierto popular aliado del protagonista, en caso de que esta película funcione lo suficiente como para generar una secuela.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril de 2023.
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